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Oscars 2027 : cinq films présélectionnés pour représenter la France

Thu, 10 Sep 2026 19:27:00 +0000

La France tient ses cinq prétendants pour l’Oscar 2027 du meilleur film international. Réunie jeudi 10 septembre au Centre national du cinéma et de l’image animée, la commission française a retenu La Bataille de Gaulle – L’Âge de fer d’Antonin Baudry, Le Corset de Louis Clichy, La Gradiva de Marine Atlan, L’Inconnue d’Arthur Harari et Minotaure d’Andreï Zviaguintsev. Un seul sera choisi le mercredi 16 septembre pour porter la candidature française.

Cinq films aux profils très différents pour représenter la France

La Bataille de Gaulle – L’Âge de fer est le premier volet du diptyque historique d’Antonin Baudry consacré au général de Gaulle. Simon Abkarian y incarne le chef de la France libre, face notamment à Simon Russell Beale dans le rôle de Winston Churchill. Sorti en salles le 3 juin, le film est adapté du livre De Gaulle : une certaine idée de la France de l’historien Julian Jackson.

Le Corset de Louis Clichy est un film d’animation situé dans une ferme de Beauce. Il suit Christophe, 11 ans, contraint de porter un corset orthopédique et qui découvre progressivement la musique. Le réalisateur, passé par les Gobelins puis par Pixar, avait auparavant coréalisé avec Alexandre Astier Astérix : Le Domaine des dieux et Astérix : Le Secret de la potion magique.

La Gradiva est le premier long métrage de Marine Atlan, jusque-là connue notamment comme directrice de la photographie. Le film accompagne un groupe de lycéens français en voyage scolaire à Naples et à Pompéi. Présenté en première mondiale à la Semaine de la Critique, il y a remporté le Grand Prix.

Avec L’Inconnue, Arthur Harari raconte l’histoire d’un photographe qui se réveille dans le corps d’une femme aperçue quelques heures auparavant. Léa Seydoux et Niels Schneider figurent au casting. Le cinéaste adapte ici Le Cas David Zimmerman, roman graphique de son frère Lucas Harari. Deux ans plus tôt, Arthur Harari avait remporté avec Justine Triet l’Oscar du meilleur scénario original pour Anatomie d’une chute.

Minotaure marque le retour d’Andreï Zviaguintsev au long métrage. Situé dans la Russie de 2022, le film suit l’effondrement de la vie d’un chef d’entreprise et de sa famille. Son scénario, écrit par Zviaguintsev et Simon Liachenko, s’appuie sur La Femme infidèle de Claude Chabrol.

Cannes 2026 est le fil rouge des cinq films présélectionnés

Cette présélection française possède une particularité : ses cinq films ont tous été montrés à Cannes au printemps 2026, même s’ils n’y concouraient pas dans la même section.

La Bataille de Gaulle – L’Âge de fer était présenté hors compétition. L’Inconnue et Minotaure figuraient dans la compétition officielle, tandis que Le Corset était sélectionné à Un Certain Regard. La Gradiva participait pour sa part à la Semaine de la Critique.

Trois titres sont repartis récompensés. Le Corset a obtenu le Prix spécial du jury d’Un Certain Regard, La Gradiva le Grand Prix de la Semaine de la Critique et Minotaure le Grand Prix du Festival de Cannes.

Les Oscars ont modifié les règles du meilleur film international

La course 2027 se déroule avec une nouveauté importante. L’Academy permet désormais à certains films non anglophones d’être soumis sans passer par la sélection nationale s’ils remportent un prix déterminé dans l’un de six festivals internationaux qualifiants.

À Cannes, cette possibilité est réservée à la Palme d’or. Les Grand Prix et récompenses obtenus par Minotaure, Le Corset ou La Gradiva ne leur accordent donc pas automatiquement cette nouvelle voie d’accès.

Un autre changement concerne la nomination elle-même : à partir de cette édition, c’est le film qui sera officiellement crédité comme nommé, et non plus le pays ou le territoire. Le réalisateur acceptera la récompense au nom de l’équipe créative.

Pourquoi l’audition du 16 septembre est décisive

La commission française se réunira une seconde fois le mercredi 16 septembre. Elle entendra les producteurs, les vendeurs internationaux et, lorsqu’il y en a un, le distributeur américain de chacun des cinq films. À l’issue de ces auditions, elle désignera le titre envoyé à l’Academy.

La question de la diffusion internationale n’est pas anecdotique. Le dossier français demande notamment une lettre d’intention des producteurs et du vendeur international ; une lettre du distributeur américain peut également être fournie. L’Academy vérifiera ensuite elle-même l’éligibilité du film finalement soumis.

Trois films sortiront en France après la date limite d’éligibilité

Le Corset et Minotaure sont annoncés dans les salles françaises le 14 octobre, tandis que La Gradiva doit sortir le 4 novembre. Cette chronologie n’exclut pas automatiquement ces films : le règlement prévoit une sortie anticipée dite technique, pendant sept jours consécutifs dans un même cinéma avant le 30 septembre, lorsque la sortie commerciale est programmée d’ici au 31 décembre 2026.

Les prochaines dates de la course aux Oscars 2027

16 septembre 2026 : auditions et choix du film représentant la France ;
30 septembre 2026 : date limite de soumission auprès de l’Academy ;
15 décembre 2026 : annonce de la liste de 15 films ;
21 janvier 2027 : annonce des cinq films nommés ;
14 mars 2027 : 99e cérémonie des Oscars.

À ce stade, aucune hiérarchie officielle n’existe entre les cinq films. Le prochain rendez-vous est donc fixé au 16 septembre, lorsque la commission française devra transformer cette présélection très cannoise en une candidature unique.

Révolté sur YouTube depuis le 1er septembre 2026 : Noël Mitrani teste une autre voie de distribution

Tue, 08 Sep 2026 18:07:00 +0000

Disponible gratuitement sur YouTube depuis le 1er septembre 2026, Révolté de Noël Mitrani transforme sa diffusion en sujet de cinéma. Dans le même catalogue, le film Toutes les deux dépasse 5,4 millions de vues. De quoi poser une question très concrète : YouTube peut-il ouvrir une seconde voie aux films indépendants qui peinent à trouver leur écran ?

Un film peut désormais rencontrer plusieurs millions de spectateurs sans suivre le parcours qui conduisait traditionnellement d’un producteur à un distributeur, puis d’un programmateur à une salle. Avec Révolté, Noël Mitrani pousse cette logique jusqu’au long métrage proposé gratuitement dans son intégralité.

Alors, qui décide encore de ce qu’un film peut devenir ? La réponse n’est plus seulement à chercher du côté des commissions, des chaînes, des plateformes de vidéo à la demande ou des plans de sortie. Avec YouTube, le public peut accéder directement à l’œuvre. Mais le filtre n’a pas disparu pour autant : il a changé de forme.

Révolté : un long métrage diffusé comme une œuvre à part entière

Révolté raconte le conflit de deux frères confrontés à la même histoire familiale. Édouard tient leur père pour responsable de la mort de leur mère. Samuel défend une autre lecture des faits. Un secret vient progressivement déplacer leurs certitudes.

Camile Foley et Elliott Mitrani incarnent les deux frères. Émilie Massé, Natacha Mitrani, Mélanie Elliott, Pierre-Luc Brillant et Veronika Leclerc Strickland figurent également à la distribution. Martina Adamcová et Noël Mitrani assurent la production, Vincent Cadoret signe la photographie et Benjamin Mitrani la musique.

Le film n’arrive pas sur YouTube sous la forme d’un extrait destiné à vendre une autre exploitation. Le long métrage lui-même constitue le programme. Dans son entretien avec La Radio du Cinéma consacré à Révolté, Noël Mitrani résume ainsi son objectif : « L’idée, c’est que mon travail soit vu », explique le réalisateur.

Cette phrase déplace immédiatement la question économique. La gratuité pour le spectateur ne signifie pas que l’œuvre n’a plus de valeur, ni qu’une diffusion sur YouTube est dépourvue de modèle économique. Elle signifie d’abord que l’accès au film n’est plus conditionné par l’achat d’un billet ou un abonnement à une plateforme.

5,4 millions de vues : ce que montre déjà le catalogue de Noël Mitrani

Le précédent le plus visible se trouve déjà sur la chaîne utilisée pour diffuser ses films. Marcova Productions fait état d’un film de Noël Mitrani qui n’aurait trouvé ni sortie en salle, ni programmation télévisée, ni accueil sur une plateforme avant sa diffusion gratuite en ligne. Au 8 septembre 2026, Toutes les deux, proposé sous son titre anglais Between Them, y affiche environ 5,4 millions de vues. Sortie en 2021, cette comédie avec Veronika Leclerc Strickland et Mélanie Elliott avait aussi circulé dans des festivals et fait l’objet d’une projection à la Cinémathèque québécoise.

Le chiffre reste néanmoins instructif pour une autre raison : une audience numérique importante peut exister autour d’un long métrage francophone indépendant sans que cette audience ait été construite par une sortie nationale en salles. Cela ne permet pas de convertir cinq millions de vues en cinq millions de spectateurs de cinéma, encore moins en recettes comparables à un box-office. Les unités de mesure et les usages ne sont pas les mêmes.

YouTube devient aussi un écran de salon

Qualifier YouTube de « salle » reste évidemment une métaphore. Il n’y a ni séance collective, ni exploitant, ni programmation territoriale, ni lumière qui s’éteint à heure fixe. Mais considérer la plateforme comme un simple écran de téléphone serait désormais tout aussi réducteur.

YouTube indiquait en 2025 que plus d’un milliard d’heures de ses contenus étaient regardées chaque jour sur des téléviseurs dans le monde. Aux États-Unis, Nielsen mesurait en mai 2026 une part record de 13,8 % du temps total passé devant la télévision pour YouTube. Ces données américaines ne préjugent pas du comportement du public français ou québécois face à un film indépendant, mais elles montrent que le visionnage de YouTube s’est installé sur le grand écran du salon.

Un long métrage de près de deux heures n’est donc plus nécessairement condamné à être regardé sur un ordinateur ou tenu à bout de bras. Le projecteur n’a pas disparu ; dans certains cas, il a simplement changé d’adresse.

Le distributeur disparaît-il ? Non, le filtre se déplace

Mettre un film sur YouTube supprime une première barrière : aucune acquisition par un service de streaming et aucun nombre minimal de séances ne sont nécessaires pour que l’œuvre soit techniquement accessible. Mais être accessible ne signifie pas être découvert.

La circulation dépend alors d’autres mécanismes : abonnés de la chaîne, recommandations, recherche, miniature, titre, durée de visionnage, relais dans la presse, réseaux sociaux et bouche-à-oreille. L’auteur ou le producteur récupère une partie de la maîtrise de la diffusion, mais assume aussi des fonctions qui appartenaient auparavant aux distributeurs et aux équipes marketing.

Le nouvel intermédiaire peut donc être algorithmique. Ce déplacement est important : un film écarté d’un catalogue traditionnel peut être mis en ligne en quelques minutes, mais rien ne lui garantit une place dans les recommandations de millions d’utilisateurs.

Pour mieux comprendre cette économie artisanale et cette recherche directe du public, Martina Adamcová détaillait à La Radio du Cinéma sa manière de produire, distribuer et rentabiliser un film indépendant.

Ce que l’expérience Révolté peut apprendre au cinéma indépendant francophone

Un seul film ne suffit évidemment pas à annoncer un nouveau modèle pour tout le cinéma indépendant. Une comédie, un documentaire, un film de genre ou un drame de plus de 100 minutes ne disposent ni du même public ni des mêmes possibilités de financement et de diffusion.

L’expérience devient en revanche intéressante lorsque les détenteurs des droits peuvent comparer plusieurs solutions. Une sortie gratuite sur YouTube peut constituer une stratégie de première diffusion, une seconde vie après des festivals ou une solution lorsque les débouchés traditionnels restent fermés. Elle n’oblige pas à déclarer les salles ou les distributeurs dépassés.

Le parcours de Noël Mitrani rend d’ailleurs le sujet moins théorique. Son premier long métrage, Sur la trace d’Igor Rizzi, avait été présenté à Venise avant de recevoir le prix du meilleur premier film canadien au Festival international du film de Toronto en 2006. Le réalisateur connaît donc aussi le circuit des festivals et des reconnaissances professionnelles.

Vingt ans plus tard, la question n’est plus seulement de savoir comment faire sélectionner un film, mais comment prolonger son existence lorsqu’aucune fenêtre ne paraît suffisamment ouverte. Ce débat rejoint celui de la découvrabilité des œuvres, également abordé dans notre suivi du Sommet Lumière 2026 consacré au cinéma, aux plateformes et aux nouveaux usages.

Révolté transforme ainsi une difficulté de distribution en expérience grandeur nature. YouTube ne remplace pas la salle obscure et ne garantit aucun succès. Mais la plateforme offre à certains films une possibilité qui, autrefois, n’existait presque pas : rester disponibles assez longtemps pour que leur public puisse peut-être finir par les trouver.

Révolté sur YouTube en 2026 : où voir le film, durée et accès

Titre : Révolté
Réalisation et scénario : Noël Mitrani
Production : Martina Adamcová et Noël Mitrani
Interprétation : Camile Foley, Elliott Mitrani, Émilie Massé, Natacha Mitrani, Mélanie Elliott, Pierre-Luc Brillant et Veronika Leclerc Strickland
Lieu : en ligne
Plateforme : chaîne YouTube @marcovaproductions
Date de mise à disposition : 1er septembre 2026
Accès : gratuit
Langue : français, avec sous-titres anglais optionnels indiqués sur la mise en ligne
Durée : 114 minutes
Classification au Québec : 13 ans et plus

Révolté
Noël Mitrani
Cinéma indépendant
YouTube

Sources

Sommet Lumière 2026 à Saint-Paul-de-Vence : l’IA, le droit d’auteur et un milliard d’euros d’investissements

Tue, 08 Sep 2026 13:00:00 +0000

Le Sommet Lumière 2026, réuni le 7 septembre à la Fondation Maeght de Saint-Paul-de-Vence, s’est achevé avec une Déclaration Lumière en 15 principes, cinq déclarations thématiques et plusieurs initiatives internationales. Plus de 120 signataires ont entériné le texte général. La France et la Corée du Sud ont aussi annoncé un Partenariat Lumière d’un milliard d’euros sur cinq ans.

Premier sommet international consacré à l’avenir du cinéma et de l’image animée, le rendez-vous a réuni plus de 200 responsables publics, créateurs, dirigeants d’entreprises et représentants d’institutions. L’Élysée fait état de participants venus de plus de 65 pays des cinq continents.

Au terme de la journée, l’intelligence artificielle, le droit d’auteur, la circulation des œuvres, la place des salles, le piratage, l’éducation aux images, l’égalité femmes-hommes et l’impact environnemental disposent désormais de textes de référence communs. Leur portée doit toutefois être précisée : ces déclarations fixent des principes et des engagements, mais n’instaurent pas à elles seules de nouvelles obligations juridiques contraignantes.

Une Déclaration Lumière en 15 principes

Le texte général adopté à Saint-Paul-de-Vence rassemble 15 principes. Il place l’œuvre de création au centre du secteur, défend la diversité culturelle, la rémunération de la création et la propriété intellectuelle, et réaffirme la place de l’exploitation en salle dans la circulation du cinéma.

La découvrabilité figure également parmi les sujets retenus. Le texte évoque explicitement le rôle croissant que pourraient jouer les intelligences artificielles dites agentiques dans l’accès aux œuvres et leur recommandation. L’enjeu formulé est que des œuvres différentes puissent rester visibles et accessibles lorsque leur découverte passe de plus en plus par des systèmes automatisés.

La Déclaration prévoit aussi une coopération accrue contre le piratage, le soutien à la liberté de création, l’égalité entre les femmes et les hommes, des pratiques de production plus durables et le développement de l’éducation aux images.

Cinq déclarations thématiques, dont une consacrée à l’intelligence artificielle

En complément de la Déclaration Lumière, cinq textes thématiques ont été adoptés. Ils concernent l’intelligence artificielle, la lutte contre le piratage, l’éducation aux images, l’égalité femmes-hommes et la sécurité sur les tournages, ainsi que la transition environnementale des industries de l’écran. Ces textes restent ouverts à de nouvelles signatures.

La déclaration consacrée à l’IA comporte six principes. Elle inscrit notamment les systèmes d’intelligence artificielle produisant, transformant ou utilisant des œuvres culturelles dans le champ des principes de la Convention de l’UNESCO de 2005 sur la diversité des expressions culturelles.

Elle affirme également que les œuvres créées par des êtres humains constituent le socle sur lequel reposent les systèmes d’IA générative et que l’utilisation d’œuvres protégées pour leur entraînement doit respecter la propriété intellectuelle et donner lieu à une rémunération équitable des titulaires de droits.

Le texte traite aussi de la préservation des emplois créatifs, de la transparence des données d’entraînement, de l’identification des contenus générés ou modifiés par l’IA et des moyens permettant aux ayants droit de repérer l’utilisation de leurs œuvres.

Ces questions étaient déjà présentes dans les débats du secteur au printemps. À Cannes, Diane Kruger, Iris Knobloch et plusieurs professionnels avaient abordé les conséquences de l’intelligence artificielle sur la création cinématographique.

Ce que la SACD retient de la déclaration sur l’IA

Dans une réaction publiée le 8 septembre, la Société des auteurs et compositeurs dramatiques met en avant quatre éléments de la déclaration relative à l’intelligence artificielle.

Création humaine et rémunération : reconnaissance du rôle des œuvres humaines dans l’entraînement des systèmes génératifs et principe d’une rémunération équitable des titulaires de droits concernés.
Transparence et traçabilité : mise en place de mécanismes permettant d’identifier les œuvres utilisées pour l’entraînement ainsi que les contenus générés ou assistés par intelligence artificielle.
Emploi et talents artistiques : prise en compte de la préservation des emplois créatifs et de la diversité des talents dans les politiques publiques liées au développement de l’IA.
Diversité culturelle : rattachement de ces enjeux aux principes de la Convention de l’UNESCO de 2005 et reconnaissance de la capacité des États à conduire leurs politiques culturelles face aux évolutions technologiques.

La SACD demande désormais que ces principes soient repris dans les travaux de l’UNESCO et dans la future stratégie européenne sur l’intelligence artificielle. Il s’agit d’une demande formulée par l’organisation d’auteurs, et non d’une mesure adoptée par l’Union européenne lors du Sommet.

La proposition de loi Darcos reste en discussion à l’Assemblée nationale

Sur le terrain français, la SACD appelle également à l’adoption de la proposition de loi portée notamment par la sénatrice Laure Darcos sur l’utilisation de contenus culturels par les fournisseurs d’intelligence artificielle.

Le texte a été adopté par le Sénat le 8 avril 2026 et transmis à l’Assemblée nationale le 9 avril. La commission des affaires culturelles de l’Assemblée l’a examinée et a déposé son texte le 2 juin. Au 8 septembre, le dossier législatif officiel ne fait pas apparaître d’adoption du texte en séance publique par l’Assemblée nationale.

La SACD demande par ailleurs que les aides à la production du CNC puissent être conditionnées ou modulées selon le recours à l’emploi créatif humain. Cette proposition appartient aux demandes de la société d’auteurs : elle ne figure pas parmi les décisions actées publiquement par le Sommet Lumière.

Un milliard d’euros pour le Partenariat Lumière France-Corée

L’annonce financière la plus importante de la journée concerne le Partenariat Lumière. La France et la Corée du Sud prévoient de mobiliser ensemble un milliard d’euros sur cinq ans pour accompagner les industries du cinéma, de l’audiovisuel et de l’image animée.

La France doit mobiliser 500 millions d’euros par l’intermédiaire de Bpifrance de 2027 à 2031. La Corée du Sud a annoncé un engagement d’un montant équivalent. Le dispositif est présenté comme ouvert à la participation d’autres États.

Les principes associés au partenariat reprennent trois axes affichés lors du Sommet : primauté de la création humaine, respect du droit d’auteur et diversité culturelle. Les modalités détaillées d’attribution et de déploiement devront désormais être précisées au fur et à mesure de sa mise en œuvre.

IRIS doit fédérer les salles indépendantes

Le Sommet a également acté la création d’IRIS, pour International Resilience Initiative for Independent Screens. Cette initiative doit soutenir les salles indépendantes, les distributeurs et les réseaux qui permettent aux films de circuler auprès des publics.

Le Maroc, la Corée du Sud, le Portugal et la Grèce figurent parmi les premiers partenaires cités. Un conseil international rassemble plus de 40 cinéastes et artistes, dont Martin Scorsese, Juliette Binoche, Jane Campion, Sofia Coppola, Costa-Gavras, Isabelle Huppert, Hirokazu Kore-eda, Jafar Panahi, Tilda Swinton, Denis Villeneuve et Wim Wenders.

La question de la circulation du patrimoine et des œuvres indépendantes était déjà suivie par La Radio du Cinéma avec le rapprochement de SOONER et de l’Institut Lumière autour de la diffusion du patrimoine cinématographique.

Une Alliance Lumière de 54 agences publiques

Autre structure née du rendez-vous : l’Alliance Lumière, présentée comme un réseau mondial d’institutions publiques chargées du cinéma et de l’audiovisuel. Au 7 septembre, 54 agences avaient rejoint le dispositif.

Les membres doivent se retrouver chaque année à Cannes, ainsi que lors d’un congrès organisé par l’un des États participants. L’objectif annoncé est de permettre des échanges d’expertise et la préparation d’initiatives communes.

Le programme Audiovisual Next Gen a également été lancé par le CNC avec Netflix, RTL Group et Mediawan. Il doit accompagner pendant 18 mois 20 professionnels de moins de 35 ans. La première promotion, annoncée pour janvier 2027, doit être composée exclusivement de femmes.

Le jeu vidéo reste dans le programme des suites du Sommet

Le jeu vidéo, présent dès la préparation du Sommet Lumière 2026, n’a pas disparu du générique final. Emmanuel Macron a annoncé la création d’un Festival international du jeu vidéo destiné à réunir création, innovation, joueurs et industrie.

Aucune date, aucun lieu ni format détaillé n’ont encore été publiés pour ce nouveau rendez-vous. Il faut donc, à ce stade, s’en tenir à l’annonce de sa création.

Sur le versant cinéma et création générative, l’AI Film Festival Monaco 2026 témoigne déjà de la place prise par l’intelligence artificielle dans les rendez-vous consacrés aux nouvelles formes de production.

Des principes adoptés, une mise en œuvre encore à suivre

Le Sommet Lumière a donc produit des textes, des dispositifs de coopération et des engagements financiers identifiables. Mais leurs calendriers ne sont pas tous arrêtés et les cinq déclarations thématiques restent ouvertes à de nouveaux signataires.

L’AFP souligne que la Déclaration Lumière n’a pas d’effet contraignant. Plusieurs comptes rendus publiés à l’issue de la journée relèvent également que les modalités concrètes de certaines annonces restent à préciser. Gaëtan Bruel, président du CNC, avait lui-même présenté le rendez-vous comme le point de départ d’un travail destiné à se poursuivre dans les prochains mois.

Pour le cinéma et l’audiovisuel, la suite se jouera donc dans la traduction de ces principes en dispositifs nationaux, européens ou internationaux : règles liées à l’IA, accords sur la rémunération, coopération contre le piratage, soutien aux salles, financement et éducation aux images.

Infos pratiques

Événement : Sommet Lumière 2026
Date : lundi 7 septembre 2026
Lieu : Fondation Maeght, 623 chemin des Gardettes, 06570 Saint-Paul-de-Vence
Horaires : accueil à 8h30, ouverture à 10h15, première plénière à 11h15, clôture de 17h30 à 18h30
Durée : une journée
Accès : rendez-vous professionnel et institutionnel réservé aux participants invités ; événement terminé
En ligne : le discours d’ouverture et la Déclaration Lumière sont publiés par l’Élysée ; le site officiel du Sommet dispose d’un espace « Photos & Vidéos »

Sommet Lumière
Saint-Paul-de-Vence
Intelligence artificielle
Droit d’auteur

Sources

Présidence de la République — « Sommet Lumière à Saint-Paul-de-Vence », 7 septembre 2026
Présidence de la République — « Déclaration Lumière sur l’avenir du cinéma et de l’image animée », 7 septembre 2026
Présidence de la République — bilan du Sommet Lumière et présentation du Partenariat Lumière, d’IRIS, d’Audiovisual Next Gen et de l’Alliance Lumière, 7 septembre 2026
Sommet Lumière / CNC — programme officiel 2026
SACD — « Sommet Lumière : des déclarations encourageantes pour le cinéma et l’audiovisuel », 8 septembre 2026
AFP — compte rendu du Sommet Lumière, 7 septembre 2026
Le Monde — compte rendu depuis Saint-Paul-de-Vence, 7 septembre 2026, mis à jour le 8 septembre
Variety — compte rendu des cinq déclarations thématiques, 7 septembre 2026
Screen Daily — compte rendu du lancement d’IRIS et du partenariat France-Corée, 7 septembre 2026
Assemblée nationale — dossier législatif de la proposition de loi relative à l’utilisation des contenus culturels par les fournisseurs d’intelligence artificielle, état consulté le 8 septembre 2026

Festivals de cinéma en France en septembre 2026 : 10 rendez-vous à suivre, de Deauville à Biarritz

Mon, 07 Sep 2026 17:58:00 +0000

Les festivals de cinéma en France en septembre 2026 occupent toute la rentrée : L’Étrange Festival à Paris, Deauville, Off-Courts à Trouville, FIFIGROT à Toulouse, le Festival de la Fiction à La Rochelle, Play It Again ! partout en France, Montélimar, Porto-Vecchio, Strasbourg et Biarritz. Au 7 septembre, trois rendez-vous sont déjà lancés ; voici les dates, programmes et informations pratiques pour construire son agenda cinéma du mois.

La rentrée n’a rien d’un fondu au noir. Septembre remet les salles, les avant-premières, le cinéma de patrimoine et les rencontres publiques au premier plan. Du fantastique au court métrage, de la fiction télévisée au cinéma latino-américain, le programme des festivals de cinéma de septembre 2026 traverse presque tout le territoire.

Pour suivre également les événements ajoutés au fil du mois, l’agenda cinéma de La Radio du Cinéma rassemble les principaux rendez-vous, projections et rencontres annoncés en France.

L’Étrange Festival 2026 à Paris : le cinéma de genre occupe le Forum des images jusqu’au 12 septembre

L’Étrange Festival tient sa 32e édition du 1er au 12 septembre 2026 au Forum des images, à Paris. La compétition internationale réunit 12 longs métrages en lice pour le Grand Prix Nouveau Genre Canal+ et le Prix du public.

Après une ouverture réunissant Le Trésor et Le Sabre des gardiens – Blades of the Guardians, le festival doit refermer cette édition samedi 12 septembre avec Hope. Compétitions, premières françaises, séances patrimoniales et propositions à la marge du cinéma de genre composent une programmation pensée pour celles et ceux qui aiment sortir des autoroutes du grand écran.

Infos pratiques : du 1er au 12 septembre 2026 ; Forum des images, 2 rue du Cinéma, 75001 Paris. Métro Les Halles ou Châtelet, RER Châtelet-Les Halles. Caisses ouvertes pendant le festival à partir de 13h30. Tarif plein annoncé : 11 € ; pass cinq films : 35 € ; pass 10 films : 60 €.

Festival de Deauville 2026 : 80 films et le cinéma américain sur les Planches

Le 52e Festival du Cinéma Américain de Deauville se déroule du 4 au 13 septembre 2026. La sélection compte 80 films répartis dans neuf catégories, avec 13 longs métrages en compétition. Roschdy Zem préside le jury principal.

Ethan Hawke, Brendan Fraser, Faye Dunaway, Susan Sarandon, Sophie Thatcher et Patrick Schwarzenegger figurent parmi les personnalités distinguées durant cette édition. Deauville garde ainsi son rôle de vigie du cinéma américain, avec des productions indépendantes, des avant-premières, des documentaires et des films de patrimoine. Pour le détail des séances et invités, retrouvez aussi notre guide complet du Festival de Deauville 2026.

Infos pratiques : du 4 au 13 septembre 2026 ; Centre International de Deauville, 1 rue Lucien-Barrière, 14800 Deauville, ainsi que les autres salles partenaires. Programme et réservations disponibles sur la billetterie du festival. La gare de Trouville-Deauville permet de rejoindre le centre-ville à pied.

Off-Courts Trouville 2026 : le court métrage franco-québécois en accès gratuit

À quelques kilomètres de Deauville, Off-Courts Trouville tient sa 27e édition du 5 au 11 septembre. Près de 2.500 films ont été reçus cette année par le festival, qui poursuit son dialogue historique avec le Québec autour du court métrage.

Les projections s’accompagnent de laboratoires de création, d’ateliers, de concerts et du Marché international du film court. Le Kino Kabaret conserve notamment son principe de fabrication collective en temps limité, avec une session de 72 heures. Surtout, la programmation destinée au public est annoncée gratuite.

Infos pratiques : du 5 au 11 septembre 2026 ; Village Off au complexe nautique du front de mer et projections notamment au Salon des Gouverneurs du Casino Barrière. Accueil public de 10 heures à 21 heures. Billets gratuits à retirer à l’accueil public pour les séances qui nécessitent une réservation.

FIFIGROT 2026 à Toulouse : 15 ans de cinéma grolandais et une rentrée sous le signe de l’adolescence

Le Festival International du Film Grolandais de Toulouse fête ses 15 ans du 14 au 20 septembre. La thématique 2026 prend l’adolescence pour terrain de jeu avec le programme Ado, l’âge ingrat ?, fidèle au goût de FIFIGROT pour les chemins de traverse, la satire et les cinémas qui refusent de marcher au pas.

La cérémonie d’ouverture est programmée lundi 14 septembre à 18h30 à l’American Cosmograph, suivie de Voilà c’est fini de Gustave Kervern. Le Gro’Village, installé au Port Viguerie, accueillera également projections, concerts, rencontres et plusieurs rendez-vous gratuits.

Infos pratiques : du 14 au 20 septembre 2026 ; American Cosmograph, cinéma ABC, Pathé Wilson et Gro’Village notamment. Tarif cinéma annoncé : 8 € à l’unité, hors tarifs habituels plus avantageux ; pass cinéma de cinq places : 30 € ; pass 10 places : 50 €.

Festival de la Fiction 2026 à La Rochelle : séries, unitaires et avant-premières gratuites

Du 15 au 20 septembre, le Festival de la Fiction de La Rochelle revient pour sa 28e édition. Séries françaises et francophones, unitaires, formats courts, projections spéciales, rencontres professionnelles et rendez-vous avec les équipes occupent plusieurs salles de la ville.

Clémentine Célarié préside le jury de la compétition française, accompagnée notamment de Barbara Probst, Grégory Montel, Gaëlle Bellan, Matteo Locasciulli, Fanny Riedberger et Akim Isker. Pour le grand public, l’accès aux projections est gratuit sur réservation. La première vague de billetterie a ouvert ce lundi 7 septembre à 12h30 ; les réservations pour les dédicaces et événements fans ouvriront mercredi 9 septembre à 12h30.

Infos pratiques : du 15 au 20 septembre 2026 à La Rochelle ; projections notamment au CGR Le Dragon. Billetterie grand public gratuite, dans la limite des places disponibles. Horaires détaillés disponibles dans le programme jour par jour.

Play It Again ! 2026 : les films de patrimoine reviennent dans plus de 200 cinémas

Du 17 au 27 septembre, Play It Again ! organise sa 12e édition dans plus de 200 cinémas en France. Le principe reste d’une simplicité réjouissante : remettre les films d’hier dans les salles d’aujourd’hui, dans des copies restaurées, accompagnées de rencontres, ciné-concerts, quiz et séances accessibles.

Yolande Moreau est la marraine de cette édition. La sélection rassemble 18 films, dont Apocalypse Now Final Cut de Francis Ford Coppola, Entre le ciel et l’enfer d’Akira Kurosawa, Kill Bill: The Whole Bloody Affair de Quentin Tarantino, Sans toit ni loi d’Agnès Varda, La Dame de Shanghai d’Orson Welles ou encore Vol au-dessus d’un nid de coucou de Miloš Forman. L’ouverture est prévue à Amiens jeudi 17 septembre à 19h30 avec Quand la mer monte, en présence de Yolande Moreau et Gilles Porte.

Infos pratiques : du 17 au 27 septembre 2026 dans plus de 200 cinémas. Salles, séances et tarifs varient selon les établissements participants. La carte complète des cinémas est accessible sur le site du festival.

Piazz’à u Filmu 2026 à Porto-Vecchio : un nouveau festival avec Fabrice Luchini et Camélia Jordana

Du 17 au 20 septembre, Porto-Vecchio accueille la première édition de Piazz’à u Filmu. Ce nouveau rendez-vous installé au cœur de Portivechju associe avant-premières, cinéma de patrimoine lié à la Corse, rencontres, masterclass, littérature et concerts.

Un Jeu Dangereux de Karine Silla, Le Corset de Louis Clichy, Notre Salut d’Emmanuel Marre et le film d’animation Carmen, l’Oiseau rebelle figurent parmi les avant-premières annoncées. Camélia Jordana est attendue autour de Carmen, tandis que Fabrice Luchini doit donner au dernier soir une couleur très littéraire avec un rendez-vous consacré à Victor Hugo.

Infos pratiques : du 17 au 20 septembre 2026 ; Espace Jean-Paul de Rocca Serra et Piazza’llu Quartieri, Porto-Vecchio. Le festival est annoncé de 10 heures à minuit selon l’agenda municipal. Billetterie et programme détaillé accessibles auprès de la Ville et des partenaires locaux.

De l’écrit à l’écran 2026 à Montélimar : Daniel Auteuil, Christophe Honoré et Toledano-Nakache

Le festival De l’écrit à l’écran célèbre sa 15e édition du 18 au 24 septembre à Montélimar. Christophe Honoré ouvrira le festival avec l’avant-première de Mariage au goût d’orange vendredi 18 septembre à 20h30.

Daniel Auteuil recevra le Prix De l’écrit à l’écran 2026 et présentera La Troisième Nuit lundi 21 septembre à 21 heures. Éric Toledano et Olivier Nakache sont attendus mercredi 23 septembre pour une masterclass à 18 heures puis la projection de Juste une illusion à 20h15. Michaël R. Roskam assurera la clôture avec Le Faux Soir jeudi 24 septembre à 20 heures, précédé d’un set de Thomas Fersen. Notre dossier sur De l’écrit à l’écran 2026 détaille la programmation.

Infos pratiques : du 18 au 24 septembre 2026 ; Palais des Congrès Charles Aznavour, cinéma Les Templiers, Les 7 Nef, Le Palace et plusieurs lieux de Montélimar. Réservations via la billetterie officielle du festival.

Festival européen du film fantastique de Strasbourg 2026 : l’intelligence artificielle face au cinéma de genre

Le Festival européen du film fantastique de Strasbourg ouvre sa 19e édition vendredi 25 septembre et la prolongera jusqu’au 4 octobre. La grande rétrospective 2026 est consacrée aux intelligences artificielles. L’affiche dessinée par Mahon fait directement écho à 2001 : L’Odyssée de l’espace de Stanley Kubrick.

La sélection associe nouvelles productions internationales, courts métrages, classiques, masterclass et événements hors les murs. Parmi les premiers titres dévoilés figurent Sleep No More d’Edwin et Never After Dark de Dave Boyle. Le Village du festival doit reprendre sa place au cœur de Strasbourg.

Infos pratiques : du 25 septembre au 4 octobre 2026. Principaux lieux : cinéma Vox, cinéma Star, Le Cosmos, UGC Ciné Cité et Village place Saint-Thomas.

Festival Biarritz Amérique Latine 2026 : la 35e édition regarde vers l’Uruguay et Cuba

Le Festival Biarritz Amérique Latine se déroulera du 26 septembre au 2 octobre. Pour sa 35e édition, il conserve ses trois compétitions consacrées aux longs métrages de fiction, aux documentaires et aux courts métrages.

L’Uruguay et Cuba occupent une place particulière dans le programme culturel 2026. Cinéma, rencontres universitaires et littéraires, expositions et concerts donnent au festival une amplitude qui dépasse les seules projections. Les courts métrages en compétition ont été dévoilés en août et la billetterie est ouverte depuis juin.

Le Village, installé face à l’océan, prolonge les séances avec conférences, musique et rendez-vous culturels. Septeto Santiaguero figure notamment dans la programmation musicale annoncée pour cette édition.

Infos pratiques : du samedi 26 septembre au vendredi 2 octobre 2026, à Biarritz. Projections et événements dans plusieurs lieux de la ville ; billetterie et pass disponibles sur le site du festival. Le Village est annoncé ouvert de neuf heures à deux heures du matin pendant le festival.

Autres festivals de cinéma à noter en septembre 2026

Courts circuits 66 : festival itinérant du court métrage en pays catalans, jusqu’au 20 septembre 2026.
Festival du film merveilleux et imaginaire : du 16 au 18 septembre 2026 à Paris.
Festival international du court métrage de Lille : du 17 au 27 septembre 2026.
Festival international du film de fiction historique : du 23 au 26 septembre 2026 à Plaisance-du-Touch.
Kinovisions, festival de cinéma en langue allemande : du 23 au 27 septembre 2026 à Marseille.
Cinéma d’ici : du 24 au 28 septembre 2026 à Castelnaudary.
Festival 2 Cinéma de Valenciennes : du 25 au 29 septembre 2026.
Cinéma à la folie : du 25 septembre au 18 octobre 2026 dans plusieurs villes françaises.
Quinzaine du cinéma francophone : du 28 septembre au 3 octobre 2026 à Paris.
Indépendance(s) et Création : du 30 septembre au 4 octobre 2026 à Auch.
Festival du Court Métrage d’Humour : du 30 septembre au 4 octobre 2026 à Meudon.

Programme des festivals de cinéma en septembre 2026 : dates et accès à retenir

Paris – L’Étrange Festival : 1er au 12 septembre, Forum des images.
Deauville – Festival du Cinéma Américain : 4 au 13 septembre, Centre International de Deauville et salles partenaires.
Trouville – Off-Courts : 5 au 11 septembre, front de mer, Casino Barrière et Village Off ; programmation publique gratuite.
Toulouse – FIFIGROT : 14 au 20 septembre, American Cosmograph, ABC, Pathé Wilson et Gro’Village.
La Rochelle – Festival de la Fiction : 15 au 20 septembre ; réservations grand public gratuites.
France – Play It Again ! : 17 au 27 septembre, plus de 200 cinémas participants.
Porto-Vecchio – Piazz’à u Filmu : 17 au 20 septembre, Espace Jean-Paul de Rocca Serra et Piazza’llu Quartieri.
Montélimar – De l’écrit à l’écran : 18 au 24 septembre, Palais des Congrès et cinémas partenaires.
Strasbourg – FEFFS : 25 septembre au 4 octobre, Vox, Star, Cosmos, UGC Ciné Cité et Village.
Biarritz – Festival Biarritz Amérique Latine : 26 septembre au 2 octobre, plusieurs lieux du centre-ville.

Sources

L’Étrange Festival – édition 2026, programme et informations pratiques, consultés le 7 septembre 2026.
Festival du Cinéma Américain de Deauville, sélection et programme 2026, consultés le 7 septembre 2026.
Off-Courts Trouville, programmation et informations pratiques 2026, consultées le 7 septembre 2026.
FIFIGROT, programmation et billetterie 2026, consultées le 7 septembre 2026.
Festival de la Fiction, programme, jurys et billetterie 2026, consultés le 7 septembre 2026.
Festival Play It Again !, sélection 2026, consultée le 7 septembre 2026.
Cità di Portivechju – Piazz’à u Filmu, programme 2026, consulté le 7 septembre 2026.
De l’écrit à l’écran, programme de la 15e édition, consulté le 7 septembre 2026.
Festival européen du film fantastique de Strasbourg, édition 2026, consultée le 7 septembre 2026.
Festival Biarritz Amérique Latine, édition 2026, consultée le 7 septembre 2026.
Carrefour des Festivals – agenda septembre 2026, consulté le 7 septembre 2026.

La Comédie Contre-Attaque : le nouveau Voyage en Comédie de Thomas Croisière

Thu, 03 Sep 2026 18:41:00 +0000

Publié le 3 septembre 2026 – Par la rédaction de La Radio du Cinéma

Thomas Croisière présente La Comédie Contre-Attaque au Lucernaire à Paris en 2026, du 21 septembre 2026 au 12 janvier 2027, les lundis et mardis à 21 heures. Mis en scène par Thibault Ameline, ce nouveau Voyage en Comédie dure 85 minutes et revisite plus d’un demi-siècle de comédies par le prisme des suites, des anecdotes de tournage et de la transmission. À la télévision, Thomas Croisière présente aussi Q.E sur LCP et devrait rejoindre Samedi d’en rire sur France 3 le 3 octobre.

Après plus de 250 représentations de Voyage en Comédie, Thomas Croisière remet la bobine dans le projecteur. Cette fois, il part d’une question qui traverse toute l’histoire du cinéma populaire : lorsqu’une comédie rencontre son public, faut-il forcément lui donner une suite ? Le spectacle arrive au Lucernaire moins de trois semaines après cette rentrée de septembre.

Le sujet lui ouvre une vidéothèque généreuse : Les Visiteurs, Taxi, Astérix, Les Tuche, Les Bronzés ou La Boum. Et puis il y a le contre-exemple dont le spectacle fait un repère : La Cité de la peur, restée sans deuxième épisode.

Une suite consacrée aux suites du cinéma

La Comédie Contre-Attaque ne se présente pas comme un simple inventaire de répliques célèbres. Thomas Croisière remonte plus d’un demi-siècle de comédies et associe extraits, histoires d’acteurs, anecdotes de tournage, secrets de fabrication, musiques et souvenirs personnels.

L’idée reste celle qui animait déjà son premier spectacle : faire circuler les films d’une génération à la suivante. Des spectateurs qui les ont découverts en salle à ceux qui les connaissent par la télévision, le streaming ou les répliques répétées à table, ces comédies forment une mémoire commune. La salle devient alors une drôle de cinémathèque où le rire sert aussi de machine à remonter le temps.

Thomas Croisière résume lui-même cette intention : « Ce que j’aime dans ce spectacle, c’est qu’on apprend en s’amusant ».

Thomas Croisière, passeur de cinéma venu de la radio

Le parcours explique cette façon de raconter les films. Thomas Croisière a chroniqué plus de 500 films à la radio et à la télévision. Sur France Inter, il est notamment passé par Par Jupiter !, C’est encore nous, Le 5-7, Zoom Zoom Zen et Le 6-9.

La Radio du Cinéma avait d’ailleurs rencontré Thomas Croisière dès 2023 autour de son premier spectacle. Dans notre sujet consacré à Voyage en Comédie et à ses trésors du cinéma comique français, il était déjà question de quiz, de musique, de scènes familières et d’informations de tournage à partager avec le public.

En 2026, Thomas Croisière joue aussi la carte de la télévision

Le cinéma n’est pas son seul terrain de jeu cette année. Sur LCP-Assemblée nationale, Thomas Croisière présente Q.E, l’émission qui augmente votre Quotient Économique. Ce programme de 28 minutes transforme l’économie en jeu et reprend une mécanique assez proche de son travail sur le cinéma : transmettre des connaissances sans transformer la séance en cours magistral. LCP indique une diffusion le dimanche à 20h30 et maintient les émissions en replay jusqu’au 31 juillet 2027.

Une autre actualité vient de s’ajouter à sa rentrée. L’arrivée de Thomas Croisière dans la nouvelle équipe de Samedi d’en rire sur France 3. Il doit y retrouver Bernard Montiel, Nathalie André et Nadège Beausson-Diagne. Le retour de l’émission est annoncé pour le samedi 3 octobre 2026 à 13h30.

Une tournée 2026-2027 après Paris

Le Lucernaire n’est que le port d’attache parisien. Une tournée est annoncée en France et en Belgique. Plusieurs étapes sont désormais confirmées par les salles ou leurs billetteries : Penmarc’h le 26 septembre à 20h30, Nantes le 3 octobre à 20 heures, Toulouse le 10 octobre à 20h30 et Bidart les 19 et 20 novembre à 20 heures.

D’autres rendez-vous sont annoncés à Braine-l’Alleud, Lille, Angoulême, Décines-Charpieu, Caen, Troyes, Auray, Rouen, Sainte-Sigolène et Eysines...

Ce nouveau chapitre permet surtout à Thomas Croisière de poursuivre une idée simple : parler des comédies comme de films que l’on voit, mais aussi comme de souvenirs que l’on se transmet. Avec les suites, il a trouvé un terrain de jeu particulièrement cinématographique : parfois l’épisode suivant prolonge la fête, parfois il donne surtout envie de remettre le premier au programme.

Infos pratiques : Thomas Croisière au Lucernaire à Paris

Spectacle : La Comédie Contre-Attaque – Voyage en Comédie 2
Artiste : Thomas Croisière
Mise en scène : Thibault Ameline
Lieu : Théâtre Noir du Lucernaire, 53 rue Notre-Dame-des-Champs, 75006 Paris
Dates : du 21 septembre 2026 au 12 janvier 2027
Horaires : les lundis et mardis à 21 heures
Relâches : 2, 3, 16 et 17 novembre 2026
Durée : 85 minutes
Public conseillé : à partir de six ans
Tarifs affichés par le Lucernaire au 3 septembre 2026 : 10 € pour les moins de 26 ans, 16 € en tarif réduit, 27 € pour les plus de 65 ans du lundi au vendredi, 32 € en plein tarif
Accès : métro Notre-Dame-des-Champs, ligne 12 ; Vavin, ligne quatre ; Edgar-Quinet ou Raspail, ligne six ; bus 58, 68, 82, 91, 94 et 96
Production : Kaly Productions, avec le soutien de la Sacem et de Copie Privée
Réservations : site officiel du Lucernaire

Dolly Parton est morte à 80 ans : de 9 to 5 à Steel Magnolias, sa carrière au cinéma

Wed, 26 Aug 2026 08:59:00 +0000

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Dolly Parton est morte le 25 août 2026 à Nashville, à l’âge de 80 ans. Sa voix et ses chansons avaient depuis longtemps dépassé les frontières de la country, mais Hollywood avait également trouvé en elle une présence singulière. De 9 to 5 à Steel Magnolias, Dolly Parton a souvent joué avec sa propre image pour mieux déjouer les préjugés.

Pour le cinéma, elle restera notamment Doralee Rhodes dans 9 to 5, Truvy dans Steel Magnolias, mais aussi la partenaire de Burt Reynolds puis de Sylvester Stallone. Une filmographie relativement courte, mais suffisamment forte pour inscrire sa silhouette et son humour dans plusieurs chapitres du cinéma populaire américain.

9 to 5 : le premier film et un personnage qui lui ressemblait

En 1980, Dolly Parton n’a encore jamais tenu un grand rôle au cinéma lorsque Jane Fonda l’invite à rejoindre Lily Tomlin dans 9 to 5, réalisé par Colin Higgins.

La comédie raconte la revanche de trois employées confrontées à un patron sexiste joué par Dabney Coleman. TCM rappelle que Jane Fonda avait développé le projet après s’être intéressée aux conditions de travail des employées de bureau américaines. Le film devait initialement adopter un ton plus dramatique avant de devenir une comédie.

Pour son premier rôle, Dolly Parton incarne Doralee Rhodes, secrétaire dont le patron entretient volontairement une rumeur de liaison. Le choix est malin : Doralee est jugée sur son apparence avant même qu’on lui accorde le droit de parler.

Parton connaissait parfaitement ce mécanisme. Chevelure platine, talons, tenues scintillantes et poitrine généreuse faisaient partie d’une image qu’elle avait elle-même construite et dont elle se servait avec beaucoup d’autodérision. Au cinéma comme dans ses interviews, elle savait que l’on pouvait la regarder avant de l’écouter. Et elle avait souvent déjà gagné la partie quand ses interlocuteurs s’en apercevaient.

9 to 5 transforme précisément ce décalage en ressort comique. Doralee est tout sauf la caricature que son environnement professionnel imagine.

Des ongles en acrylique devenus instrument de musique

L’une des plus jolies histoires de la carrière de Dolly Parton naît directement sur le tournage. Pendant les périodes d’attente, elle commence à faire claquer ses longs ongles en acrylique. Le son lui rappelle les machines à écrire du bureau où se déroule le film.

Elle utilise ce rythme pour composer « 9 to 5 », la chanson qui ouvrira le film.

La chanson devient indissociable du film et vaut à Parton une nomination à l’Oscar de la meilleure chanson originale. Elle obtient également des nominations aux Golden Globes pour son travail d’actrice.

Le succès du film installe définitivement Dolly Parton dans la culture populaire au-delà de la country. TCM considère encore 9 to 5 comme une œuvre marquante de la comédie américaine consacrée au monde du travail.

The Best Little Whorehouse in Texas : Dolly face à Burt Reynolds

Deux ans plus tard, elle retrouve Colin Higgins pour The Best Little Whorehouse in Texas, adaptation de la comédie musicale de Broadway.

Face à Burt Reynolds, elle joue Mona Stangley, patronne d’une maison close texane menacée par une campagne médiatique. Le rôle lui permet une nouvelle fois d’incarner une femme qui connaît parfaitement les règles du monde dans lequel elle évolue et ne demande à personne la permission d’occuper l’écran.

Le film possède aussi une place particulière dans son histoire musicale puisqu’elle y interprète une nouvelle version de « I Will Always Love You ». Cette chanson connaîtra une autre vie dix ans plus tard grâce à Whitney Houston dans The Bodyguard.

Rhinestone : Dolly Parton et Sylvester Stallone, le tandem improbable

En 1984, Rhinestone réunit Dolly Parton et Sylvester Stallone.

Le principe a quelque chose d’un pari de producteur : une chanteuse country tente de transformer un chauffeur de taxi new-yorkais en vedette de la musique country. Dolly Parton est alors au sommet de sa maîtrise musicale ; Stallone arrive avec l’image de Rocky et Rambo.

Le film ne rencontre pas le succès espéré. Mais Dolly parvient encore à faire survivre la musique au film : « Tennessee Homesick Blues », issue de la bande originale, devient numéro un du classement country américain.

Avec Dolly Parton, même les accidents de parcours semblaient pouvoir produire une chanson.

Steel Magnolias : Truvy, le rôle qui semblait fait pour elle

En 1989, elle rejoint Steel Magnolias de Herbert Ross. Le casting réunit Sally Field, Shirley MacLaine, Olympia Dukakis, Daryl Hannah et une jeune Julia Roberts.

Dolly Parton joue Truvy Jones, propriétaire d’un salon de coiffure en Louisiane. C’est dans ce lieu que les personnages parlent, plaisantent, se disputent et affrontent les moments les plus difficiles de leur existence.

Le rôle était presque écrit pour elle. Dolly Parton expliquait que, si elle n’avait pas réussi dans le spectacle, elle aurait volontiers travaillé comme coiffeuse. Elle avait d’ailleurs l’habitude de coiffer sa mère.

Pour préparer Truvy, elle s’entraîne avec de véritables coiffeuses de Natchitoches, en Louisiane, où le film est tourné. Des habitantes de la ville acceptèrent même de lui confier leurs cheveux.

Autre anecdote restée célèbre : Herbert Ross se montre particulièrement exigeant avec elle. Parton racontera dans son autobiographie que le réalisateur lui avait annoncé qu’elle ne savait pas jouer. Sa réponse est parfaitement conforme à son humour : elle se considérait d’abord comme Dolly Parton, une personnalité engagée pour le film, et rappelait au réalisateur que son travail consistait précisément à obtenir quelque chose d’elle. Leurs rapports se sont apaisés avant la fin du tournage.

Le résultat donne à Parton l’un de ses personnages les plus attachants. Elle ne cherche pas à dominer Steel Magnolias. Truvy accueille les autres, écoute leurs histoires et entretient le mouvement du groupe. Sa chaleur devient une fonction dramatique.

Straight Talk et Joyful Noise : la personnalité avant la transformation

Dolly Parton poursuit sa carrière avec Straight Talk en 1992. Elle y incarne une femme qui devient presque accidentellement conseillère sentimentale à la radio.

Là encore, le cinéma ne lui demande pas de disparaître derrière un personnage méconnaissable. Sa voix, son rythme, son humour et sa faculté à donner l’impression de parler directement à chacun constituent l’essentiel du rôle.

Elle retrouvera plus tard le grand écran dans Joyful Noise, sorti en 2012, avec Queen Latifah. Le film utilise naturellement son goût pour la musique et le gospel.

Une productrice présente dans l’ombre de plusieurs succès

La relation de Dolly Parton avec Hollywood ne s’arrête pas à ses apparitions devant la caméra. Variety rappelle qu’elle a développé avec son ancien manager Sandy Gallin une activité de production associée à plusieurs projets importants.

Cette aventure a notamment touché l’univers de Buffy the Vampire Slayer et les films Father of the Bride avec Steve Martin et Diane Keaton.

C’est un aspect moins visible de son parcours : sous les perruques, les paillettes se trouvait aussi une femme d’affaires attentive à la propriété de ses œuvres et à la manière dont sa carrière était construite.

Dolly Parton avait compris que son image pouvait raconter une histoire

La grande singularité de Dolly Parton au cinéma tient peut-être à ceci : elle n’a jamais essayé de faire oublier qu’elle était Dolly Parton.

Hollywood disposait d’une actrice avec un accent immédiatement identifiable, une masse de cheveux blonds, des couleurs éclatantes et une voix que quelques secondes suffisaient à reconnaître. Elle n’a pas cherché à effacer ces signes. Elle les a transformés en langage.

Dans 9 to 5, son apparence devient la source du préjugé subi par Doralee. Dans Steel Magnolias, son goût de la coiffure et de la conversation nourrit Truvy. Dans Rhinestone, son identité country est le moteur même de l’intrigue.

C’est aussi ce qui rapproche son parcours de celui d’autres artistes qui ont refusé de choisir une seule scène. Sur La Radio du Cinéma, notre portrait de Barbra Streisand à l’occasion du Festival de Cannes 2026 raconte une autre manière de faire dialoguer chanson, jeu, production et cinéma.

Le 25 août 2026 ferme une carrière, mais pas les portes du salon de Truvy ni celles du bureau de Doralee. Pour les spectateurs, Dolly Parton reste aussi une actrice qui avait compris une règle essentielle du cinéma populaire : l’image attire le regard, mais c’est le personnage qui doit rester en mémoire.

Infos pratiques

Décès : 25 août 2026
Lieu : Nashville, Tennessee, États-Unis
Âge : 80 ans
Films à revoir : 9 to 5 (1980), The Best Little Whorehouse in Texas (1982), Rhinestone (1984), Steel Magnolias (1989), Straight Talk (1992), Joyful Noise (2012)
Durée de 9 to 5 : 1h52 selon Turner Classic Movies
Durée de Steel Magnolias : 1h58 selon Turner Classic Movies
Plateformes : disponibilité variable selon les catalogues et les territoires

Dolly Parton
Cinéma américain
9 to 5
Steel Magnolias

À lire aussi sur La Radio du Cinéma :

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Quand Philippe Bouvard a fait chanter Alain Delon

Tue, 25 Aug 2026 09:00:00 +0000

Philippe Bouvard est mort lundi 24 août 2026 à son domicile de Cannes, à l’âge de 96 ans. Une archive résume à merveille ce qu’il savait provoquer à la télévision : faire sortir une vedette de son rôle sans avoir besoin d’un grand dispositif.

Le 17 novembre 1973, dans Samedi soir, son rendez-vous diffusé sur la deuxième chaîne de l’ORTF, Philippe Bouvard se retrouve face à Alain Delon. Autour de la table figurent également Johnny Hallyday, Jane Birkin et Serge Gainsbourg. La soirée se déroule dans l’atmosphère de piano-bar de l’émission, tournée chez Maxim’s. Et Bouvard a préparé son coup.

Philippe Bouvard ressort une chanson qu’Alain Delon aurait préféré laisser dormir

L’animateur commence innocemment. Il explique avoir retrouvé une chanson de Michel Legrand, Les Moulins de mon cœur, adaptation française de la mélodie rendue célèbre par L’Affaire Thomas Crown.

Puis le piège se referme doucement. Bouvard affirme avoir découvert qu’Alain Delon avait lui-même enregistré le morceau quelques années auparavant, sans que cette interprétation ait alors été publiée. L’acteur comprend immédiatement où son interlocuteur veut en venir.

Son sourire trahit autant l’amusement que l’embarras. Delon devine que Bouvard veut le faire chanter devant les caméras. Il tente d’abord de désamorcer la situation par l’humour, puis invoque surtout la présence de Johnny Hallyday, qui vient de chanter. Après une telle démonstration, explique-t-il en substance, mieux vaut savoir rester à sa place.

Et il prévient clairement : « Non, ne comptez pas sur moi pour chanter. »

Alain Delon refuse… puis la musique commence

Philippe Bouvard ne force pas frontalement. Il insiste juste assez. C’est tout son style : pousser la porte d’un centimètre et attendre que l’invité finisse lui-même par l’ouvrir.

Quelques secondes plus tard, la mélodie démarre. Alain Delon se lance finalement dans Les Moulins de mon cœur. La performance n’a rien d’un numéro préparé pour une émission de variétés. L’acteur cherche ses mots, s’interrompt, avoue qu’il ne sait plus où reprendre. Autour de lui, on l’encourage à continuer.

Il retrouve le fil, reprend le refrain et va au bout de plusieurs passages. La gêne du départ n’a pas totalement disparu, et c’est précisément ce qui donne son relief à la scène : Bouvard vient de fabriquer un moment de télévision à partir d’un refus.

Voir la séquence où Philippe Bouvard fait chanter Alain Delon

L’émission complète du 17 novembre 1973 est également visible en ligne sur la chaîne Philippe Bouvard Officiel.

Une chanson enregistrée par Delon en 1968 et publiée seulement en 2013

L’intuition de Bouvard n’était pas une invention de plateau. Alain Delon avait bien enregistré Les Moulins de mon cœur en 1968. Cette version est longtemps restée inédite avant d’être publiée en 2013 dans une anthologie consacrée à Michel Legrand.

Voilà pourquoi la conversation de 1973 est si savoureuse. Lorsque Bouvard parle d’une chanson enregistrée cinq ou six ans plus tôt et que personne n’a entendue, il touche un vrai morceau de l’histoire musicale de Delon. À cette époque, le grand public connaît surtout l’acteur. Pourtant, la chanson n’est déjà pas totalement étrangère à son parcours : il a interprété Laetitia pour Les Aventuriers et vient de connaître un immense succès avec Dalida grâce à Paroles… Paroles….

Le style Bouvard en moins de trois minutes

Cette archive raconte aussi Philippe Bouvard. Bien avant Les Grosses Têtes et Le Petit Théâtre de Bouvard, Samedi soir lui permettait déjà de développer cette manière de recevoir les célébrités avec courtoisie tout en les obligeant à rester sur leurs gardes.

En 2019, interrogé par Le Parisien sur cette époque, il résumait lui-même sa méthode : « J’aimais asticoter mes invités, sans aucune agressivité ».

Le verbe convient parfaitement à cette soirée de 1973. Bouvard ne transforme pas Delon en chanteur. Il lui rappelle simplement qu’une bande enregistrée existe quelque part, observe sa résistance, puis laisse la mécanique se mettre en marche. Michel Legrand aurait apprécié l’image : quelques secondes plus tard, les moulins tournent.

Philippe Bouvard, une disparition à 96 ans

Né le 6 décembre 1929 à Coulommiers, Philippe Bouvard a travaillé dans la presse, à la radio et à la télévision pendant plus de 60 ans. Il demeure indissociable des Grosses Têtes, qu’il lance sur RTL en 1977, et du Petit Théâtre de Bouvard, formidable pépinière d’humoristes dans les années 1980.

Philippe Bouvard est mort lundi 24 août 2026 chez lui, à Cannes. Il avait définitivement quitté le micro de RTL en janvier 2025. Sa disparition remet aujourd’hui en lumière des décennies d’archives, dont ce face-à-face avec Alain Delon : moins de trois minutes qui disent beaucoup de sa manière de faire de la télévision.

Alain Delon, lui, est mort le 18 août 2024 à l’âge de 88 ans. Sur La Radio du Cinéma, vous pouvez retrouver Laurent Galinon racontant l’homme derrière le mythe Delon, ainsi que notre hommage vidéo à Alain Delon. Pour prolonger le fil musical, Grégoire évoque notamment la place des Moulins de mon cœur dans son imaginaire.

Infos pratiques

Archive : Samedi soir, émission présentée par Philippe Bouvard
Date de diffusion : 17 novembre 1973
Chaîne : deuxième chaîne de l’ORTF
Lieu : Maxim’s, Paris
Invités visibles dans l’émission : Alain Delon, Johnny Hallyday, Jane Birkin, Serge Gainsbourg, notamment
Chanson : Les Moulins de mon cœur, musique de Michel Legrand
Durée de la séquence disponible : environ deux minutes 45 secondes
Accès : séquence disponible sur Dailymotion et émission complète sur YouTube
Hommage TV : Les mille et une vies de Philippe Bouvard, mercredi 26 août 2026 à 21 heures sur Paris Première
Durée du documentaire : environ 70 minutes
Plateforme : documentaire également proposé sur M6+

Philippe Bouvard
Alain Delon
Michel Legrand
Archives télévision

Camille Cottin sera Milady dans Les Trois Mousquetaires d’Audible, attendu le 3 septembre 2026

Tue, 28 Jul 2026 12:46:00 +0000

Camille Cottin prêtera sa voix à Milady de Winter dans la nouvelle adaptation audio Audible des Trois Mousquetaires. Cette fiction en Dolby Atmos sera disponible le 3 septembre 2026, simultanément en français et en anglais. Les autres membres du casting seront dévoilés ultérieurement.

« Un pour tous et tous pour un » va bientôt résonner dans les écouteurs. Audible prépare une nouvelle adaptation des Trois Mousquetaires, le roman d’Alexandre Dumas, sous la forme d’une fiction interprétée par plusieurs comédiens et spécialement conçue pour l’écoute.

Le premier nom annoncé est celui de Camille Cottin. La comédienne incarnera Milady de Winter, espionne et adversaire déterminante de d’Artagnan, Athos, Porthos et Aramis.

Camille Cottin sera Milady en français et en anglais

Camille Cottin interprétera Milady dans les deux versions de cette création Audible Original. Les adaptations française et anglaise seront proposées le même jour, le 3 septembre 2026.

Révélée à un large public par Dix pour cent, la comédienne a depuis multiplié les rôles en France et à l’international. Elle a notamment joué dans la série Killing Eve, dans House of Gucci de Ridley Scott et dans Mystère à Venise de Kenneth Branagh.

Le choix de Camille Cottin place immédiatement Milady au centre de l’annonce. Le personnage devra ici imposer sa présence sans costume ni regard porté vers la caméra : ses intentions, ses changements de ton et ses zones d’ombre passeront d’abord par la voix.

Les Trois Mousquetaires sur Audible : une sortie le 3 septembre 2026

La nouvelle fiction audio sera disponible exclusivement sur Audible à partir du 3 septembre 2026. La plateforme n’a pas encore communiqué sa durée, son éventuel découpage en épisodes ni le prix d’accès au titre.

Camille Cottin reste, à ce jour, la seule interprète officiellement annoncée. Les voix de d’Artagnan, Athos, Porthos, Aramis, Constance Bonacieux et du cardinal de Richelieu n’ont pas encore été révélées.

Une fiction audio conçue comme un spectacle sonore

Cette adaptation ne prendra pas la forme d’une simple lecture du roman. Le jeu des comédiens sera accompagné de bruitages, d’ambiances et de musique afin de restituer les duels, les chevauchées, les conversations secrètes et les intrigues de cour.

La production sera proposée en Dolby Atmos. Sur les appareils et les écouteurs compatibles, cette technologie d’audio spatial permet de situer plus précisément les sons autour de l’auditeur. Audible précise que les titres concernés peuvent également être écoutés dans un format stéréo classique.

Le son devient ainsi le principal outil de mise en scène. Le choc des épées, les pas dans un corridor, le galop d’un cheval ou une voix murmurée pourront construire un décor sans passer par l’image. Une manière de retrouver une part du pouvoir d’évocation des grandes musiques et des dialogues de cinéma.

Milady et Constance replacées au premier plan

Audible annonce une approche contemporaine du roman, avec une place plus importante accordée à Milady de Winter et à Constance Bonacieux. Selon la présentation du projet, les deux femmes disposeront de motivations, d’initiatives et de trajectoires plus développées.

Milady ne sera donc pas seulement l’adversaire qui contrarie les projets des mousquetaires. Espionne, manipulatrice et survivante, elle devrait apparaître comme l’un des moteurs politiques et dramatiques du récit.

Face à elle, Constance Bonacieux est présentée comme une femme de courage qui refuse de rester un simple pion dans les affaires de la couronne.

Cette nouvelle répartition des points de vue ne devrait pas faire disparaître l’amitié de d’Artagnan et des trois mousquetaires. Audible promet de conserver l’énergie, l’humour et le panache du récit de cape et d’épée.

Pourquoi le roman d’Alexandre Dumas se prête à la fiction audio

Les Trois Mousquetaires paraît initialement en feuilleton dans le journal Le Siècle en 1844. Cette publication par épisodes explique en partie son rythme soutenu, ses rebondissements et ses fins de chapitres conçues pour relancer immédiatement l’aventure.

Le roman suit le jeune d’Artagnan, arrivé à Paris avec l’espoir d’intégrer les mousquetaires du roi. Après des débuts mouvementés, il se lie avec Athos, Porthos et Aramis. Tous les quatre se retrouvent entraînés dans des complots où s’affrontent fidélités personnelles, intérêts politiques et secrets de cour.

Cette construction convient naturellement à une adaptation sonore : les affrontements peuvent s’entendre, les complots se deviner dans un silence et les personnages se reconnaître à leur manière de parler. Le feuilleton littéraire retrouve ainsi une forme de rendez-vous audio, près de deux siècles après sa première publication.

Audible poursuit ses adaptations de classiques

Les Trois Mousquetaires rejoint plusieurs œuvres littéraires déjà adaptées sous le label Audible Original. La plateforme a notamment produit une version de 1984 en 2024 avec Laetitia Casta, Lambert Wilson et Dali Benssalah.

En 2025, Orgueil et Préjugés a réuni Lyna Khoudri, Lucas Bravo et Aïssa Maïga. Audible a également développé la série audio Marvel’s Wastelanders, portée notamment par Antoine de Caunes, José Garcia, Catherine Deneuve et Stefi Celma.

Selon un sondage OpinionWay réalisé pour Audible en mars 2026, près de trois Français sur dix ont déjà écouté un livre audio.

Infos pratiques

Titre : Les Trois Mousquetaires
Format : fiction audio Audible Original
Date de sortie : 3 septembre 2026
Lieu : diffusion en ligne
Horaires : écoute à la demande après la mise en ligne
Plateforme : Audible
Langues annoncées : français et anglais
Interprète confirmée : Camille Cottin dans le rôle de Milady de Winter
Son : Dolby Atmos sur les appareils compatibles
Durée : non communiquée
Autres membres du casting : annonces à venir
Accès et tarif : modalités propres au titre non communiquées à ce jour

Camille Cottin, Les Trois Mousquetaires, Audible Original, Milady de Winter, fiction audio, Alexandre Dumas, Dolby Atmos.

Festival de Karlovy Vary 2026 : Dustin Hoffman, Juliette Binoche et le palmarès de la 60e édition

Sun, 12 Jul 2026 19:55:00 +0000

Le Festival international du film de Karlovy Vary 2026 s’est achevé en République tchèque après neuf jours de projections. Dustin Hoffman, Juliette Binoche et Robert Richardson ont reçu un Globe de cristal d’honneur, tandis que Fruit Gathering, réalisé par Aung Phyoe, a remporté le grand prix de la 60e édition.

Publié le 12 juillet 2026 • Par la rédaction de La Radio du Cinéma

Le rideau est tombé le 11 juillet sur le Festival international du film de Karlovy Vary. Cette édition anniversaire célébrait à la fois le 80e anniversaire de la première manifestation organisée en 1946 et la 60e édition du festival.

L’événement, présenté par son organisation comme le deuxième plus ancien festival de cinéma au monde, a placé plusieurs générations de cinéastes et d’interprètes sous les projecteurs. Le scénario de cette semaine tchèque tenait en quelques noms : Dustin Hoffman, Juliette Binoche, Robert Richardson, Maggie Gyllenhaal, Jesse Eisenberg, Jeffrey Wright et Magda Vášáryová.

Mais Karlovy Vary n’est pas seulement un tapis rouge. La compétition a également donné de la visibilité à de nouveaux films venus de Birmanie, de République tchèque, de France, du Danemark, du Liban, de Suisse et de Slovaquie. Une manière de rappeler qu’un festival compte autant par les carrières qu’il célèbre que par celles qu’il aide à commencer.

Dustin Hoffman reçoit le Globe de cristal et retrouve Le Lauréat

Le premier grand moment de l’édition a eu lieu pendant la cérémonie d’ouverture du vendredi 3 juillet, dans la grande salle de l’hôtel Thermal. Dustin Hoffman y a reçu le Globe de cristal pour sa contribution artistique exceptionnelle au cinéma mondial.

Le comédien aux deux Oscars a ensuite présenté Le Lauréat, le film de Mike Nichols qui avait lancé sa carrière à la fin des années 1960. Devant le public de Karlovy Vary, il a évoqué la quête d’identité qui traverse le personnage de Benjamin Braddock et, plus largement, une vie d’acteur : « Nous passons des années à nous chercher. Et je cherche encore aujourd’hui », a-t-il confié.

Ce retour au Lauréat ne relevait pas seulement de la séance nostalgique. Le film reste l’un des jalons du Nouvel Hollywood, lorsque les héros sûrs d’eux ont laissé la place à des personnages hésitants, décalés, parfois incapables de suivre le tempo que la société leur imposait. Simon et Garfunkel ne sont jamais très loin.

Juliette Binoche, un Globe de cristal et le souvenir d’Abbas Kiarostami

Le Globe de cristal pour contribution artistique a également été remis à Juliette Binoche pendant la cérémonie de clôture. L’actrice française a présenté trois œuvres liées à son parcours : In-I in Motion, Trois Couleurs : Bleu de Krzysztof Kieślowski et Copie conforme d’Abbas Kiarostami.

À Karlovy Vary, elle a raconté la naissance singulière de sa collaboration avec le réalisateur iranien. Abbas Kiarostami l’avait invitée à Téhéran avant de lui raconter une histoire qu’elle avait d’abord prise pour un récit réel. Il lui avait ensuite révélé que tout était inventé — un jeu avec la vérité et la représentation qui deviendrait précisément le cœur de Copie conforme.

Leur accord avait été scellé sans contrat traditionnel : un morceau de papier, de la peinture déposée sur leurs doigts et deux empreintes en guise de signatures. Juliette Binoche avait remporté le prix d’interprétation féminine au Festival de Cannes 2010 pour ce film.

Lors de la clôture, l’actrice a défendu une vision collective de la création : « Notre travail est un cercle, pas une pyramide. Il représente le sentiment que nous sommes tous reliés », a-t-elle déclaré. Elle a également rappelé la nécessité de préserver la liberté des artistes et leur capacité à raconter le monde.

Robert Richardson honoré pour une vie passée à écrire avec la lumière

Le directeur de la photographie Robert Richardson a reçu la même distinction le 5 juillet. Trois fois récompensé aux Oscars, il a notamment travaillé avec Oliver Stone, Martin Scorsese et Quentin Tarantino.

Harvey Keitel lui a remis le trophée avant la présentation du documentaire Robert Richardson: The White Devil, réalisé par Jana Hojdová. Le film retrace plus de 10 années de sa vie et de son travail. Une occasion de remettre au centre du cadre un métier dont les choix de lumière, de contraste et de mouvement façonnent pourtant chaque plan.

Maggie Gyllenhaal et Jesse Eisenberg parmi les Prix du président

Le Prix du président du festival a été attribué à Maggie Gyllenhaal, Jesse Eisenberg, Jeffrey Wright et Magda Vášáryová.

Maggie Gyllenhaal est revenue à Karlovy Vary avec The Bride!, sa deuxième réalisation, inspirée par la figure de la fiancée de Frankenstein. Jesse Eisenberg a présenté The Double de Richard Ayoade et résumé avec humour le plaisir très humain de recevoir une récompense : « Je ne la mérite peut-être pas, mais les acteurs aiment les prix », a-t-il lancé.

Jeffrey Wright a retrouvé le festival 29 ans après sa première venue, tandis que Magda Vášáryová a été célébrée pour une carrière qui appartient pleinement à l’histoire du cinéma tchécoslovaque. Leurs distinctions complètent le portrait d’un festival attentif aux grandes filmographies comme aux mémoires culturelles de l’Europe centrale.

Fruit Gathering remporte le grand prix de Karlovy Vary 2026

Le Globe de cristal de la compétition a été attribué à Fruit Gathering, réalisé par Aung Phyoe. Cette coproduction birmane, tchèque et française suit des femmes dont les désirs et les relations se heurtent à une société où l’amour entre femmes demeure difficilement accepté.

Juliette Binoche a remis le prix au réalisateur pendant la cérémonie de clôture. Le même trophée de verre a donc raconté deux histoires distinctes : la reconnaissance d’œuvres déjà considérables pour Hoffman, Binoche et Richardson, puis l’élan donné à un cinéaste qui recevait ici son premier grand prix international.

Dans la compétition Proxima, consacrée aux propositions formelles plus aventureuses, Lover, Not a Fighter de Martina Buchelová a remporté le premier prix. Le drame danois The Guest a obtenu le Prix spécial du jury et le prix de la mise en scène pour Mads Mengel.

Ghassan Saad a reçu le prix d’interprétation masculine pour Pipes. Anna Schinz a été récompensée pour son rôle dans le drame suisse A Happy Family.

The Match en ouverture, un pickpocket new-yorkais pour la clôture

La 60e édition s’était ouverte avec The Match, documentaire de Juan Cabral et Santiago Franco consacré au match Argentine-Angleterre de la Coupe du monde de football 1986.

Le film revient sur une rencontre devenue un récit politique, populaire et mythologique, marquée par deux buts de Diego Maradona dont les images ont largement dépassé les frontières du sport.

La clôture a été confiée à The Only Living Pickpocket in New York de Noah Segan, avec John Turturro. Ce drame criminel mélancolique suit un pickpocket de la vieille école lancé dans une course à travers New York. Après les souvenirs, les trophées et les retrouvailles, Karlovy Vary a donc baissé la lumière sur une silhouette de cinéma avançant dans la ville, les mains dans les poches et le temps à ses trousses.

Infos pratiques : Festival de Karlovy Vary 2026

Événement : 60e Festival international du film de Karlovy Vary, KVIFF
Dates : du vendredi 3 au samedi 11 juillet 2026
Durée : neuf jours
Lieu : Karlovy Vary, République tchèque
Sites principaux : hôtel Thermal, Théâtre de Karlovy Vary, Grandhotel Pupp et salles partenaires
Accès : Karlovy Vary est accessible depuis Prague en autocar ou en train ; des transports locaux relient les principaux lieux du festival
Plateforme : actualités, vidéos et archives sur KVIFF.com et KVIFF.TV
État de l’événement : édition 2026 terminée

Karlovy Vary
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Palmarès cinéma
Cinéma européen

Sources

Quand Éric-Emmanuel Schmitt et Nathan Devers débattent de notre époque

Tue, 07 Jul 2026 22:11:00 +0000

Deux générations, une même passion pour les idées, et une seule question : faut-il aimer son époque ? Pour les 30 ans du Festival de la Correspondance, Éric-Emmanuel Schmitt et Nathan Devers se prêtent à l'exercice d'une correspondance philosophique, où chaque lettre répond à l'autre sans chercher à convaincre, mais à comprendre. Le résultat est un dialogue d'une intelligence jubilatoire, à la fois intime, littéraire et plutôt trés contemporain.

Dès les premières lettres, Éric-Emmanuel Schmitt s'attaque à ce qu'il appelle le « jeunisme », cette idéologie moderne qui érige la jeunesse en valeur absolue.

« Jadis, on vieillissait comme le chêne, le vin ou les Stradivarius. Aujourd'hui, on vieillit comme des yaourts. »

Une formule qui résume sa critique d'une société obsédée par l'immédiateté et la performance. Mais Eric Emmanuel Schmitt refuse toute nostalgie facile. Ce qui l'intéresse n'est pas la jeunesse biologique, mais la fraîcheur du regard.

« L'esprit s'est nettoyé et ouvert. Oui, fraîcheur, non jeunesse. »

Nathan Devers lui répond avec la même élégance. Né dans une génération qui n'a presque jamais écrit de lettres, il voit dans cette correspondance une manière de réapprendre le temps long.

« La correspondance est l'Atlantide littéraire de ma génération. »

Et ce constat ouvre l'un des fils rouges de leur échange : la dictature de la vitesse.

Schmitt observe que le numérique nous a rendus impatients jusque dans les plus petits gestes :

« La lenteur me rebute lorsque le monde me l'impose. En revanche, je savoure la mienne. »

Devers prolonge cette réflexion avec une formule saisissante :

« La vitesse a supprimé le temps... elle l'a assassiné. »

Pourtant, loin de sombrer dans le pessimisme, les deux écrivains célèbrent une époque qui offre une liberté inédite : celle de ne plus être enfermé dans une vérité unique.

Eric Emmanuel Schmitt y voit une richesse :

« Il n'y a plus de modèle unique... d'aucuns y voient un chaos, j'y saisis une opportunité. »

Et Nathan Devers lui répond par un magnifique plaidoyer pour le pluralisme :

« Ne croire qu'en l'ouverture. Contemplez le grand arc-en-ciel des sagesses divergentes. »

Le dialogue prend ensuite une tournure plus personnelle lorsqu'ils évoquent la transmission, les enfants et la responsabilité envers l'avenir.

Eric Emmanuel Schmitt résume en une phrase toute sa philosophie de la paternité :

« Mon œuvre n'est pas de posséder, mais de transmettre. »

et Nathan Devers de renchérir :

« La transmission est l'ADN de notre esprit et, à ce que je sache, notre seule raison d'être. »

L'échange culmine dans une conclusion lumineuse. Après avoir pesé les défauts et les promesses du XXIᵉ siècle, Éric-Emmanuel Schmitt répond enfin à la question qui donne son titre à cette correspondance.

« Il faut aimer notre époque, non parce qu'elle serait meilleure que les précédentes, mais parce qu'elle est la nôtre. »

Cette phrase pourrait résumer à elle seule l'esprit du Festival de la Correspondance : regarder le passé sans nostalgie, habiter pleinement le présent et écrire, toujours, pour préparer l'avenir.

Pendant près d'une heure, ces deux écrivains séparés par quarante années d'âge démontrent que la correspondance demeure un art vivant. Non pas un échange figé entre deux certitudes, mais une conversation où chaque lettre transforme celui qui l'écrit autant que celui qui la reçoit. À l'heure des réactions instantanées et des opinions définitives, cette joute épistolaire rappelle une évidence précieuse : prendre le temps de penser est peut-être le geste le plus moderne qui soit.

Festival de la Correspondance de Grignan : Raphaël Enthoven et la vigilance démocratique

Tue, 07 Jul 2026 10:31:00 +0000

Festival de la Correspondance de Grignan : Raphaël Enthoven et la vigilance démocratique

Sous le soleil de Grignan, où la littérature retrouve chaque été sa plus belle scène, Raphaël Enthoven a ouvert cette nouvelle édition du Festival de la Correspondance avec une réflexion fidèle à ce qui caractérise sa pensée : refuser les évidences, questionner les idées reçues et rappeler que la philosophie commence souvent là où s'arrêtent les certitudes.

Habitué des lieux, le philosophe n'est pas un simple invité de passage. Il entretient avec le festival une histoire ancienne. Il rappelle y avoir créé, il y a une quinzaine d'années, un spectacle consacré à la correspondance de Spinoza. Pour lui, Grignan demeure un rendez-vous privilégié où la littérature s'incarne autant dans les textes que dans les lectures publiques et dans cette atmosphère unique qui fait dialoguer patrimoine et création.

L'écriture n'est pas en crise

À l'heure où les échanges numériques remplacent souvent les lettres manuscrites, Raphaël Enthoven refuse tout discours nostalgique. Selon lui, l'écriture ne disparaît pas : elle se transforme. L'arrivée du courrier électronique n'a pas signé la fin de la correspondance. Bien au contraire, elle offre parfois une liberté nouvelle, débarrassée des contraintes matérielles de l'envoi postal. Pour le philosophe, écrire relève d'une nécessité profondément humaine. Chacun, à un moment de son existence, éprouve le besoin de mettre des mots sur ce qu'il traverse. Les supports changent, mais le besoin demeure intact. Cette vision optimiste replace l'écriture au cœur de l'expérience humaine plutôt qu'au cœur des évolutions technologiques.

L'intime n'est pas le privé

C'est sans doute l'un des moments les plus marquants de cet échange. Alors que les lettres d'auteurs sont régulièrement lues en public au Festival de Grignan, Raphaël Enthoven propose une distinction essentielle entre deux notions souvent confondues : le privé et l'intime. Le privé, explique-t-il, ne concerne que celui qui le vit. L'intime, au contraire, possède une dimension universelle. Il touche à ce qui, bien que profondément personnel, peut être partagé parce qu'il révèle une expérience commune de la condition humaine. C'est précisément cette dimension que révèlent les grandes correspondances littéraires, notamment celles de la Madame de Sévigné. Elles ne livrent pas simplement des confidences personnelles ; elles donnent accès à une vérité humaine qui traverse les siècles. Une grande lettre ne vaut donc pas parce qu'elle dévoile une vie privée, mais parce qu'elle permet à chacun de reconnaître une part de lui-même.

Les philosophes ne meurent jamais

Les philosophes demeurent des contemporains permanents de ceux qui les lisent. Dialoguer avec Platon, Socrate ou Vladimir Jankélévitch ne relève pas de l'imaginaire mais de la lecture elle-même. Les idées survivent à leurs auteurs. Les textes continuent de répondre aux questions qu'on leur adresse, génération après génération. Une manière de rappeler que la philosophie est moins une affaire d'histoire qu'un dialogue ininterrompu.

La démocratie exige une vigilance permanente

Lorsque la conversation se tourne vers son propre travail d'auteur, Raphaël Enthoven refuse toute posture monumentale. Il ne souhaite pas que ses écrits soient retenus pour leur valeur patrimoniale. En revanche, il espère contribuer à une réflexion devenue essentielle : celle de la fragilité de la démocratie. Selon lui, une démocratie est d'abord menacée par elle-même. Le danger réside dans l'endormissement collectif, dans la démission civique, dans le confort qui pousse à éviter les conflits et à renoncer peu à peu à l'exercice de la liberté. Le philosophe insiste sur la nécessité de rester éveillé, vigilant et prêt à accepter le débat, voire la provocation, tant qu'elle demeure dans le cadre fixé par la loi.

Une liberté qui ne s'exerce plus finit toujours par s'affaiblir.

Un détour par le cinéma

À la demande de La Radio du Cinéma, la discussion s'ouvre également sur le septième art. Interrogé sur le succès du film consacré au Charles de Gaulle, Raphaël Enthoven choisit une position de principe : ne jamais commenter une œuvre qu'il n'a pas vue. Il préfère évoquer un autre film, qu'il considère comme indispensable : L'Abandon, consacré au destin tragique de Samuel Paty. Selon lui, cette œuvre mérite d'être vue par tous les Français tant elle interroge notre rapport à la liberté, à l'école et aux valeurs démocratiques.

Festivals de cinéma en France en juillet 2026 : l’agenda à suivre

Sat, 04 Jul 2026 17:31:00 +0000

En juillet 2026, les festivals de cinéma irriguent la France : La Rochelle, Foix, Marseille, Toulon, Prades, Paris et Lama rythment un mois dense en projections.

Juillet a toujours un goût particulier pour les cinéphiles : les salles respirent autrement, les places publiques se transforment en écrans, les ports, les villages et les grandes villes accueillent des œuvres rares, des avant-premières, des rétrospectives et des débats. Pour La Radio du Cinéma, voici les rendez-vous pour bâtir un agenda cinéstival.

Festival La Rochelle Cinéma 2026 : Jacques Tati en affiche, Diane Keaton et Youssef Chahine au programme

Le Festival La Rochelle Cinéma ouvre le mois avec sa 54e édition, programmée du 26 juin au 4 juillet 2026. L’affiche officielle, signée Stanislas Bouvier, reprend l’élan burlesque de Jacques Tati, figure centrale de cette édition.

La programmation 2026 aligne une matière de rêve pour les amateurs de cinéma de patrimoine et de découvertes : rétrospectives Jacques Tati, Diane Keaton, Youssef Chahine, Leida Laius, intégrale Nanni Moretti, hommages et rencontres avec des cinéastes contemporains. La journée consacrée à Javier Bardem, annoncée le vendredi 3 juillet, devrait attirer une forte attention.

Infos pratiques
Dates : du 26 juin au 4 juillet 2026
Lieux principaux : La Coursive et CGR Dragon, La Rochelle
Billetterie : réservation en ligne ouverte sur le site du festival
Site : festival-larochelle.org

Festival Résistances à Foix : 30e édition, films et débats du 3 au 11 juillet

À Foix, le Festival Résistances fête sa 30e édition du 3 au 11 juillet 2026. Sa promesse reste claire : des films, des débats, des invités, des séances en plein air et un cinéma pensé comme outil de réflexion collective.

Les axes 2026 donnent le ton : Kapital Santé, lutte contre l’extrême droite, extractivismes, Inde, fête et idées communes. C’est l’un des rendez-vous les plus engagés de l’été, avec une attention forte portée à l’accessibilité, aux séances accompagnées et au public sourd ou malentendant.

Infos pratiques
Dates : du 3 au 11 juillet 2026
Lieu principal : L’Estive, scène nationale de Foix et de l’Ariège
Adresse : 20 avenue du Général-de-Gaulle, 09000 Foix
Tarifs annoncés : séance à 5,50 €, carnet 10 places à 45 €, pass adulte à 65 €
Contact : accueil@festival-resistances.fr

FIDMarseille 2026 : cinéma international, premières mondiales et débats brûlants

Le FIDMarseille tient sa 37e édition du 7 au 12 juillet 2026. L’événement reste l’un des postes d’observation les plus vifs du cinéma contemporain : compétitions internationales, films français, premiers films, formats expérimentaux, rétrospective Rabah Ameur-Zaïmeche, focus Mariana Caló et Francisco Queimadela, FIDLab, FIDCampus et soirées FIDNights.

L’actualité de l’édition 2026 dépasse aussi la programmation. Le retrait de Nadav Lapid, initialement attendu dans le jury, a déclenché un débat public sur le boycott culturel et le rôle des festivals. Le FID maintient son calendrier et met en avant une sélection annoncée comme particulièrement dense.

Infos pratiques
Dates : du 7 au 12 juillet 2026
Lieux : Artplexe Canebière, Les Variétés, La Baleine, Videodrome 2, Alcazar, Mucem, Théâtre Silvain et autres lieux marseillais
Tarifs annoncés : pass plein tarif à 75 €, pass réduit à 55 €, séance à partir de 9 €
Contact : welcome@fidmarseille.org

Cinéma en Liberté à Toulon : quatre soirées de courts métrages à la Tour Royale

À Toulon, le festival international de courts métrages Cinéma en Liberté célèbre sa 15e édition du 9 au 12 juillet 2026. La Tour Royale devient un écrin de plein air pour projections, rencontres, concerts et soirée anniversaire.

L’édition 2026 met le court métrage international au centre, avec une ligne éditoriale axée sur le cinéma indépendant, original et engagé. Les dernières actualités publiées par l’organisation annoncent une conférence de presse début juillet, de nouvelles animations et la présentation du jury.

Infos pratiques
Dates : du 9 au 12 juillet 2026
Horaires annoncés : accès à partir de 19h30 selon la communication du festival
Lieu : Tour Royale, avenue de la Tour Royale, 83000 Toulon
Billetterie : soirée plein tarif à partir de 15 €, tarif réduit à partir de 10 €, pass disponibles
Site : festivalcinemaenliberte.com

Ciné Rencontres de Prades : Robert Redford à l’honneur pour la 67e édition

Les Ciné Rencontres de Prades s’installent du 18 au 25 juillet 2026. Cette 67e édition rend hommage à Robert Redford, acteur, cinéaste et fondateur du Sundance Film Festival.

Le rendez-vous conserve son identité : films d’auteur, œuvres accompagnées, échanges avec cinéastes, acteurs, producteurs et critiques. À Prades, la cinéphilie se vit à hauteur humaine, dans un festival dont la longévité en fait un repère majeur du calendrier français.

Infos pratiques
Dates : du 18 au 25 juillet 2026
Lieu : Cinéma Le Lido, 174 avenue du Général-de-Gaulle, 66500 Prades
Tarifs annoncés : séance de 5 € à 8 €, pass complet de 55 € à 75 €
Contact : +33 4 68 05 20 47
Site : cine-rencontres.org

Cinéma en plein air de La Villette : forêt, nature et grands écrans à Paris

À La Villette, le cinéma en plein air revient du 22 juillet au 16 août 2026. Le programme 2026 s’ouvre avec Mon voisin Totoro et Le Règne animal, puis convoque animation, fantastique, récits d’enfance, mondes sauvages et nuits de cinéma sur prairie.

L’accès gratuit, les séances en version originale sous-titrée pour la majorité des films et le cadre de la Prairie du Triangle en font l’un des rendez-vous les plus populaires de l’été parisien.

Infos pratiques
Dates : du 22 juillet au 16 août 2026
Lieu : Prairie du Triangle, Parc de La Villette
Adresse : 211 avenue Jean-Jaurès, 75019 Paris
Accès : métro Porte de Pantin ou Porte de la Villette
Site : lavillette.com

Festival du film de Lama : cinéma sous les étoiles en Haute-Corse

Le Festival du film de Lama annonce sa 32e édition du 25 au 31 juillet 2026. Dans ce village de Balagne, le cinéma se regarde sous les étoiles, au rythme des projections, des discussions du lendemain et de la vie du festival.

Infos pratiques
Dates : du 25 au 31 juillet 2026
Lieu : village de Lama, Haute-Corse
Adresse administrative : Maison de la Culture et du Tourisme, 20218 Lama
Contact : +33 4 95 48 21 60 — info@festilama.org
Site : festilama.org

Autres festivals de cinéma à noter en juillet 2026

Festival international du film de Nancy : du 26 juin au 5 juillet 2026, Nancy.
Festival Les Yeux Ouverts : du 3 au 5 juillet 2026, Paris.
Festival du cinéma belge en garrigue : du 21 au 25 juillet 2026, Garrigue.
Festival international du film de Vébron : du 21 au 25 juillet 2026, Vébron.
Un réalisateur dans la ville : du 26 au 29 juillet 2026, Nîmes.
Festival Phare : du 27 au 31 juillet 2026, Arles.
Festival de cinéma argentique en plein air de Redessan : du 30 juillet au 2 août 2026, Redessan.

Pour aller plus loin

Infos rédacteur — lieux, adresses, contacts

Festival La Rochelle Cinéma

Nom du lieu : La Coursive
Adresse : 4 rue Saint-Jean-du-Pérot
Code postal : 17025 Cedex 1
Ville : La Rochelle
Pays : France
Contact : +33 5 46 52 28 96 — billetterie@festival-larochelle.org

Festival Résistances

Nom du lieu : L’Estive, scène nationale de Foix et de l’Ariège
Adresse : 20 avenue du Général-de-Gaulle
Code postal : 09000
Ville : Foix
Pays : France
Contact : +33 5 61 65 44 23 — accueil@festival-resistances.fr

FIDMarseille

Nom du lieu : FIDMarseille / lieux multiples
Adresse : 14 allée Léon-Gambetta
Code postal : 13001
Ville : Marseille
Pays : France
Contact : +33 4 95 04 44 90 — welcome@fidmarseille.org

Cinéma en Liberté

Nom du lieu : Tour Royale
Adresse : avenue de la Tour Royale
Code postal : 83000
Ville : Toulon
Pays : France
Contact : via festivalcinemaenliberte.com

Ciné Rencontres de Prades

Nom du lieu : Cinéma Le Lido
Adresse : 174 avenue du Général-de-Gaulle
Code postal : 66500
Ville : Prades
Pays : France
Contact : +33 4 68 05 20 47

Cinéma en plein air de La Villette

Nom du lieu : Parc de La Villette, Prairie du Triangle
Adresse : 211 avenue Jean-Jaurès
Code postal : 75019
Ville : Paris
Pays : France
Contact : via lavillette.com

Festival du film de Lama

Nom du lieu : Village de Lama / Maison de la Culture et du Tourisme
Adresse : Maison de la Culture et du Tourisme
Code postal : 20218
Ville : Lama
Pays : France
Contact : +33 4 95 48 21 60 — info@festilama.org

La Bataille de Gaulle : quand le cinéma français reprend son récit historique

Fri, 03 Jul 2026 17:28:00 +0000

Avec La Bataille de Gaulle – Partie 1 : L’Âge de fer et La Bataille de Gaulle – Partie 2 : J’écris ton nom, Antonin Baudry propose bien plus qu’un diptyque consacré au général de Gaulle. Il signe une fresque populaire, politique et profondément cinématographique, qui replace la France au centre de son propre récit. Sans excès patriotique mais avec une conviction forte : l’Histoire française mérite d’être racontée avec nos images, nos voix, nos contradictions.

Une fresque française ambitieuse

Il y a des films que l’on juge seulement sur leur mise en scène, leur rythme ou leurs performances. Et puis il y a ceux qui touchent à quelque chose de plus large : notre manière de regarder l’Histoire.

La Bataille de Gaulle appartient à cette deuxième catégorie.

Dans L’Âge de fer puis J’écris ton nom, Antonin Baudry ne cherche pas seulement à raconter Charles de Gaulle. Il tente de faire exister au cinéma un moment de bascule : celui où la France, vaincue militairement en 1940, refuse pourtant de disparaître politiquement et symboliquement.

Ce qui frappe, c’est que le film ne se contente pas de répéter une grande figure nationale. Il lui redonne une tension dramatique. De Gaulle n’est pas présenté comme une statue déjà figée dans le marbre. Il apparaît comme un homme seul, obstiné, contesté, qui tente de donner une forme à une France qui n’a presque plus de poids, presque plus d’armée, presque plus de crédit diplomatique.

Simon Abkarian, de Gaulle sans imitation figée

Simon Abkarian est exceptionnel dans le rôle de Charles de Gaulle. Il ne cherche pas l’imitation mécanique. Il compose une présence, une verticalité, une inquiétude contenue. Son de Gaulle impressionne parce qu’il semble constamment lutter contre son isolement, contre le doute des autres, mais aussi contre ce que l’époque voudrait faire de lui : un vaincu de plus.

Face à lui, Simon Russell Beale donne à Churchill une densité remarquable mais il faut citer tout le casting: Niels Schneider, Félix Kysyl, Anamaria Vartolomei, Thierry Lhermitte, Benoît Magimel, Loïc Corbery, Mathieu Kassovitz, Karim Leklou et les autres comédiens.

C’est l’une des grandes réussites du diptyque : faire sentir que l’Histoire n’avance pas seulement par discours ou par dates, mais par visages, par conflits, par fidélités, par hésitations.

Quand notre mémoire vient surtout d’Hollywood

Ce que La Bataille de Gaulle provoque, au-delà du film lui-même, c’est une prise de conscience : une grande partie de notre imaginaire de la Seconde Guerre mondiale nous arrive par des œuvres américaines ou britanniques.

Certaines sont immenses.

Il faut sauver le soldat Ryan a fixé dans les mémoires une vision brutale, physique, inoubliable d’Omaha Beach. Band of Brothers a donné un visage à Easy Company. The Big Red One raconte la guerre depuis l’expérience du soldat américain. Patton installe au centre du récit la figure du chef militaire américain.

Côté britannique, Dunkerque filme l’évacuation de 1940 avec une maîtrise impressionnante, mais le rôle de l’armée française restait en périphérie. Darkest Hour raconte le même moment depuis les couloirs du pouvoir britannique, avec Churchill au centre.

Même Le Jour le plus long, fresque monumentale et polyphonique, laisse les figures françaises dans une présence éclatée : la Résistance, les commandos Kieffer, les civils normands. Ils existent, mais pas avec le même poids symbolique que les grandes figures américaines et britanniques.

Et l’exemple de U-571, vivement critiqué au Royaume-Uni pour avoir déplacé vers des Américains un épisode lié à Enigma, rappelle jusqu’où Hollywood peut parfois absorber l’Histoire des autres pour en faire son propre récit.

Ce constat ne retire rien à ces films.

Mais il explique pourquoi La Bataille de Gaulle touche autrement.

Pas un repli, une reprise de parole

Ce qui m’a touché dans ces deux films, ce n’est pas un élan nationaliste. Ce n’est pas le besoin de se raconter “meilleurs” que les autres. C’est au contraire une impression plus simple, plus saine : celle de voir la France reprendre sa place dans son propre récit.

Le film ne dit pas que les autres récits sont faux. Il dit qu’ils ne suffisent pas.

La France n’est pas seulement un décor traversé par les armées alliées. Elle n’est pas seulement un pays vaincu, une terre libérée, une blessure stratégique. Elle est aussi un sujet politique, culturel, militaire, humain. Un pays qui tente de rester debout quand tout l’invite à disparaître.

C’est là que le cinéma devient plus qu’un divertissement. Il devient un outil de mémoire.

Une musique tendue, presque clinique

La musique joue un rôle essentiel dans cette impression de gravité tenue. Volker Bertelmann, pour L’Âge de fer, puis Théo Cascio, pour J’écris ton nom, accompagnent le récit sans l’écraser.

À certains moments, leurs partitions rappellent, à l’oreille, les tonalités cliniques que l’on associe parfois à Ludwig Göransson : pulsations froides, lignes tendues, matière sonore presque chirurgicale. Non pas une musique illustrative, mais une tension intérieure. Comme si l’Histoire avançait dans un espace mental autant que militaire.

Cette couleur musicale évite l’emphase permanente. Elle ne cherche pas à fabriquer artificiellement l’émotion. Elle installe une inquiétude, une précision, une modernité sonore qui empêchent le film de devenir une simple reconstitution patrimoniale.

Un film qui résonne avec l’actualité audiovisuelle

Cette question du récit français dépasse largement le cinéma historique.

À moins d’un an de l’élection présidentielle de 2027, l’audiovisuel français se retrouve face à une contradiction majeure. Les acteurs locaux évoluent dans un cadre très encadré, fragmenté, contraignant, tandis que des plateformes mondiales, puissantes et concentrées, occupent désormais les mêmes écrans, les mêmes téléviseurs connectés, les mêmes marchés publicitaires.

Le sujet n’est pas technique. Il est culturel.

Produire nos films, nos séries, nos documentaires, nos récits historiques, ce n’est pas seulement alimenter une industrie. C’est préserver notre capacité collective à nous raconter nous-mêmes. Avec nos nuances, nos contradictions, notre rapport à l’autorité, à la liberté, à la parole publique, au doute, à l’héroïsme et à la mémoire.

La culture américaine produit des œuvres puissantes, parfois admirables. Mais elle ne peut pas devenir notre seul horizon. Ses films, ses séries, ses codes moraux, parfois puritains ou simplement éloignés de notre sensibilité, ne correspondent pas toujours à notre manière de regarder le monde.

Voir une grande fresque française tenter de raconter l’Histoire depuis notre point de vue, ce n’est pas se replier.

C’est reprendre de l’espace. Cette ambition n’a rien d’anecdotique. Elle pose une question très simple : voulons-nous encore donner aux créateurs français les moyens de produire nos grands récits ?

Un pays qui ne raconte plus lui-même son histoire finit par la recevoir avec les images, les priorités et les sensibilités des autres.

La Bataille de Gaulle rappelle que le cinéma peut encore être ce lieu où une mémoire reprend voix.

Patrice Caillet - La Radio Du Cinéma

Infos pratiques

Film : La Bataille de Gaulle – Partie 1 : L’Âge de fer
Sortie cinéma France : 3 juin 2026
Durée : 159 minutes
Réalisation : Antonin Baudry
Distribution : Simon Abkarian, Simon Russell Beale, Florian Lesieur, Benoît Magimel, Mathieu Kassovitz, Loïc Corbery, Anamaria Vartolomei, Niels Schneider, Félix Kysyl, Karim Leklou
Film : La Bataille de Gaulle – Partie 2 : J’écris ton nom
Sortie cinéma France : 26 juin 2026
Durée : 160 minutes

Sources

Annecy 2026 : In Waves, chronique d'un amour face au temps

Fri, 26 Jun 2026 20:38:00 +0000

Festival international du film d'animation d'Annecy : In Waves s'impose comme l'une des œuvres les plus remarquées. Réalisé par Phuong Mai Nguyen et adapté du roman graphique autobiographique d'AJ Dungo, le long métrage raconte une histoire d'amour dont l'horizon se redessine au rythme de la maladie, de la création artistique et de l'acceptation.

Pour La Radio du Cinéma, Jules Violon, Anakhin Jeudy et Eden Vaisse étaient présents lors de cette projection.

Une histoire racontée de l'intérieur

Le film suit AJ Dungo, adolescent passionné de skateboard, dont la vie bascule lorsqu'il rencontre Kristen, une jeune surfeuse. Leur relation évolue au fil des années jusqu'au retour de la maladie qui frappe la jeune femme.

Parce que le récit est directement inspiré de la vie de son auteur, In Waves conserve une grande retenue dans sa manière d'aborder ses personnages.

« C'est une œuvre très intime », observe Jules Violon. « On suit leur quotidien avec ses moments les plus simples, jusqu'à ce que la maladie prenne une place de plus en plus importante. »

Le récit ne cherche jamais à dramatiser artificiellement les situations. Il préfère montrer comment un couple continue d'avancer lorsque le temps devient compté.

Les vagues comme fil conducteur

Le surf occupe une place centrale dans le film.

Mais il dépasse rapidement le simple loisir pour devenir une véritable métaphore du récit.

« Le film parle de ces vagues que l'on rencontre dans une vie », explique Jules. « L'idée n'est pas de les affronter frontalement, mais d'apprendre à avancer avec elles. »

Une lecture que partage Anakhin Jeudy.

« Le surf devient presque une manière de continuer à vivre. C'est par lui que les personnages retrouvent un équilibre lorsqu'ils traversent les périodes les plus difficiles. »

Une écriture qui assume sa simplicité

Les dialogues privilégient des situations du quotidien, parfois légères, parfois plus silencieuses.

Pour Jules, cette simplicité participe pleinement à l'identité du film.

« Certains échanges peuvent sembler très directs, mais ils restent cohérents avec le fait qu'il s'agit d'un récit autobiographique. Je n'y vois pas des clichés ; j'y vois une écriture qui assume sa sincérité. »

Cette dimension autobiographique apparaît d'ailleurs au cœur même du scénario.

« Kristen demande à AJ de raconter leur histoire à travers son dessin », rappelle Anakhin. « C'est exactement ce qui donnera naissance au roman graphique, puis aujourd'hui au film. »

Une identité visuelle très affirmée

Sur le plan graphique, In Waves est l'une des propositions les plus singulières de cette édition.

Réalisé par Silex Animation, le film associe animation 3D et rendu pictural au point de brouiller les repères.

« Plusieurs fois, on s'est demandé si l'on regardait de la 2D ou de la 3D », raconte Eden Vaisse. « Pourtant, nous faisons tous les trois des études d'animation. C'est dire le niveau de maîtrise technique. »

Les décors conservent volontairement l'aspect d'un concept art ou d'un color script.

« On a presque l'impression que les peintures préparatoires ont directement été intégrées au film », remarque Jules. « Les couleurs, les textures et la lumière donnent une véritable personnalité à chaque décor. »

Anakhin souligne également le travail réalisé sur les transitions.

« Elles accompagnent constamment le récit et créent une vraie continuité visuelle. Elles participent énormément au rythme du film. »

L'avis des équipes

Avec In Waves, Phuong Mai Nguyen adapte fidèlement l'univers graphique et narratif d'AJ Dungo sans chercher à en amplifier artificiellement les effets.

Le film trouve sa force dans son équilibre : une mise en scène maîtrisée, une direction artistique particulièrement soignée et une écriture qui laisse la place aux silences autant qu'aux dialogues.

À la sortie de la projection, les réactions du public témoignaient de l'accueil réservé à cette proposition. Plusieurs spectateurs sont restés de longues minutes dans la salle avant d'échanger avec l'équipe du film.

In Waves confirme qu'un film d'animation peut raconter une histoire intime avec une grande sobriété, tout en proposant une recherche graphique parmi les plus remarquables de cette édition du Festival d'Annecy.

Le Dossier de l'Aube, l'animation au service de la mémoire et de la justice

Fri, 26 Jun 2026 17:47:00 +0000

Présenté en compétition officielle, Le Dossier de l'Aube s'impose comme l'un des longs métrages les plus ambitieux de cette édition 2026. Entre thriller historique, réflexion politique et drame humain, le film plonge le spectateur au cœur de la traque de Klaus Barbie, tout en interrogeant les notions de mémoire, de justice et de vengeance.

Pour La Radio du Cinéma, Jules Violon, Anakhin Jeudy et Eden Vaisse ont assisté à cette projection particulièrement attendue.

Une enquête qui dépasse le simple récit historique

Le récit s'ouvre sur un ancien agent du Mossad, désormais retraité, hanté par les fantômes de son passé. En rouvrant un dossier oublié, il replonge dans l'opération qui conduira à l'arrestation de Klaus Barbie, surnommé le « Boucher de Lyon ».

Mais très vite, le film élargit son propos.

Autour de cet ancien agent gravitent plusieurs personnages, chacun confronté à sa propre histoire, à ses blessures et à son rapport à la mémoire de la Shoah.

Pour Jules Violon, c'est là que réside toute la richesse du scénario.

« Le film ne raconte pas seulement un épisode historique. Il montre aussi comment plusieurs générations vivent avec cet héritage. Il y a notamment ce personnage allemand qui cherche à réparer, d'une certaine manière, les fautes de son père. »

Jusqu'où peut aller la justice ?

Derrière le thriller historique, Le Dossier de l'Aube pose une question universelle.

Que signifie réellement rendre justice ?

Anakhin Jeudy a particulièrement été marqué par cette réflexion.

« Le thème principal du film, ce n'est finalement pas seulement l'Holocauste. C'est celui de la violence légitime. Est-ce que tuer un criminel constitue une forme de justice ? Ou faut-il absolument passer par les institutions, même après l'horreur ? Le film ne tranche jamais vraiment, et c'est ce qui le rend passionnant. »

Une ambiguïté morale qui accompagne le spectateur jusqu'à la dernière scène.

Une animation pensée pour un public adulte

Sur le plan visuel, le film affiche de grandes ambitions.

Réalisé par les studios Superprod et Mélusine Studio, il adopte une esthétique mêlant animation 3D et rendu 2D, dans une approche qui rappelle certaines productions contemporaines.

« On pense immédiatement à Arcane », observe Jules Violon.

Anakhin y voit également des similitudes avec l'univers graphique du jeu vidéo The Wolf Among Us.

Les jeux de lumière, les textures et la stylisation des personnages confèrent au film une identité forte, tout en conservant une grande lisibilité du récit.

Pour Eden Vaisse, cette direction artistique participe pleinement à la réussite du projet.

« C'est un film extrêmement ambitieux. On sent immédiatement qu'il s'agit d'une grosse production et c'est aussi une belle démonstration du savoir-faire des studios français. »

L'animation change de regard

Au-delà de ses qualités artistiques, Le Dossier de l'Aube illustre une évolution plus profonde du cinéma d'animation.

Depuis le début du Festival, les trois journalistes constatent que de nombreuses œuvres s'adressent désormais clairement à un public adulte.

« J'ai vraiment l'impression que cette édition d'Annecy cherche à démontrer que l'animation n'est plus seulement destinée aux enfants », souligne Jules Violon.

Une observation qui fait directement écho aux débats entendus quelques heures plus tôt lors de la conférence consacrée à la nouvelle génération du stop motion.

Pour Anakhin Jeudy, les deux approches se rejoignent.

« Les intervenants parlaient de transmission et d'un cinéma capable d'aborder des sujets de société. Le Dossier de l'Aube en est une parfaite illustration. Il montre que l'animation peut porter des récits historiques complexes avec une immense force émotionnelle. »

L'avis de la rédaction

Avec Le Dossier de l'Aube, l'animation démontre une nouvelle fois qu'elle peut s'emparer des grandes pages de l'Histoire sans perdre de sa puissance narrative. Porté par une réalisation ambitieuse et une réflexion profonde sur la mémoire, la justice et la responsabilité, le film dépasse le simple thriller historique pour devenir une véritable œuvre de débat.

Ce qui frappe surtout, c'est sa capacité à ne jamais imposer de réponse. Le spectateur ressort avec ses propres interrogations, partagé entre le besoin de justice, le poids de la vengeance et la nécessité de transmettre la mémoire.

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