La Radio du Cinéma - RSS News La Radio du Cinéma - RSS News Zend_Feed_Writer 1.21.1 (http://framework.zend.com) http://www.radioducinema.com Tangles by Leah Nelson: Memory, Family, and Drawing in the Face of Alzheimer’s Fri, 15 May 2026 00:33:00 +0000 http://www.radioducinema.com/news/tangles-by-leah-nelson-memory-family-and-drawing-in-the-face-of-alzheimer-s-219 http://www.radioducinema.com/news/tangles-by-leah-nelson-memory-family-and-drawing-in-the-face-of-alzheimer-s-219

Presented as a Special Screening at the 2026 Cannes Film Festival, Tangles adapts Sarah Leavitt’s autobiographical graphic memoir into an animated feature where black-and-white linework becomes a tool of memory. The film follows Sarah, an activist artist in 1990s San Francisco, called back to her family when Alzheimer’s disease begins to transform her mother.

1. What Kind of Spotlight Does the Film Step Into?

Tangles moves through rare material: illness, yes, but above all everything it unsettles around it. Sarah’s trajectory is not only that of a daughter returning to her mother’s bedside; it is that of a young woman trying to hold together her art, her desire, her family, her anger, and her fear.

Leah Nelson works in black and white, close to Sarah Leavitt’s original drawing style, with bursts of color reserved for precise emotional moments. In this kind of story, the line trembles more accurately than a long medical speech: it frames a face, then already lets it drift a little.

2. What the Film Tells, Without Giving the Game Away

At first, Sarah believes she can organize the situation the way one tidies a table, a schedule, a pile of drawings. Very quickly, the film shifts the problem: it is not about “managing” Alzheimer’s, but about learning to live inside its disorder.

The illness redistributes family roles, places the father Rob face-to-face with exhaustion, forces the sister Hannah to find her own place, and splits Sarah between two lives: the one she is building far from home and the one calling her back.

3. Characters and Cast

Sarah, voiced by Abbi Jacobson, is the film’s exposed nerve: an artist, a lesbian, an activist, funny, sometimes abrupt, with a way of turning anxiety into action. Her dramatic function lies in that friction: she wants to help, but her need for control becomes a knot of its own.

Midge, played by Julia Louis-Dreyfus, is the emotional center of the story. The film does not reduce her to her diagnosis: it first presents her as a woman of wit, language, tenderness, and sharp timing, then observes how the illness changes the flow of those qualities without erasing them all at once.

Rob, entrusted to Bryan Cranston, embodies another way of loving: holding on, minimizing, patching things together, acting as if the house could still absorb the catastrophe. Hannah, played by Beanie Feldstein, brings a valuable line of sibling tension. Donimo, played by Samira Wiley, opens the film toward a love story told as an ordinary, vivid, and necessary part of Sarah’s life.

4. Dialogue

The dialogue in Tangles has something deeply domestic about it: people talk fast, joke so they do not crack, interrupt each other, and circle around dangerous words. Humor does not cancel out pain; sometimes it serves as a crutch, like those airplane announcements that become inner commentaries.

5. Sound and Music

The music is by Dan Romer. In an animated film, sound plays an essential role here: the more the drawing simplifies faces, the more the voices, household noises, phone messages, and breathing make the world concrete.

6. Direction

The strongest choice is to remain within Sarah’s gaze rather than enter Midge’s mind. This refusal of the “sick person’s point of view” avoids the feeling of demonstration. Instead, the film observes the effects of Alzheimer’s on an ecosystem: the bedroom, the kitchen, the car rides, the parental couple, the sister, the romantic relationship, the artistic work.

The black-and-white animation maintains the connection with the graphic memoir. When touches of color appear, they become overflows: not pretty ornaments, but emotional signals. Drawing, here, means holding on to what is slipping away.

7. A Line to Remember

“Sometimes you have to be brave for others.”

This sentence sums up, without underlining it, one of the film’s threads: courage is not always spectacular. Sometimes it simply means staying in the room.

8. Who Is It For?

Tangles may speak to viewers looking for adult animation that is intimate, closer to a notebook than to a spectacular fable. The film is especially aimed at those who know family caregiving, neurodegenerative diseases, forced returns to the family home, or that very precise feeling of having a life of your own at the exact moment when your family calls you back.

It may also resonate with an audience drawn to queer stories where identity is not treated as a problem to solve, but as a way of inhabiting the world. Here, love, drawing, anger, and grief cross paths without asking permission.

Essential Information

  • Original title: Tangles
  • French title: Tangles
  • Directed by: Leah Nelson
  • Screenplay: Leah Nelson, Sarah Leavitt, Trev Renney
  • Based on: Tangles: A Story About Alzheimer’s, My Mother and Me, the graphic memoir by Sarah Leavitt
  • Voice cast: Julia Louis-Dreyfus, Abbi Jacobson, Bryan Cranston, Beanie Feldstein, Seth Rogen, Samira Wiley, Pamela Adlon, Sarah Silverman, Bowen Yang, Wanda Sykes
  • Main characters: Midge, Sarah, Rob, Hannah, Zach, Donimo
  • Music: Dan Romer
  • Countries: Canada, United States
  • Runtime: 102 minutes
  • Festival: Special Screening, 2026 Cannes Film Festival
  • International sales: Charades
]]> Tangles de Leah Nelson : mémoire, famille et dessin face à Alzheimer Fri, 15 May 2026 00:13:00 +0000 http://www.radioducinema.com/news/tangles-de-leah-nelson-memoire-famille-et-dessin-face-a-alzheimer-218 http://www.radioducinema.com/news/tangles-de-leah-nelson-memoire-famille-et-dessin-face-a-alzheimer-218

Présenté en Séance Spéciale au Festival de Cannes 2026, Tangles adapte le roman graphique autobiographique de Sarah Leavitt en un long métrage d’animation où le trait noir et blanc devient un outil de mémoire. Le film suit Sarah, artiste activiste dans le San Francisco des années 90, rappelée auprès de sa famille lorsque la maladie d’Alzheimer commence à transformer sa mère.

Infos essentielles

  • Titre original : Tangles
  • Titre français : Tangles
  • Réalisation : Leah Nelson
  • Scénario : Leah Nelson, Sarah Leavitt, Trev Renney
  • D’après : Tangles: A Story About Alzheimer’s, My Mother and Me, roman graphique de Sarah Leavitt
  • Casting vocal : Julia Louis-Dreyfus, Abbi Jacobson, Bryan Cranston, Beanie Feldstein, Seth Rogen, Samira Wiley, Pamela Adlon, Sarah Silverman, Bowen Yang, Wanda Sykes
  • Personnages principaux : Midge, Sarah, Rob, Hannah, Zach, Donimo
  • Musique : Dan Romer
  • Pays : Canada, États-Unis
  • Durée : 102 minutes
  • Festival : Séance Spéciale, Festival de Cannes 2026
  • Ventes internationales : Charades

1. Un film sous quel projecteur ?

Tangles avance avec une matière rare : la maladie, oui, mais surtout tout ce qu’elle dérange autour d’elle. La trajectoire de Sarah n’est pas seulement celle d’une fille qui revient au chevet de sa mère ; c’est celle d’une jeune femme qui tente de faire tenir ensemble son art, son désir, sa famille, sa colère et sa peur.

Leah Nelson travaille un noir et blanc proche du dessin originel de Sarah Leavitt, avec des surgissements de couleur réservés à des moments émotionnels précis. Dans ce type de récit, la ligne tremble plus juste qu’un long discours médical : elle cerne un visage, puis le laisse déjà un peu filer.

2. Ce que le film raconte, sans vendre la mèche

Sarah croit d’abord pouvoir organiser la situation, comme on range une table, un planning, une pile de dessins. Très vite, le film déplace le problème : il ne s’agit pas de “gérer” Alzheimer, mais d’apprendre à vivre dans son désordre.

La maladie redistribue les rôles familiaux, met le père Rob face à l’épuisement, oblige la sœur Hannah à trouver sa propre place, et coupe Sarah entre deux vies : celle qu’elle construit loin de chez elle et celle qui l’appelle au retour.

3. Personnages et casting

Sarah, portée vocalement par Abbi Jacobson, est le nerf vif du film : artiste, lesbienne, militante, drôle, brusque parfois, avec cette manière de transformer l’angoisse en action. Sa fonction dramatique tient dans ce frottement : elle veut aider, mais son besoin de contrôle devient lui-même un nœud.

Midge, interprétée par Julia Louis-Dreyfus, est le centre affectif du récit. Le film ne la réduit pas à son diagnostic : il la présente d’abord comme une femme d’esprit, de langage, de tendresse et de répartie, puis observe comment la maladie modifie la circulation de ces qualités sans les effacer d’un seul coup.

Rob, confié à Bryan Cranston, incarne une autre manière d’aimer : tenir, minimiser, bricoler, faire comme si la maison pouvait encore absorber la catastrophe. Hannah, jouée par Beanie Feldstein, apporte une ligne de tension fraternelle précieuse. Donimo, interprétée par Samira Wiley, ouvre le film vers une histoire d’amour racontée comme une part ordinaire, vive et nécessaire de la vie de Sarah.

4. Dialogues

Les dialogues de Tangles ont quelque chose de très domestique : ça parle vite, ça plaisante pour ne pas craquer, ça coupe la parole, ça contourne les mots dangereux. L’humour n’annule pas la douleur ; il lui sert parfois de béquille comme ces annonces d’avion qui deviennent des commentaires intérieurs.

5. Sons et musiques

La musique est signée Dan Romer. Dans un film animé, le son joue ici un rôle essentiel : plus le dessin simplifie les visages, plus les voix, les bruits domestiques, les messages téléphoniques et les respirations rendent le monde concret.

6. Mise en scène

Le choix le plus fort consiste à rester dans le regard de Sarah plutôt que d’entrer dans l’esprit de Midge. Ce refus du “point de vue malade” évite l’effet de démonstration. Le film observe plutôt les effets d’Alzheimer sur un écosystème : la chambre, la cuisine, les trajets, le couple parental, la sœur, la relation amoureuse, le travail artistique.

L’animation en noir et blanc garde le lien avec le roman graphique. Les touches de couleur, lorsqu’elles apparaissent, deviennent des débordements : non pas de jolis ornements, mais des signaux émotionnels. Dessiner, ici, revient à retenir ce qui s’en va.

7. Une réplique à retenir

“Parfois, il faut faire preuve de courage pour les autres.”

Cette phrase résume sans appuyer l’un des fils du film : le courage n’est pas toujours spectaculaire. Parfois, il consiste simplement à rester dans la pièce.

8. Pour quel public ?

Tangles peut parler aux spectateurs qui cherchent un cinéma d’animation adulte, intime, plus proche du carnet de bord que de la fable spectaculaire. Le film s’adresse particulièrement à celles et ceux qui connaissent le soin familial, les maladies neurodégénératives, les retours forcés dans la maison d’origine, ou cette sensation très précise d’avoir une vie à soi au moment exact où la famille vous rappelle.

Il peut aussi toucher un public sensible aux récits queer où l’identité n’est pas traitée comme un problème à résoudre, mais comme une manière d’habiter le monde. Ici, l’amour, le dessin, la colère et le deuil se croisent sans demander la permission.

10. Sources

]]> Les caprices d'un roi ; Michel Leclerc et sa troupe présentent une “fantaisie historique” joyeuse et collective Thu, 14 May 2026 23:56:00 +0000 http://www.radioducinema.com/news/les-caprices-d-un-roi-michel-leclerc-et-sa-troupe-presentent-une-fantaisie-historique-joyeuse-et-collective-217 http://www.radioducinema.com/news/les-caprices-d-un-roi-michel-leclerc-et-sa-troupe-presentent-une-fantaisie-historique-joyeuse-et-collective-217 Présenté en avant-première au Festival de Cannes, le nouveau film de Michel Leclerc, attendu en salles le 24 juin 2026, a offert un lancement chaleureux et joyeusement collectif, à l’image de cette « fantaisie historique » portée par une troupe manifestement très soudée.

Avant la projection, toute l’équipe est montée sur scène dans une ambiance particulièrement détendue et complice. Entre émotion, humour et déclarations d’affection mutuelle, les comédiens ont donné le ton d’un film qui mêle aventure, histoire et esprit de troupe.

Très applaudi à son arrivée, Franck Dubosc a confié son émotion de vivre sa première projection officielle à Cannes : « C’est la première fois que je vois un film projeté ici, donc je remercie vraiment Thierry d’avoir amené ce film à Cannes. » L’acteur a surtout insisté sur la qualité du casting réuni par Michel Leclerc : « Quand j’ai vu le film pour la première fois, je suis tombé amoureux de toutes les actrices et de tous les acteurs. »

Même enthousiasme du côté de ses partenaires. Une des actrices principales, Doria Tillier a salué « un scénario génial » et un tournage placé sous le signe du plaisir et du jeu, évoquant sa complicité avec Franck Dubosc : « Je me suis beaucoup amusée. »

L’émotion était également présente chez Julia Piaton, déjà dirigée une première fois par Michel Leclerc. L’actrice a décrit « un tournage solaire, drôle et lumineux », tout en rendant hommage à « des partenaires extraordinaires ». Une déclaration qui résume bien l’atmosphère générale de cette montée sur scène où chacun semblait vouloir célébrer avant tout une aventure humaine.

Artus, fidèle à son énergie spontanée, a quant à lui lancé un vibrant « Vive le cinéma et vive la comédie ! », rappelant l’importance du rire dans un paysage cinématographique parfois plus grave sur la Croisette.

Autre membre du casting, Niels Hamel-Brochen, qui incarne le jeune Louis XIV, a lui aussi partagé sa joie d’être à Cannes pour défendre ce projet atypique : « J’espère que vous allez aimer le film », a-t-il lancé avec humour, évoquant les multiples personnages qu’il interprète dans cette fresque historique décalée.

Car le pari de Michel Leclerc est bien là : revisiter l’Histoire de France avec fantaisie. Le film imagine un jeune Louis XIV exfiltré pendant la Fronde et caché auprès de Molière, Madeleine Béjart et Cyrano de Bergerac. Une manière ludique et romanesque de raconter la naissance du futur Roi Soleil, entre théâtre, apprentissage de la vie et découverte du pouvoir.

Sur scène, les acteurs ont surtout insisté sur l’esprit de troupe qui a porté le tournage. « Tout le monde s’aime », a résumé l’un des comédiens dans un éclat de rire général. Derrière la plaisanterie, une vraie sensation de collectif se dégageait de cette présentation cannoise.

Avant de lancer la projection, l’équipe a invité le public à « profiter de cette fantaisie historique ». Une promesse accueillie par une salle particulièrement enthousiaste, curieuse de découvrir cette relecture libre et populaire du Grand Siècle signée Michel Leclerc !

]]> Hannah Einbinder à Cannes pour la Fondation Kering Thu, 14 May 2026 23:33:00 +0000 http://www.radioducinema.com/news/hannah-einbinder-a-cannes-pour-la-fondation-kering-216 http://www.radioducinema.com/news/hannah-einbinder-a-cannes-pour-la-fondation-kering-216 « Les règles sont fausses, libérez votre esprit »

Au lendemain de la première cannoise de Teenage Sex and Death at Camp Miasma, Hannah Einbinder est apparue sur la scène des Women In Motion Talks avec cette énergie qui la caractérise : à la fois drôle, hypersensible et bien-sûr politique. À 30 ans, la révélation de Hacks vit une ascension fulgurante, mais garde un regard plutôt lucide sur ce qui lui arrive.

« Tout est totalement surréaliste », confie-t-elle en repensant à la montée des marches et à l’ovation reçue la veille. L’actrice raconte avoir marché avec la réalisatrice Jane Schoenbrun en se disant qu’elles vivaient déjà un souvenir : « Dans dix ou vingt ans, on regardera ce moment en arrière. Et le fait d’en avoir conscience m’aide paradoxalement à rester dans le présent. »

Cette conscience du moment, Hannah Einbinder la relie immédiatement à Hacks, la série qui l’a révélée il y a cinq ans. « Cette série m’a donné absolument tout ce que j’ai aujourd’hui », explique-t-elle avec émotion en saluant les créateurs Paul W. Downs, Jen Statsky et Lucia Aniello. Mais ce qu’elle retient surtout de ces années, ce n’est pas seulement le succès : « Le plus important, ce sont les gens, la communauté. Il existe ce mythe selon lequel il faut être tyrannique pour créer du grand art. Ce n’est pas vrai. On peut être chaleureux, bienveillant et créer un environnement d’amour. »

Cette idée de sécurité émotionnelle revient constamment lorsqu’elle évoque Camp Miasma, décrit comme une « ode trans-saphique aux communautés marginalisées ». Le film, inspiré de l’expérience personnelle de Jane Schoenbrun, parle  du désir, la honte et la construction identitaire queer. « Le film parle de cette difficulté à être à l’aise dans son propre corps, de la honte liée au sexe. Et je crois que c’est quelque chose dont on ne parle pas assez. »

Pour Hannah, le tournage a eu valeur de catharsis. Installée au cœur de la nature canadienne, elle raconte de longues discussions avec Schoenbrun « sur des troncs d’arbres », loin du bruit du monde. « Jane est une personne incroyablement sécurisante. Sa vulnérabilité m’a donné envie de me montrer vulnérable à mon tour. »

L’actrice souligne aussi l’importance de l’"intimacy coordinator" sur le plateau, indispensable selon elle pour préserver l’équilibre du récit et des scènes les plus sensibles. « Le moindre détail compte, même le montage peut complètement changer le sens d’une scène. »

Face à Gillian Anderson, autre figure majeure du film, @Hannah Einbinder découvre une discipline de jeu qui la fascine. « Elle a une approche extrêmement méticuleuse. Sa précision physique, son obsession de comprendre chaque motivation… c’était passionnant à observer. »

Mais impossible d’échapper à Hacks. Entre deux réflexions existentielles, Einbinder enchaîne les anecdotes hilarantes sur Jean Smart, sa partenaire à l’écran. « Jean est comme une athlète de haut niveau. Elle peut discuter normalement puis, dès qu’on dit “action”, elle entre instantanément dans le personnage. C’est effarant. » Elle raconte aussi avec jubilation le rare moment où Jean Smart a craqué de rire sur le tournage : « C’était historique. D’habitude, rien ne la fait rire. Là, elle se faisait rire elle-même. »

La relation qu’elle entretient avec Ava Daniels, son personnage dans Hacks, dépasse désormais le simple cadre du jeu. « Je pensais autrefois que les acteurs qui disaient “ce personnage me manque” étaient ridicules. Mais c’est vrai. Ava est réelle pour moi. »

Sa parole politique est assumée. Interrogée sur ses prises de position concernant la Palestine, elle répond sans détour : « Le prix du silence est immense. Ma petite carrière ne pourra jamais avoir plus de valeur qu’une seule vie humaine. »

Une franchise qu’elle revendique comme héritée du stand-up. « Je viens du monde de la comédie. Je dis ce que je pense. » Même réflexion sur l’intelligence artificielle, sujet brûlant à Hollywood : elle salue Hacks pour avoir abordé la question sans simplisme, « sans sous-estimer ni infantiliser le public ».

Et lorsqu’on lui demande ce qui guide désormais ses choix, Hannah Einbinder livre peut-être la phrase la plus révélatrice de cette rencontre cannoise : « Tout autour de nous est une construction. Pourquoi le vert veut dire “avance” ? Les règles sont fausses. Rien n’est réel. Libérez votre esprit. »

Propos reccueillis par Amandine BACCONNIER pour la RADIO DU CINEMA - CANNES . 14/05/2026

]]> Cannes 2026 : Peter Jackson remonte le temps, de Bad Taste à Tintin, en passant par King Kong et Heavenly Creatures Wed, 13 May 2026 21:37:00 +0000 http://www.radioducinema.com/news/cannes-2026-peter-jackson-remonte-le-temps-de-bad-taste-a-tintin-en-passant-par-king-kong-et-heavenly-creatures-215 http://www.radioducinema.com/news/cannes-2026-peter-jackson-remonte-le-temps-de-bad-taste-a-tintin-en-passant-par-king-kong-et-heavenly-creatures-215

Par La Radio du Cinéma — Publié le — Festival de Cannes (Salle Debussy)

Le , dans le cadre des « Rendez-vous with… » du Festival de Cannes, Sir Peter Jackson a déroulé sa trajectoire à voix haute : les week-ends de bricolage gore, le choc fondateur de King Kong, la rigueur documentaire de Heavenly Creatures, l’échelle industrielle du Seigneur des Anneaux… et un retour inattendu du côté de Tintin.

« Je tournais Bad Taste le week-end alors que j’étais photograveur », raconte Peter Jackson dans cette rencontre cannoise.

Ce rendez-vous arrive au lendemain d’un moment de célébration : Peter Jackson a reçu une Palme d’or d’honneur lors de la cérémonie d’ouverture, une distinction que le Festival remet pour saluer une œuvre entière. C'est l’acteur Elijah Wood lui a remis le prix sur scène.

De photograveur à Cannes : le jour où le badge a tout changé

Peter Jackson rappelle que Cannes a jalonné son parcours à deux reprises avant 2026 : une première venue au Marché du Film pour défendre son tout premier long métrage, puis un retour avec des images du premier Seigneur des Anneaux, donc de 1988 (Marché du Film, autour de Bad Taste) à 2002 (présentation d’images de The Fellowship of the Ring).

Dans le récit qu’il livre au public cannois, l’excitation a une texture très concrète : le Palais, le comptoir des accréditations, la promesse des projections, ce sentiment de « rentrer dans le monde » qu’il imaginait depuis la Nouvelle-Zélande. 

Et puis, Cannes a aussi ses petites règles… Peter Jackson se décrit encore comme « le rebelle » qui s’est fait expulser du Palais pour avoir porté un short lors de sa première venue.

Quand l’horreur fait rire : « trop de gore », et soudain… le burlesque

Si la rencontre cannoise embrasse toute sa filmographie, Peter Jackson revient volontiers à ses premiers élans : une horreur qui assume l’excès et bascule dans une mécanique de gag. Il compare ce cinéma à un slapstick arrosé d’hémoglobine, avec l’idée simple qu’à force d’aller « trop loin », l’esprit du spectateur change de registre et laisse la place au rire.

Pour remettre le contexte, Bad Taste est un long métrage produit en 1987 et sorti en salles en France le 24 août 1988 . Sur le tournage, l’énergie « système D » prédomine pour un film fabriqué sur plusieurs années, avec une caméra 16 mm et une bande d’amis.

Le « coup de foudre » King Kong : « huit ou neuf ans », un vendredi soir à la télévision

Un autre moment revient comme une scène primitive : la découverte du King Kong de 1933. Peter Jackson résume le choc avec une candeur intacte : « Cool, un singe géant », puis la révélation — l’envie de faire des films, tout de suite, pour de vrai.

Quand il réalise sa propre version de King Kong (2005), il cherche à renforcer ce qui, à ses yeux, restait esquissé dans le film de 1933 : une relation où l’héroïne ne serait pas seulement une silhouette terrorisée, mais un personnage capable d’un lien plus nuancé avec la créature. Cette intention, il la formule de nouveau à Cannes, sans forcer le trait : il s’agit d’installer une compréhension du monstre, sans lui retirer sa part de danger.

Un détail de cinéphilie pure accompagne ce désir de transmission : Peter Jackson souhaitait confier à Fay Wray (l’interprète d’Ann Darrow en 1933) la dernière réplique de son film mais l’actrice est décédée un mois avant le début du tournage (la comédienne Fay Wray est morte le , à 96 ans)

Heavenly Creatures (Créatures célestes 1994) : enquêter comme des détectives, filmer l’imaginaire comme un indice

À Cannes, Peter Jackson insiste sur la méthode : la documentation, les rencontres, l’enquête patiente. « Nous avons travaillé comme des enquêteurs », et « même les passages fantastiques venaient directement du journal intime de Pauline Parker ». 

Le fait divers, lui, est solidement établi : Honora Parker a été assassinée en 1954 à Christchurch par sa fille Pauline Parker (âgée de 16 ans) et Juliet Hulme (âgée de 15 ans), ref: Victoria University of Wellington.

Et puis il y a l’anecdote qui fait sourire la salle — parce qu’elle dit quelque chose d’un metteur en scène attentif aux débuts des autres. Peter Jackson se souvient d’un caméo dans Heavenly Creatures et lâche : « Je me suis rendu compte que j'avais offert à Kate Winslet son premier baiser à l'écran.».

Le Seigneur des Anneaux : une « anti-quête » tournée à l’échelle d’une expédition

Sur la trilogie du Seigneur des Anneaux, Peter Jackson revient moins à la légende qu’à la mécanique : l’infrastructure d’effets spéciaux déjà en place après The Frighteners, la recherche d’un projet capable de faire travailler les équipes, et ce constat amusé qu’à chaque idée de fantasy, quelqu’un citait Tolkien… jusqu’à la décision d’y aller franchement.

Le médiateur Didier Allouch propose aussi une clé de lecture très simple, presque pédagogique : « Ce n’est pas une quête classique. Ils ne partent pas chercher quelque chose : ils partent pour détruire quelque chose. C’est presque une anti-quête » 

Le tournage, lui, a la dimension d’un voyage au long cours : 266 jours de tournage pour la trilogie, comme un chiffre-mémoire que Peter Jackson dit ne jamais oublier.

Pourquoi Andy Serkis réalise The Hunt for Gollum : « une histoire intérieure », le 15 décembre 2027 en salle.

L’actualité du moment, à Cannes, s’appelle aussi The Lord of the Rings: The Hunt for Gollum. Le film serait une histoire essentiellement intérieure centré sur la psychologie de Gollum, et donc idéalement placé sous la direction d’Andy Serkis, interprète historique du personnage.

Restaurer le réel : de la Grande Guerre aux Beatles, la même obsession du « rythme juste »

Quand Peter Jackson parle de ses documentaires, on entend le même mot d’ordre : rendre la matière humaine lisible, sans la figer dans une vitrine.  They Shall Not Grow Old (2018), est un travail de restauration et de mise en couleur à partir d’archives de la Première Guerre mondiale, avec une intention revendiquée : faire disparaître le « brouillard du temps » qui transforme les soldats en silhouettes lointaines.

Cette approche trouve un écho direct dans The Beatles: Get Back (2021). La série s’appuie sur « plus de 60 heures » de séquences tournées en janvier 1969 et « plus de 150 heures » d’audio, le tout restauré. Peter Jackson raconte, à Cannes, que ces heures d’archives contredisaient l’image d’une période plombée d'un groupe en rupture: il y voit aussi du jeu, de la complicité, une joie de travail que la mémoire collective avait perdue.

Et maintenant, Tintin : « j’écris dans la chambre d’hôtel »

La surprise la plus nette de la rencontre, c’est peut-être elle : Peter Jackson confirme travailler à un nouveau film Tintin. Steven Spielberg réalise le premier, Peter Jackson réalise le suivant. « en 15 ans, je n'ai pas fait le mien », dit-il.

Peter Jackson explique qu’il écrit à Cannes, « dans la chambre d’hôtel », et qu’il envoie des pages en Nouvelle-Zélande. Il précise aussi ne pas vouloir révéler quel album d’Hergé sert de base, tout en suggérant une continuité avec la fin du film de 2011.

Ce qu’il faut retenir, côté spectateurs : des portes d’entrée plutôt que des étiquettes

Au fil de la rencontre, une ligne se dessine sans slogan : Peter Jackson ne parle pas « genres » comme on range des dossiers, mais comme des outils. Le gore peut servir la comédie. La fantasy peut encaisser des peurs très réelles. Le documentaire peut redevenir une expérience de cinéma, à condition de respecter la matière et de poser les bonnes questions techniques.

]]> Diane Kruger et Iris Knobloch alertent sur les dérives de l’IA dans le cinéma Wed, 13 May 2026 21:35:00 +0000 http://www.radioducinema.com/news/diane-kruger-et-iris-knobloch-alertent-sur-les-derives-de-l-ia-dans-le-cinema-214 http://www.radioducinema.com/news/diane-kruger-et-iris-knobloch-alertent-sur-les-derives-de-l-ia-dans-le-cinema-214 Cannes 2026 : à la plage BMW, le cinéma face au défi de l’intelligence artificielle

Sur la Plage des Palmes, en marge du Festival de Cannes, BMW Group réunissait ce mercredi plusieurs grandes voix du cinéma autour d’un thème devenu incontournable : The Human Lens – Le cinéma à l’ère de la révolution technologique.

Pendant près de deux heures, la présidente du Festival Iris Knobloch, l’actrice Diane Kruger, la réalisatrice Mehret Mandefro et Thomas Girst, directeur mondial de la culture chez BMW Group, ont débattu de la place grandissante de l’intelligence artificielle dans la création cinématographique.

Entre fascination technologique et inquiétudes très concrètes, un constat s’est imposé : l’IA transforme déjà profondément le cinéma, mais personne ne veut voir disparaître l’humain derrière les machines.

« Sans émotion humaine, l’IA ne peut pas produire la même chose »

Diane Kruger a livré l’une des interventions les plus marquantes de cette conférence. L’actrice a raconté avoir récemment découvert le travail d’un jeune réalisateur utilisant l’intelligence artificielle pour tester rapidement des décors, des ambiances ou des émotions visuelles.

Mais selon elle, ce qui avait réellement touché le public présent ce jour-là n’était pas la technologie elle-même :

« Sans émotion humaine, sans expérience humaine, je ne pense pas que l’IA puisse produire le même résultat. »

Pour la comédienne, l’IA représente avant tout un formidable outil démocratique capable d’ouvrir des portes à de jeunes cinéastes ou à des pays disposant de moins de moyens financiers.

Un enthousiasme partagé par Mehret Mandefro, qui travaille régulièrement avec de jeunes créateurs sur le continent africain :

« L’IA peut aider les artistes à explorer leur propre voix. Les histoires vivent dans nos émotions, dans nos souvenirs, dans nos expériences. »

Selon elle, la technologie ne doit pas remplacer l’instinct humain mais au contraire aider les auteurs à mieux accéder à leur propre imaginaire.

Le grand sujet : protéger les artistes

Très vite pourtant, la discussion a glissé vers les zones d’ombre de cette révolution technologique.

Clonage numérique, reproduction de voix, deepfakes, acteurs scannés puis réutilisés sans rémunération… les intervenants ont multiplié les exemples de dérives possibles.

Diane Kruger s’est montrée particulièrement directe :

« Les studios possèdent déjà des millions de scans de figurants qu’ils peuvent réutiliser gratuitement. Tout cela doit être réglementé. »

L’actrice a également évoqué les inquiétudes liées aux nouvelles générations confrontées à un flux constant d’images générées artificiellement :

« Ma fille devra savoir distinguer ce qui est réel de ce qui ne l’est pas. »

Même tonalité du côté d’Iris Knobloch, qui a insisté sur l’urgence d’encadrer l’usage de l’IA :

« Nous devons trouver une IA responsable. »

La présidente du Festival de Cannes a plaidé pour une obligation claire d’identifier les contenus générés par intelligence artificielle sur internet :

« Le public doit savoir ce qu’il regarde : est-ce réel ? Est-ce généré par IA ? »

Une technologie qui divise mais intrigue

Tous les participants s’accordent sur un point : l’IA est déjà là, impossible de revenir en arrière.

Mais la conférence a montré à quel point le sujet reste complexe pour le monde du cinéma. Si certains usages techniques séduisent — rajeunissement numérique, effets spéciaux plus accessibles, outils d’écriture ou de prévisualisation — la peur d’une standardisation ou d’une dépossession artistique demeure omniprésente.

Diane Kruger a résumé ce paradoxe  :

« C’est à la fois une promesse et une menace. »

Cannes veut rester le sanctuaire de la création humaine

Face à ces mutations, Iris Knobloch a rappelé la mission que le Festival entend préserver :

« Le seul principe qui guide notre sélection est l’excellence artistique. »

Avec près de 2900 films soumis cette année provenant de 54 pays, la présidente voit dans Cannes la preuve que la créativité humaine reste infinie.

Une idée qui a traversé toute cette rencontre : plus la technologie progresse, plus le besoin d’émotions authentiques semble devenir essentiel.

Et finalement, derrière les débats sur l’IA, une conviction commune est apparue sur cette plage cannoise : le cinéma reste avant tout une affaire de regard humain.

Propos reccueillis par Amandine BACCONNIER et Patrice CAILLET pour la RADIO DU CINEMA - 13.05.2026

]]> La Vie d’une femme : à savoir sur le film de Charline Bourgeois-Tacquet Wed, 13 May 2026 04:00:00 +0000 http://www.radioducinema.com/news/la-vie-d-une-femme-a-savoir-sur-le-film-de-charline-bourgeois-tacquet-210 http://www.radioducinema.com/news/la-vie-d-une-femme-a-savoir-sur-le-film-de-charline-bourgeois-tacquet-210 La Vie d’une femme met un visage sur une question simple et vertigineuse : qu’est-ce qu’il reste de soi quand la vie est remplie “jusqu’au bord” ? En compétition au 79e Festival de Cannes, le film de Charline Bourgeois-Tacquet suit une chirurgienne au rythme impossible, dont la trajectoire se dérègle à l’arrivée d’une romancière venue observer son service.

Photo officielle de La Vie d’une femme (Charline Bourgeois-Tacquet) – Festival de Cannes 2026
Photo officielle publiée par le Festival de Cannes – © Les Films Pelléas.

Synopsis : une chirurgienne, un service, et l’inattendu qui frappe à la porte

Gabrielle, 55 ans, se consacre corps et âme à son métier. Chirurgienne et cheffe de service dans un hôpital public, elle court, se démultiplie, et porte le poids des responsabilités. Sa vie privée tient dans les interstices : un mari qui l’aime, et une mère dont elle s’occupe.

Quand une romancière vient passer quelques semaines dans son service pour un livre, l’équilibre de Gabrielle commence à vaciller. Dans le quotidien qu’elle s’est construit, y a-t-il encore de la place pour l’imprévu ?

Le casting

  • Léa Drucker : Gabrielle
  • Mélanie Thierry : Frida
  • Charles Berling : Henri
  • Laurent Capelluto : Kamyar
  • Marie-Christine Barrault : Arlette

Générique :

Réalisation, scénario et dialogues : Charline Bourgeois-Tacquet.

Image : Noé Bach. Décors : Pascale Consigny. Montage : Clément Pinteaux.

Son : Fabrice Osinski, Valérie Le Docte, Luc Thomas.

Production, distribution, ventes internationales

Le film est produit par Les Films Pelléas, avec une coproduction minoritaire belge indiquée (Versus Production)

La distribution France est assurée par Pyramide, et les ventes internationales par Be For Films.

Tournage : où le film a pris forme

Le film a été tourné en partie en région lyonnaise (notamment à Lyon et Villeurbanne), avec des prises de vues également mentionnées dans l’Ain et en Savoie.

Pourquoi ça compte

On peut donner quelques repères de spectateur : La Vie d’une femme s’annonce comme un récit de travail et de responsabilité, mais aussi de récit dans le récit (une romancière observe pour écrire). Ce dispositif ouvre une question très concrète : qui regarde qui, et qu’est-ce que cette présence change à la manière d’habiter sa propre vie ?

Pour celles et ceux qui suivent Charline Bourgeois-Tacquet depuis Les Amours d’Anaïs, c’est aussi un nouveau chapitre, cette fois dans un registre plus frontalement ancré dans le quotidien d’une femme adulte, avec l’hôpital public comme décor et comme tempo.

  • Festival de Cannes 2026
  • Compétition
  • Charline Bourgeois-Tacquet
  • Léa Drucker
  • Drame
  • Pyramide

Infos pratiques

  • Titre : La Vie d’une femme
  • Titre international : A Woman’s Life
  • Réalisation : Charline Bourgeois-Tacquet
  • Sélection : Festival de Cannes 2026 – en compétition
  • Durée : 98 minutes (1h38)
  • Pays : France, Belgique
  • Projections Cannes (Palais des Festivals, Grand Théâtre Lumière) :
    • Mercredi 13 mai 2026 : 18h30
    • Jeudi 14 mai 2026 : 9h30
  • Reprise de la sélection (Le Cineum) :
    • Jeudi 14 mai : 14h15 (Le Cineum IMAX)
    • Vendredi 15 mai : 8h45 (Le Cineum Aurore)
    • Samedi 16 mai : 18h15 (Le Cineum Screen X)
  • Sortie France : 9 septembre 2026
  • Distributeur France : Pyramide Distribution
  • Ventes internationales : Be For Films
  • Plateformes : aucune information confirmée à ce stade

Sources

]]> La Vénus électrique : Pierre Salvadori fait tourner le manège des cœurs trompés Tue, 12 May 2026 22:15:00 +0000 http://www.radioducinema.com/news/la-venus-electrique-pierre-salvadori-fait-tourner-le-manege-des-coeurs-trompes-213 http://www.radioducinema.com/news/la-venus-electrique-pierre-salvadori-fait-tourner-le-manege-des-coeurs-trompes-213

Critique cinéma · Sans spoiler

Dans La Vénus électrique, Pierre Salvadori installe l’amour sur une scène de foire, une table spirite, un atelier de peintre et les coulisses du désir. Le film avance comme une comédie de l’illusion : chacun croit manipuler l’autre, mais ce sont les sentiments qui finissent par mener la danse.

Anaïs Demoustier dans La Vénus électrique de Pierre Salvadori
La Vénus électrique de Pierre Salvadori — Photo © Guy Ferrandis / Festival de Cannes.

Infos essentielles

  • Titre original : La Vénus électrique
  • Réalisation : Pierre Salvadori
  • Scénario : Pierre Salvadori, Benjamin Charbit, Benoît Graffin
  • Casting : Anaïs Demoustier, Pio Marmaï, Gilles Lellouche, Vimala Pons, Gustave Kervern, Madeleine Baudot
  • Musique : Camille Bazbaz
  • Image : Julien Poupard
  • Distribution France : Diaphana Distribution
  • Sortie française : 12 mai 2026
  • Festival : Film d’ouverture du 79e Festival de Cannes, hors compétition

Un film sous quel projecteur ?

Paris, 1928. Une époque où les fantômes ont bonne presse, où l’électricité promet des miracles, et où une roulotte peut devenir le plus étrange des confessionnaux. La Vénus électrique place son récit dans ce moment où la modernité avance en costume d’époque : la foire vend du frisson, l’art cherche son souffle, et l’amour entre par une porte qui n’était pas prévue pour lui.

Salvadori retrouve ici un terrain qu’il connaît bien : celui des personnages qui mentent mal, mais ressentent fort. Le mensonge n’est pas seulement une mécanique de vaudeville ; il devient un abri provisoire, une monnaie d’échange, parfois même un petit moteur de résurrection.

Ce que le film raconte, sans vendre la mèche

Antoine Balestro, peintre endeuillé, ne parvient plus à retrouver son geste depuis la disparition de son épouse. Lorsqu’il tente d’entrer en contact avec elle par l’intermédiaire d’une voyante, il parle en réalité à Suzanne, une jeune foraine glissée là pour une raison beaucoup plus concrète. La séance tourne au malentendu fertile : Suzanne improvise, Antoine écoute, Armand observe.

De cette supercherie naît un théâtre fragile où chacun joue un rôle qui finit par le dépasser. La croyance console, l’imposture inspire, et le sentiment, ce vieux perturbateur, vient compliquer la combine avec une ponctualité presque cruelle.

Personnages et casting

Anaïs Demoustier donne à Suzanne une présence vive, mobile, toujours en train de calculer une issue puis de s’étonner de ce qu’elle ressent. Elle n’est pas seulement la fausse voyante du récit : elle en devient l’œil, l’oreille, parfois même la conscience inquiète.

Face à elle, Pio Marmaï compose un Antoine ralenti par le deuil, mais traversé d’élans soudains, comme si la peinture revenait avant que l’homme n’ose lui-même revenir au monde. Gilles Lellouche, en Armand, apporte une énergie plus terrienne : celle du marchand qui sait que l’émotion peut bouleverser une vie, mais aussi réveiller une carrière.

Vimala Pons et Gustave Kervern élargissent le champ : l’une du côté du trouble et de la présence, l’autre du côté de la foire, de la dette, de la survie. Le film tient dans ce frottement entre grâce et débrouille, entre grands sentiments et petits arrangements.

Dialogues : les mots comme numéros d’équilibriste

Les dialogues jouent sur plusieurs vitesses. La foire parle fort, promet l’extase, vend l’invisible avec l’assurance des bonimenteurs. Les séances spirites, elles, ralentissent tout : respiration, silence, appel, attente. Entre les deux, les scènes intimes avancent par glissements, avec des phrases qui cherchent leur vérité en même temps qu’elles la déguisent.

Le film aime les grands mots — amour, douleur, lumière, inspiration — mais les remet dans des bouches maladroites, nerveuses, parfois drôles. Ce n’est pas le marbre des déclarations : c’est la parole qui trébuche, se reprend, ment un peu, puis touche juste malgré elle.

Mise en scène : l’illusion à vue

Pierre Salvadori installe une comédie comme un tour de magie où le spectateur voit souvent la ficelle, mais regarde tout de même le tour. C’est précisément là que le film trouve son courant : dans cet écart entre ce que l’on sait et ce que les personnages veulent croire. La roulotte, l’atelier, la galerie et la foire deviennent autant de petites scènes où l’on rejoue l’amour, l’art et le deuil sous des éclairages différents.

Le titre résume joliment cette tension : Vénus pour le désir, électrique pour la secousse. L’amour n’y descend pas du ciel ; il crépite, déraille, traverse les corps et menace à tout moment de faire sauter les plombs.

Pour quel public ?

La Vénus électrique peut parler aux spectateurs qui aiment les comédies romanesques à double fond, les films d’époque sans raideur patrimoniale et les récits où l’imposture révèle plus qu’elle ne cache. Ceux qui suivent Pierre Salvadori pour son goût des personnages cabossés, de la mécanique comique et des sentiments mal rangés devraient y retrouver un terrain familier.

Sources

]]> À Cannes, Guillermo Del Toro " Laisse entrer l’amour " Tue, 12 May 2026 21:51:00 +0000 http://www.radioducinema.com/news/a-cannes-guillermo-del-toro-laisse-entrer-l-amour-212 http://www.radioducinema.com/news/a-cannes-guillermo-del-toro-laisse-entrer-l-amour-212 Mardi 12 mai 2025 - il est 14h30 à Cannes.

Dans une salle Debussy comble, l’émotion avait quelque chose de palpable. Vingt ans après la présentation triomphale du Labyrinthe de Pan, le réalisateur mexicain Guillermo del Toro retrouvait le Festival de Cannes pour une projection anniversaire de son chef-d’œuvre restauré en 4K. Et derrière l’hommage au film, c’est un véritable manifeste pour le cinéma et l’art qu’il est venu livrer à un public debout.
La séance s’ouvre sous le signe de la mémoire. Les organisateurs de Cannes Classics rendent hommage au critique italien Aldo Tassone, grand spécialiste de Fellini, ainsi qu’au légendaire chef décorateur Dean Tavoularis, collaborateur historique de Francis Ford Coppola. Deux figures du cinéma applaudies longuement par le public.
Puis vint l’entrée de Monsieur Guillermo Del Toro. Accueilli avec ferveur, le cinéaste est revenu sur la genèse chaotique du Labyrinthe de Pan, film désormais consacré comme l’un des grands contes modernes du cinéma fantastique.
" Faire ce film a été incroyablement difficile ", confie-t-il d’emblée. " Personne ne voulait le financer. Tout ce qui pouvait mal tourner tournait mal. "
À ses côtés, l’actrice Ivana Baquero, révélation du film en 2006, rappelait le temps écoulé. Guillermo, lui, plaisante sur les années passées — "je faisais cinquante kilos de moins " — mais son discours prend rapidement une tonalité plus grave.
Le réalisateur évoque alors le souvenir de la projection cannoise de 2006 et cette ovation de vingt-trois minutes devenue légendaire. Une expérience presque déstabilisante pour cet artiste qui avoue avoir toujours eu du mal avec "adoration ". Ce soir-là, raconte-t-il, son ami Alfonso Cuarón lui aurait soufflé une phrase restée gravée : " Laisse entrer l’amour. "

Vingt ans plus tard, le cinéaste estime que Le Labyrinthe de Pan résonne plus fortement encore avec notre époque.
"On nous dit aujourd’hui que résister est inutile. Que l’art peut être fabriqué par une application. Que tout est perdu face à des forces immenses. Mais je crois exactement le contraire. "
Dans un silence absolu, il compare alors l’époque actuelle au combat de son héroïne Ofélia : une enfant qui refuse de céder face à la brutalité du monde adulte.
"Nous pouvons laisser une trace. Opposer notre destin au leur. Notre force à leur force. Il reste de l’espoir."

Puis, dans une phrase qui déclenche immédiatement les applaudissements, il lance :
"La dernière chose que nous devons faire, c’est céder à la peur. Ne jamais, jamais, jamais céder à la peur. "

Le cinéaste explique aussi pourquoi il tenait tant à cette restauration 4K du film, qui sortira à nouveau en salles à l’automne. Au-delà de l’anniversaire, il dit vouloir continuer à dialoguer avec les jeunes générations.
"Les gens qui aimaient Hellboy ont maintenant quarante ans. Mais ceux qui découvrent Le Labyrinthe de Pan ont toujours vingt ans. Le film parle de ce moment où le monde vous dit que vous avez tort, alors qu’au fond de vous, vous savez que vous avez raison. "

À Cannes, ce soir, Guillermo del Toro n’est pas seulement venu présenter une copie restaurée. Il est venu rappeler que le cinéma demeure un acte de foi. Un refuge contre le cynisme. Et parfois même, une forme de résistance.

Propos reccueillis par Amandine BACCONNIER pour LA RADIO DU CINEMA

]]> La Vénus électrique : film d’ouverture de Cannes 2026 Tue, 12 May 2026 04:00:00 +0000 http://www.radioducinema.com/news/la-venus-electrique-film-d-ouverture-de-cannes-2026-209 http://www.radioducinema.com/news/la-venus-electrique-film-d-ouverture-de-cannes-2026-209

La Vénus électrique arrive avec un double coup de projecteur : film d’ouverture du 79e Festival de Cannes (hors compétition) et sortie en salles annoncée le mardi 12 mai 2026. Pierre Salvadori place son récit dans le Paris de 1928, dans des ambiances d'ateliers de peinture, roulottes de foire et séances de spiritisme, avec Pio Marmaï, Anaïs Demoustier et Gilles Lellouche.

Photo officielle de La Vénus électrique (Pierre Salvadori) – Festival de Cannes
Photo officielle (Médiathèque) – © Les Films Pelléas / Festival de Cannes.

Synopsis : Paris 1928, une voyante improvisée

Antoine Balestro, peintre en vogue, n’arrive plus à travailler depuis la mort de son épouse. Un soir, il tente de la contacter via une voyante… mais tombe sans le savoir sur Suzanne, une foraine venue d’abord pour voler de quoi manger. Douée pour l’imposture, elle enchaîne bientôt les fausses séances, encouragée par Armand, le galeriste d’Antoine. Et quand l’inspiration revient, les sentiments compliquent la mécanique.

Casting : qui joue qui

  • Pio Marmaï : Antoine Balestro
  • Anaïs Demoustier : Suzanne
  • Gilles Lellouche : Armand
  • Vimala Pons : Irène
  • Gustave Kervern : Titus
  • Madeleine Baudot ..

Générique : scénario, image, musique, production

Réalisation : Pierre Salvadori.

Scénario / dialogues : Pierre Salvadori, Benjamin Charbit, Benoît Graffin (idée originale : Rebecca Zlotowski et Robin Campillo).

Image : Julien Poupard. Décors : Angelo Zamparutti. Montage : Anne-Sophie Bion.

Musique : Camille Bazbaz. Son : François Maurel, Valérie Le Docte, Luc Thomas.

Production : Les Films Pelléas. Coproductions : Versus, France 2 Cinéma, Pio & Co, Tovo Films, RTBF, Be tv, Orange, Proximus. Distribution France : Diaphana Distribution.

Genèse : une idée née d’un film… dans le film

Pierre Salvadori raconte que l’étincelle vient de Planétarium (Rebecca Zlotowski, 2016), où il interprétait un cinéaste en préparation d'un drame teinté d’occultisme. L’idée résumée à l’époque (fausse voyante, peintre endeuillé, amour qui déplace les lignes) devient la base de La Vénus électrique, développée ensuite sur plusieurs années d’écriture.

  • Festival de Cannes 2026
  • Film d’ouverture
  • Pierre Salvadori
  • Comédie romantique
  • Diaphana
  • Les Films Pelléas
  • Paris (années 1920)

Infos pratiques

  • Titre : La Vénus électrique (titre international Festival : The Electric Kiss)
  • Réalisation : Pierre Salvadori
  • Genre : comédie romantique
  • Durée : 2h02 (122 minutes)
  • Pays : France, Belgique
  • Festival : ouverture du 79e Festival de Cannes (hors compétition), cérémonie le mardi 12 mai 2026, Grand Théâtre Lumière
  • Diffusion cérémonie : France Télévisions et Brut (annonce Festival)
  • Sortie France : mardi 12 mai 2026
  • Distribution France : Diaphana Distribution
  • Bon à savoir : certaines salles proposent une séance-événement incluant la cérémonie + le film (durée “événement” annoncée 3h02 sur des pages de programmation)

Sources

]]> Caméra d’or à Cannes 2026 : Monia Chokri préside le jury des premiers films Sun, 10 May 2026 19:46:00 +0000 http://www.radioducinema.com/news/camera-d-or-a-cannes-2026-monia-chokri-preside-le-jury-des-premiers-films-211 http://www.radioducinema.com/news/camera-d-or-a-cannes-2026-monia-chokri-preside-le-jury-des-premiers-films-211

Monia Chokri, annoncée présidente du jury de la Caméra d’or à Cannes 2026
Monia Chokri (photo : © Vincent Storaro / Festival de Cannes).

La Caméra d’or n’est pas une section “à part” : c’est le prix qui distingue le meilleur premier long métrage présenté à Cannes. Pour l’édition 2026 (79e Festival de Cannes, du 12 au 23 mai), le Festival annonce que Monia Chokri présidera le jury. Le film lauréat sera révélé samedi 23 mai, lors de la cérémonie de clôture.

À Cannes, il y a la montée des marches… et il y a le moment où un nom, parfois encore discret, se met à compter. C’est exactement le terrain de la Caméra d’or : repérer un premier long métrage dont la mise en scène annonce la suite.

Le Festival le rappelle clairement : la Caméra d’or n’est pas une compétition autonome, mais un prix. Tous les premiers longs métrages sélectionnés dans les sections concernées peuvent y prétendre, qu’ils viennent de la Sélection officielle, de la Semaine de la Critique ou de la Quinzaine des Cinéastes.

Caméra d’or : à quoi correspond exactement ce prix ?

La Caméra d’or récompense un “premier film” : selon le règlement du Festival, il s’agit d’un premier long métrage destiné à une exploitation en salles, d’au moins 60 minutes, signé par un cinéaste qui n’a pas déjà réalisé un long métrage sorti en salles. Les films de fin d’études ou un téléfilm antérieur n’empêchent pas, en principe, de concourir avec un premier long métrage.

Un détail très concret pour les festivaliers et les pros : les sections sont invitées à signaler clairement les films éligibles (avec un signe typographique / le logo Caméra d’or dans les programmes), afin de faciliter le travail du jury.

Pourquoi la Caméra d’or compte dans l’écosystème Cannes

Historiquement, le Festival présente la Caméra d’or comme un tremplin : créée en 1978, elle vise à encourager l’émergence de nouveaux réalisateurs. Le site “Cinéma de Demain” du Festival cite, parmi les cinéastes révélés par le prix au fil des années, des noms comme Jim Jarmusch, Jafar Panahi ou Steve McQueen.

Concrètement, la Caméra d’or sert aussi de boussole aux spectateurs : elle invite à regarder autrement la sélection, en cherchant le “premier geste”, celui qui peut transformer une découverte de festival en vrai début de filmographie.

Focus 2026 : Monia Chokri à la présidence du jury

L’actrice, réalisatrice et scénariste québécoise Monia Chokri présidera le jury de la Caméra d’or en 2026. Elle évoque le premier film comme un moment de bascule, “un vertige” où l’artiste se révèle.

Le choix a une logique de parcours : Monia Chokri a été remarquée à Cannes comme actrice (notamment dans Les Amours imaginaires et Laurence Anyways de Xavier Dolan), et comme cinéaste avec La Femme de mon frère, distingué à Un Certain Regard en 2019.

Son film Simple comme Sylvain (Un Certain Regard 2023) a ensuite remporté le César du meilleur film étranger (palmarès officiel 2024). Et le Festival indique aussi qu’elle figure au générique de Si tu penses bien, le film de Géraldine Nakache programmé à Cannes Première en 2026.

Le jury Caméra d’or 2026

Autour de Monia Chokri, quatre jurés issus des associations partenaires de la Caméra d’or :

  • Michel Benjamin (AFC), directeur de la photographie
  • Cédric Coppola (SFCC), critique de cinéma
  • Marine Francen (SRF), réalisatrice et scénariste
  • Christophe Massie (FICAM), directeur général délégué chez Eclair by Netgem

Le principe reste le même : un jury dédié regarde les premiers films identifiés dans les différentes sélections éligibles, puis choisit un seul lauréat, annoncé lors de la clôture.

Pour suivre le Festival au jour le jour, vous pouvez aussi consulter notre guide dates et repères Cannes 2026, et notre point sur la Sélection officielle 2026 (suivi)

Infos pratiques

  • Événement : Festival de Cannes (79e édition)
  • Dates : du 12 au 23 mai 2026
  • Lieu : Cannes, Palais des Festivals et des Congrès
  • Caméra d’or : prix remis lors de la cérémonie de clôture, samedi 23 mai 2026
  • Films éligibles : premiers longs métrages présentés dans la Sélection officielle, la Semaine de la Critique et la Quinzaine des Cinéastes
  • Durée du Festival : 12 jours
  • Accès : gare de Cannes (TER/TGV via correspondances), aéroport Nice Côte d’Azur puis navettes/bus/taxi

  • Festival de Cannes
  • Caméra d’Or
  • Monia Chokri
  • Premiers films
  • Semaine de la Critique
  • Quinzaine des Cinéastes
  • Sélection officielle
  • Palmarès

Sources

]]> Cannes 2026 : le Cinéma de la Plage aligne 11 séances à 21h30, de Top Gun à l’avant-première mondiale de Michel Leclerc Thu, 07 May 2026 12:47:00 +0000 http://www.radioducinema.com/news/cannes-2026-le-cinema-de-la-plage-aligne-11-seances-a-21h30-de-top-gun-a-l-avant-premiere-mondiale-de-michel-leclerc-208 http://www.radioducinema.com/news/cannes-2026-le-cinema-de-la-plage-aligne-11-seances-a-21h30-de-top-gun-a-l-avant-premiere-mondiale-de-michel-leclerc-208

Publié le 7 mai 2026 • Par Rédaction La Radio du Cinéma

Chaque soir, la Croisette baisse la lumière… et la plage Macé allume son écran. Pendant le Festival de Cannes (79e édition, du 12 au 23 mai 2026), le Cinéma de la Plage propose 11 projections à 21h30, en accès libre (dans la limite des places). Au centre du spot : une avant-première mondiale, Les Caprices de l’enfant roi, nouveau film de Michel Leclerc.

Image du film Les Caprices de l’enfant roi (2026)
Les Caprices de l’enfant roi (2026) • Crédit photo : Michael Crotto / MANDARIN & CIE / ELEPHANT STORY / ESPACE PRODUCTION

On connaît la scène : le sable, les transats, la mer en fond sonore… et ce silence collectif qui tombe juste avant la première image. À Cannes, ce rituel populaire reprend ses droits sur la plage Macé, face à l’hôtel Majestic, avec un programme qui joue la carte du grand écart des plaisirs cinéphiles sans perdre le fil : action, satire, mémoire, Palmes d’or, et retours très attendus.

Une avant-première mondiale : Michel Leclerc invite Molière sur la Croisette

Temps fort annoncé : Les Caprices de l’enfant roi, le nouveau film de Michel Leclerc, est projeté en avant-première mondiale le vendredi 15 mai. Le Festival annonce la présence de l’équipe, dont Artus, Doria Tillier, Julia Piaton et Franck Dubosc.

Côté récit, on part en 1651 : un jeune Louis, pas encore XIV, est exfiltré pendant la Fronde et se retrouve caché grâce à D’Artagnan, Cyrano et une troupe de théâtre menée par Madeleine Béjart et Molière. Une promesse de film d’époque qui met en avant les coulisses, les masques, et l’art de jouer vrai. Sortie en salles annoncée le 24 juin 2026.

À noter : le film est aussi programmé en Séance Spéciale en salle Agnès Varda le jeudi 14 mai à 21h00 

Les Deux Palmes d’or 1966 sur le sable 

Un homme et une femme de Claude Lelouch (séance du samedi 16 mai, avec le réalisateur annoncé), et Signore & Signori de Pietro Germi (jeudi 21 mai).

Si vous venez pour les refrains du cinéma, difficile de ne pas penser au « chabadabada » qui flotte encore dans l’air quand Lelouch s’invite sur une plage. Et si vous aimez les satires qui avancent avec le sourire, Germi a de quoi réveiller la soirée.

Le programme complet, soir par soir 

  • Mercredi 13 mai • Top Gun — Tony Scott (1986, 1h50, États-Unis). Séance annoncée avec Frédéric Moget (Paramount Pictures France) et Charles H. Rivkin (Motion Picture Association).
  • Jeudi 14 mai • Shinkansen Daibakuha (The Bullet Train / Super Express 109) — Junya Sato (1975, 2h32, Japon). Restauration issue d’un scan 4K . Présence annoncée : Kota Saka (Toei Company).
  • Vendredi 15 mai • Les Caprices de l’enfant roi — Michel Leclerc (2026, 1h58, France). Avant-première mondiale, équipe annoncée sur place.
  • Samedi 16 mai • Un homme et une femme — Claude Lelouch (1965, 1h42, France). Nouvelle restauration 4K annoncée. Présence annoncée : Claude Lelouch.
  • Dimanche 17 mai • All the President’s Men (Les Hommes du président) — Alan J. Pakula (1976, 2h18, États-Unis). Restauration annoncée à partir du négatif original, numérisée en 8K. Présence annoncée : l’équipe de Park Circus.
  • Lundi 18 mai • Viva Maria ! — Louis Malle (1965, 2h02, France / Italie). Restauration 2K annoncée. Présence annoncée : Nicolas Seydoux (Gaumont). Dévoilement d’une plaque au nom de Brigitte Bardot sur la plage.
  • Mardi 19 mai • Land and Freedom — Ken Loach (1995, 1h49, Royaume-Uni / Espagne / Allemagne). Version 4K restaurée annoncée. Présence annoncée : Ken Loach.
  • Mercredi 20 mai • Cría cuervos — Carlos Saura (1976, 1h45, Espagne). Restauration 4K annoncée. Présence annoncée : la chanteuse Jeannette (interprète de « Porque te vas » dans la bande originale), ainsi qu’Antonio et Anne Saura.
  • Jeudi 21 mai • Signore & Signori (Ces Messieurs Dames) — Pietro Germi (1966, 2h00, Italie). Projection annoncée avec l’aimable autorisation de la Cineteca di Bologna et Orium SA.
  • Vendredi 22 mai • Je hais les acteurs — Gérard Krawczyk (1986, 1h30, France). Restauration 2K annoncée. Présence annoncée : Gérard Krawczyk.
  • Samedi 23 mai • Mon oncle — Jacques Tati (1958, 1h56, France). Restauration et numérisation 4K annoncées. Présences annoncées : Macha Makeïeff, Jérôme Deschamps et Juliette Hochart (Studiocanal).

Un programme qui donne des repères

Le Cinéma de la Plage, c’est souvent la meilleure porte d’entrée pour attraper le cinéma au vol. Ici, pas besoin d’avoir tout vu : le programme fait office de boussole. Top Gun, c’est l’école du grand spectacle et le refrain que tout le monde connaît (« I feel the need… »). All the President’s Men, c’est la mécanique du journalisme et du pouvoir, à savourer comme un thriller de salle… sous les étoiles.

Les films restaurés, eux, racontent une autre histoire : comment un classique revient à la vie, image et son remis d’aplomb pour une projection d’aujourd’hui. Et quand Ken Loach est annoncé présent, la soirée prend la couleur d’un rendez-vous : un cinéma qui parle du collectif, avec un cinéaste devant l’écran, pas derrière un communiqué.

Enfin, l’hommage à Brigitte Bardot se joue sur un symbole très concret : la plage Macé, associée à une plaque dévoilée au nom de l’actrice, dans le cadre d’une projection co-organisée avec la Ville de Cannes.

Warm up : TwinSelecter, la bande-son avant la séance

Le Festival annonce un « warm up » chaque soir assuré par le duo TwinSelecter : rock, pop, soul, funk, punk, mambo, électro, jazz, disco, hiphop… et bandes originales. De quoi arriver à 21h30 déjà dans le tempo.

Infos pratiques

  • Dates : du mercredi 13 mai 2026 au samedi 23 mai 2026.
  • Horaire : 21h30 (chaque soir).
  • Lieu : Plage Macé, boulevard de la Croisette, 06400 Cannes (face à l’hôtel Majestic).
  • Accès : libre, dans la limite des places disponibles.
  • Conseil pratique : une couche chaude et de quoi s’asseoir changent la séance quand la brise se lève.

Cinéma de la Plage 2026 • Festival de Cannes 2026 • plage Macé • Cannes • projections gratuites • Top Gun • Ken Loach • Michel Leclerc • Brigitte Bardot • Mon oncle

  • Festival de Cannes 2026
  • Cinéma de la Plage
  • Top Gun
  • Michel Leclerc
  • Ken Loach
  • Brigitte Bardot
  • Claude Lelouch
  • Jacques Tati

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]]> Cannes 2026 : the Fast and the Furious en Séance de Minuit avec Vin Diesel, pour célébrer 25 ans de Fast & Furious Wed, 06 May 2026 13:19:00 +0000 http://www.radioducinema.com/news/cannes-2026-the-fast-and-the-furious-en-seance-de-minuit-avec-vin-diesel-pour-celebrer-25-ans-de-fast-furious-207 http://www.radioducinema.com/news/cannes-2026-the-fast-and-the-furious-en-seance-de-minuit-avec-vin-diesel-pour-celebrer-25-ans-de-fast-furious-207 Publié le six mai 2026 • Par Rédaction La Radio du Cinéma

Le Festival de Cannes va crier : moteur ! : the Fast and the Furious (2001) arrive au Grand Théâtre Lumière pour une Séance de Minuit, le mercredi 13 mai à 23h45. Le Festival annonce la présence de Vin Diesel, Jordana Brewster, du producteur Neal H. Moritz et de Meadow Walker.

Vin Diesel dans the Fast and the Furious (2001), image de la communication du Festival de Cannes 2026
Image : the Fast and the Furious (2001) • Crédit : Universal Pictures / Festival de Cannes

À Cannes, la nuit a ses rites : un grand écran, une salle à l'unisson, et parfois un film qui revient comme un refrain. Cette fois, ce sont les pneus qui sifflent dans l’imaginaire collectif. Vingt-cinq ans après sa sortie, the Fast and the Furious se refait une beauté cannoise, dans la section Séance de Minuit, là où le Festival aime accueillir les œuvres-événements et les objets pop qui fédèrent.

Une Séance de Minuit qui remet le compteur à zéro

Sorti en salles aux États-Unis le 22 juin 2001, le film de Rob Cohen a lancé un phénomène mondial à partir d’un point de départ simple : un policier infiltré, des courses nocturnes à Los Angeles, et une ligne de loyauté qui se brouille au fil des kilomètres.

Les fans y retrouvent le socle : Vin Diesel en Dominic Toretto, Paul Walker en Brian O’Conner, ainsi que Michelle Rodriguez et Jordana Brewster. Pour un public néophyte, c’est une porte d’entrée idéale : tout est déjà là, la vitesse, la fraternité, et ce goût du « quart de mile » (drag racing) qui a fini par devenir une devise.

Ce que Cannes veut célébrer

Le Festival rappelle l’ampleur industrielle de Fast & Furious : 11 films et plus de 7 milliards de dollars de recettes mondiales. 

Si vous découvrez the Fast and the Furious aujourd’hui, imaginez un film d’action qui joue la carte du thriller, avec une enquête sous couverture et un amour des carrosseries qui sert de langage commun. Le plaisir vient autant de l’énergie collective que de la chorégraphie mécanique : l’appel des néons, les préparations de voitures, le frisson de la ligne de départ.

La bande-son aussi fait partie de l’ADN : le score du film est signé par BT, et le tout respire l’époque, comme un générique qui démarre au tempo d’un blockbuster du début des années 2000. À la Radio du Cinéma, on le dit souvent : parfois, un film se comprend par sa pulsation autant que par son intrigue.

À garder en tête avant la projection :

  • Ce premier film tient autant du polar que du film de courses.
  • On y voit naître le thème central de la saga : la « famille » comme moteur narratif.

Après la Croisette : Fast Forever est déjà daté

Autre information confirmée par Universal : le prochain chapitre, intitulé Fast Forever, est annoncé au 17 mars 2028.

Cannes joue donc sur deux temps : la madeleine de 2001 sur grand écran, puis l’horizon 2028 pour la suite. 

À lire et écouter sur La Radio du Cinéma

Pour suivre Cannes au jour le jour, voici trois pages utiles sur notre site : notre guide agenda Cannes 2026, la sélection officielle complète, et notre point sur les courts métrages et La Cinef.

Infos pratiques

  • Événement : Séance de Minuit – projection de the Fast and the Furious (2001)
  • Date et heure : mercredi 13 mai 2026, 23h45
  • Lieu : Grand Théâtre Lumière, Palais des Festivals (Cannes)
  • Durée : 1h46 
  • Festival : 79e édition, du 12 au 23 mai 2026 
  • Invités annoncés : Vin Diesel, Jordana Brewster, Neal H. Moritz, Meadow Walker
  • À venir : Fast Forever, sortie annoncée le 17 mars 2028 

]]> Game of Thrones : une Library Case collector 4K UHD pour les 15 ans, en précommande pour novembre 2026 Wed, 06 May 2026 08:56:00 +0000 http://www.radioducinema.com/news/game-of-thrones-une-library-case-collector-4k-uhd-pour-les-15-ans-en-precommande-pour-novembre-2026-206 http://www.radioducinema.com/news/game-of-thrones-une-library-case-collector-4k-uhd-pour-les-15-ans-en-precommande-pour-novembre-2026-206

Publié le • Par La rédaction de La Radio du Cinéma

L’hiver revient, et cette fois il arrive en Ultra Haute Définition. Warner Bros. Home Entertainment prépare une Library Case numérotée qui regroupe l’intégrale de Game of Thrones en 4K UHD, avec steelbooks et plus de quinze heures de bonus. Dates, prix, et ce que racontent les annonces américaines : voici le guide pour les collectionneurs et les fans qui ont encore le thème de Ramin Djawadi dans l’oreille.

Le coffret s’adresse à celles et ceux qui aiment tenir Westeros au creux des mains, pas seulement sur un écran. L’idée est simple : réunir les 73 épisodes de la série (diffusée pour la première fois le 17 avril 2011) dans une édition pensée comme un objet de collection, au format 4K UHD.

Une Library Case numérotée, conçue comme un objet de collection

Les annonces relayées aux États-Unis décrivent une édition limitée numérotée, présentée sous forme de coffret-bibliothèque, avec huit steelbooks (un par saison) et un livret pour accompagner le visionnage. C’est le genre de boîte qui appelle presque une réplique : « Quand on joue au jeu des trônes, on gagne ou on meurt ». Ici, on gagne surtout une pièce qui fait son effet sur une étagère.

  • Collection “Ice & Fire” des 15 ans
  • Library Case numérotée (édition limitée) au format 4K Ultra HD
  • Steelbooks des saisons, exclusifs à cette collection
  • Livret de collection
  • Plus de 15 heures de bonus

“Reign of Thrones” : les bonus mis en avant côté États-Unis

L' anniversaire est célébré sous le slogan “Reign of Thrones”, et met en avant un bloc de bonus qui sert de machine à remonter le temps : l’émission spéciale des retrouvailles (animée par Conan O’Brien), le documentaire The Last Watch, ainsi que Conquest & Rebellion, une histoire animée des Sept Royaumes. Ajoutez à cela commentaires audio, scènes coupées et modules de coulisses. De quoi relancer le générique, laisser les cuivres s’installer, et se rappeler que Westeros se savoure aussi en fabrication, pas seulement en batailles.

La 4K UHD, concrètement : ce qu’il faut regarder et écouter

Si vous hésitez encore, pensez “expérience salon”. La 4K UHD vise un rendu plus fin sur les costumes, les textures et les décors, avec des formats HDR en HDR10 et Dolby Vision. Côté son, la VO en Dolby Atmos est comprise dans cette collection. L’astuce simple : si vous avez une installation home cinéma, vérifiez que votre lecteur et votre ampli gèrent bien l’Atmos, puis testez une séquence de bataille et une scène de conseil politique (oui, celles où tout se joue sur un regard).

Dates et prix : pourquoi plusieurs calendriers circulent

Les annonces américaines parlent d’une sortie au 3 novembre 2026. En France, des fiches produits de référence affichent une disponibilité au 4 novembre 2026, avec un prix public conseillé de 269,99 € sur certains sites marchands. Selon le pays et le circuit (États-Unis, Royaume-Uni, France), une variation de un ou deux jours n’a rien d’inhabituel sur les sorties physiques.

France (date + prix) : fiche produit Fnac. États-Unis (date) : communiqué repris sur Screen-Connections.

À (re)mettre dans vos oreilles sur La Radio du Cinéma

Le coffret promet une redécouverte, mais l’univers Trône de fer ne vit pas que sur un disque. Pour prolonger l’ambiance, on vous conseille aussi quelques contenus maison : une discussion sur “l’après Game of Thrones” et une plongée (sans tuba, promis) dans l’imaginaire médiéval-fantastique côté création.

Infos pratiques

  • Produit : Game of Thrones – 15e anniversaire, Library Case collector (édition limitée numérotée), 4K UHD
  • Contenu : intégrale en huit saisons, steelbooks par saison + livret
  • Bonus : plus de 15 heures (réunion animée par Conan O’Brien, The Last Watch, Conquest & Rebellion, commentaires, scènes coupées, coulisses)
  • Sortie annoncée : États-Unis 3 novembre 2026  ; France 4 novembre 2026
  • Prix public conseillé constaté : 269,99 € (France, selon fiche Fnac)

Game of Thrones, 4K UHD, coffret collector, Warner Bros, HBO

]]> Cannes Classics 2026 : le 4K du Labyrinthe de Pan, un hommage à Dean Tavoularis et le programme film par film Wed, 06 May 2026 08:19:00 +0000 http://www.radioducinema.com/news/cannes-classics-2026-le-4k-du-labyrinthe-de-pan-un-hommage-a-dean-tavoularis-et-le-programme-film-par-film-205 http://www.radioducinema.com/news/cannes-classics-2026-le-4k-du-labyrinthe-de-pan-un-hommage-a-dean-tavoularis-et-le-programme-film-par-film-205

Par La rédaction de La Radio du Cinéma • Mis en ligne le

Sur la Croisette, il suffit parfois d’un décor pour entendre la musique d’un film. Un couloir, une texture, une lumière… et voilà que le thème de Nino Rota revient en tête. Cette année, Cannes Classics 2026 place ce pouvoir d’évocation au centre du jeu : l’édition est dédiée à la mémoire de Dean Tavoularis, chef décorateur et architecte d’images.

  • Pré-ouverture : Le Labyrinthe de Pan (restauration 4K) le mardi 12 mai à 14h30, salle Debussy, avec Guillermo del Toro.
  • Invités annoncés : Bruce et Laura Dern, Guillermo del Toro, Artavazd Pelechian, Dario Argento, Jerzy Skolimowski…
  • À retenir : deux œuvres de création, trois courts métrages en séance spéciale, six documentaires et une belle moisson de copies restaurées.
  • Dates du Festival : du 12 au 23 mai 2026.
Portrait de Michèle Firk (visuel de Cannes Classics 2026)
Visuel officiel utilisé par le Festival : Michèle Firk, sujet du documentaire Une Vie Manifeste.

Créée en 2004, la section Cannes Classics est le coin du Festival où l’on vient retrouver des films du passé dans des copies restaurées, découvrir des documentaires de cinéma, et mesurer ce que la restauration change concrètement : un grain qui redevient net, une couleur qui reprend sa place, un noir qui retrouve sa profondeur. Le tout, projeté au Palais (salles Buñuel et Agnès Varda), avec aussi des séances au Cinéma de la Plage selon la programmation.

Une édition dédiée à Dean Tavoularis, l’homme qui bâtissait le cadre

Dean Tavoularis n’était pas un « décorateur » au sens léger du terme. Il construisait des mondes, au millimètre, avec une idée fixe : que l’espace raconte autant que les dialogues. Collaborateur majeur de Francis Ford Coppola, il a notamment été récompensé aux Oscars pour le travail d’art direction sur The Godfather Part II. En avril 2026, sa disparition a relancé une vague d’hommages dans la profession ; Cannes Classics en fait un geste de mémoire à la hauteur de son influence.

À regarder quand vous revoyez un film « tavoularien » : la manière dont un bureau, un couloir, une salle de bal ou une planque deviennent des personnages. Le décor n’illustre pas, il organise le regard.

Deux œuvres récentes à Cannes Classics : destins de femmes, siècle en mouvement

Cannes Classics ne se limite pas au patrimoine : la sélection 2026 accueille aussi deux films de création. Une fiction et un documentaire, tous deux portés par des figures féminines dont la trajectoire dialogue avec l’Histoire.

  • L’Âge d’Or (Bérenger Thouin, 2026, 1h53, France / Italie) : portrait de Jeanne Lavaur, de l’enfance à une ambition sociale assumée, avec une utilisation d’archives intégrée au récit. Présence annoncée d’une large partie de l’équipe.
  • Une Vie Manifeste (Jean-Gabriel Périot, 2026, 1h26, France) : documentaire consacré à Michèle Firk, critique (huit ans à Positif), aspirante réalisatrice et militante révolutionnaire. Présence annoncée de l’équipe du film.

Trois courts métrages en séance spéciale : cinéma d’aujourd’hui, formats nerveux

Un trio de courts récents, présenté comme un programme inédit. Sur le papier, c’est le genre de séance qui fait du bien : un temps court, une idée claire, un geste assumé.

  • Torino Shadow (Du Ling Zhi Ying, Jia Zhang-ke, 2026, 32mn, Italie / Chine) : une femme voyage du sud de la Chine vers Turin. Présence annoncée de Jia Zhang-ke et Zhao Tao.
  • Goodnight Lamby (Dustin Yellin, 2026, 15min, États-Unis) : un rêve d’enfant, un monde sculptural, une quête de peluche qui ouvre plus large. Présence annoncée de Dustin Yellin et Darren Aronofsky.
  • Playground (Zamine Bazi, Amirhossein Shojaei, 2025, 15mn, Iran / France) : un père revient sur ses pas et se heurte à un vertige d’identité. Présence annoncée du réalisateur et du producteur Saeed Roustaee.

Documentaires de cinéma : portraits, histoire, et Œil d’Or en ligne de mire

Six documentaires complètent la sélection, avec des sujets qui vont du portrait intime à la grande fresque historique. Ces films sont annoncés en course pour le prix de l’Œil d’Or.

  • The Story of Documentary Film (The 1970s) (Mark Cousins, 2026, 1h58, Royaume-Uni) : un nouvel épisode de sa cartographie passionnée du cinéma documentaire. Présence annoncée de Mark Cousins.
  • Dernsie: The Amazing Life of Bruce Dern (Mike Mendez, 2026, 1h51, États-Unis) : Bruce Dern au long cours, et une transmission père-fille avec Laura Dern. Présence annoncée du réalisateur, de Bruce Dern et de Laura Dern.
  • Maverick: The Epic Adventures of David Lean (Barnaby Thompson, 2026, 1h44, Royaume-Uni / États-Unis) : une traversée de l’œuvre et de l’homme. Présence annoncée de Barnaby Thompson et Cate Blanchett.
  • Vittorio De Sica – La Vita in Scena (Francesco Zippel, 2026, 1h40, Italie) : archives, accès familial et héritage vu par des artistes contemporains. Présence annoncée du réalisateur et de membres de la famille.
  • Mon Coluche à moi (Michel Denisot, Camille Bruere, Julie Lazare, 1h35, France) : Coluche via le regard d’un ami, Michel Denisot. Présence annoncée des auteurs.
  • Nostalgia for the Future (Nostalgie du Futur, Brecht Debackere, 2026, 1h15, Belgique) : Chris Marker en labyrinthe de traces et de chats, avec narration de Charlotte Rampling. Présence annoncée du réalisateur.

Copies restaurées : l’écran retrouve sa texture, et Cannes fait salle comble

Le cœur battant de Cannes Classics, ce sont ces copies restaurées qui changent la sensation de projection. Parfois, le film redevient « neuf » sans rien perdre de son âge : c’est juste l’image qui retrouve son droit à exister, en salle, sur grand écran.

La pré-ouverture met la barre haut : Le Labyrinthe de Pan revient en restauration 4K, supervisée par Guillermo del Toro, projeté le mardi 12 mai à 14h30 en salle Debussy.

  • Le Labyrinthe de Pan (Guillermo del Toro, 2006, 1h58, Mexique) : restauration 4K, présence annoncée de del Toro.
  • Pelechian Project (Artavazd Pelechian, 1966-1975, 1h30) : scan 4K (avec une exception en 2K), étalonnage par L’Immagine Ritrovata, présence annoncée de Pelechian.
  • Sierra de Teruel (Espoir, André Malraux, 1938, 1h30, France) : numérisation 4K d’éléments nitrate, restauration CNC, présence annoncée de représentants du CNC et de la famille Malraux.
  • Moonlighting (Travail au noir, Jerzy Skolimowski, 1982, 1h37, Royaume-Uni) : restauration 4K supervisée côté image, présence annoncée de Skolimowski.
  • Metti una sera a cena (Disons un soir à dîner / Love Circle, Giuseppe Patroni Griffi, 1968, 2h05, Italie) : restauration 4K, présence annoncée de Dario Argento (scénario).
  • Amma Ariyan (Report to Mother, John Abraham, 1986, 1h55, Inde) : restauration 4K à partir d’une copie 35 mm conservée en Inde, présence annoncée de représentants et techniciens liés au projet.
  • Adieu ma concubine (Farewell My Concubine, Chen Kaige, 1993, 2h51) : restauration 4K, présence annoncée de Gong Li.
  • L’Homme de fer (Man of Iron, Andrzej Wajda, 1981, 2h33, Pologne) : restauration 4K, format 1,37:1, présence annoncée de Krystyna Janda et de collaborateurs artistiques.
  • EVA (Maria Plyta, 1953, 1h30, Grèce) : restauration 4K dans le cadre du World Cinema Project, présence annoncée de Margaret Bodde.
  • Ken Russell’s The Devils (Ken Russell, 1971, 1h54) : nouvelle restauration 4K, présence annoncée de Mark Kermode et d’Elisabeth Russell.
  • La Casa del Angel (La Maison de l’Ange, Leopoldo Torre Nilsson, 1957, 1h16, Argentine) : restauration 4K, présence annoncée de Luis Alberto Scalella.
  • La Ciociara (Two Women, Vittorio De Sica, 1960, 1h41, France / Italie) : restauration 4K (Titanus).
  • La Dérive (The Drift, Paula Delsol, 1964, 1h23, France) : restauration 4K en lien avec la Cinémathèque française, présence annoncée d’Élisa Fantozzi.
  • La Symphonie pastorale (Jean Delannoy, 1946, 1h37, France) : restauration 4K, sortie salles annoncée en fin d’année.
  • L’Innocente (The Innocent, Luchino Visconti, 1976, 2h10, Italie) : restauration 4K par la Cineteca di Bologna, présence annoncée de Gian Luca Farinelli.
  • Lu Bing Hua (The Dull-Ice Flower, Yang Li-Kuo, 1989, 1h40, Taïwan) : restauration en 2K, présence annoncée de Mark Lee Ping-bing.
  • Machine Gun Kelly (Roger Corman, 1958, 1h24, États-Unis) : restauration 4K, présence annoncée de Julie Corman.
  • Les Mouettes meurent au port (Seagulls Die in the Harbour, Roland Verhavert, Rik Kuypers, Ivo Michiels, 1955, 1h27, Belgique) : numérisation 4K (CINEMATEK), présence annoncée de Matthias Schoenaerts.
  • Sanshiro Sugata (La Légende du grand judo, Akira Kurosawa, 1943, 1h31, Japon) : restauration 4K, ajout annoncé d’une séquence de 12 minutes longtemps manquante.
  • Tilaï (Idrissa Ouedraogo, 1990, 1h21) : nouvelle restauration 4K, présence annoncée de proches et partenaires du film.
  • The Stranger (Le Criminel, Orson Welles, 1945, 1h35, États-Unis) : restauration 4K portée par la Cinémathèque française et la Library of Congress, présence annoncée de Frédéric Bonnaud.

Infos pratiques : dates, accès, lieux, et comment voir Cannes Classics

Dates

Le Festival de Cannes (79e édition) se tient du 12 au 23 mai 2026.

Lieux de projection

Cannes Classics se déploie principalement au Palais (salles Buñuel et Agnès Varda), avec une séance de pré-ouverture en salle Debussy, et des projections au Cinéma de la Plage selon la programmation.

Accès sans badge

Le Cinéma de la Plage est annoncé en accès libre dans la limite des places disponibles (chaque soir à partir de 21h30, Plage Macé). Pour le reste des salles, l’accès dépend des accréditations et invitations.

Options jeunes et cinéphiles

Le programme « 3 Jours à Cannes » (18 à 28 ans) donne accès à une large part de la Sélection officielle, incluant Cannes Classics et le Cinéma de la Plage. Côté Cannes, l’événement Cannes Cinéphiles 2026 est également annoncé sur la période du Festival.

Conseil pratique : les horaires exacts par séance et les modalités de réservation évoluent vite à Cannes. Pour organiser votre parcours, gardez un œil sur les pages officielles du Festival et sur les outils d’information mis à jour pendant l’événement.

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