Trois films pour raconter la rentrée autrement

Quentin Carrasco ouvre la séance avec Le Cercle des poètes disparus de Peter Weir. Plus qu’un film strictement consacré à la rentrée, il retient cette année scolaire passée à l’académie de Welton, la relation entre les élèves et leur professeur John Keating, incarné par Robin Williams, mais aussi une atmosphère hivernale et chaleureuse qu’il rapproche de Winter Break.

Laura Vandenhede prend une direction beaucoup plus rose avec La Revanche d’une blonde. Derrière l’image d’Elle Woods et les préjugés qui l’accompagnent, elle retrouve surtout la trajectoire d’une jeune femme que son entourage sous-estime et qui décide de faire ses preuves à Harvard. L’occasion, aussi, de rappeler que l’univers de Legally Blonde se prolonge désormais avec la série Elle, consacrée aux années lycée du personnage.

Jérémie Deprugney, lui, préfère une rentrée beaucoup moins studieuse. Avec 21 Jump Street et 22 Jump Street, les salles de classe deviennent le terrain d’infiltration de Jonah Hill et Channing Tatum. Lycée dans le premier film, université dans le second : le cadre scolaire sert surtout de prétexte à deux comédies policières au rythme particulièrement nerveux.

Comme le résume Laura au micro, voilà peut-être le programme idéal « pour se redynamiser quand on n’a pas envie d’aller au boulot ».

La Fin d’Oak Street met l’équipe en désaccord

La conversation quitte ensuite les films associés à la rentrée pour retrouver les sorties vues récemment. Et La Fin d’Oak Street de David Robert Mitchell provoque immédiatement le débat.

Le film réunit Anne Hathaway et Ewan McGregor au sein d’une famille confrontée à une situation de plus en plus étrange, avec quelques créatures préhistoriques dans l’équation. Mieux vaut ne pas en dire beaucoup plus : une partie du plaisir — ou de la perplexité — repose précisément sur la manière dont le récit dévoile progressivement son jeu.

Laura reste réservée devant certains dialogues, l’accumulation des péripéties et plusieurs choix de mise en scène. Jérémie défend au contraire cette volonté de déstabiliser le spectateur et retrouve surtout le film de dinosaures qu’il espérait depuis longtemps. Deux réactions presque opposées à un même objet, qui donnent lieu à l’un des échanges les plus animés de l’épisode.

Pour savoir lequel des deux vous convaincra, mieux vaut entendre leurs arguments jusqu’au bout : le débat devient vite difficile à poursuivre sans révéler ce que le film garde en réserve.

Des digressions, de la musique et des envies de cinéma

Entre les recommandations et les films vus récemment, Le Faisceau conserve son goût des détours. Ethan Hawke ramène un instant la discussion vers Deauville, les souvenirs de films en appellent d’autres et une première pause musicale prolonge le choix de Jérémie avec 22 Jump Street (Theme From the Motion Picture), interprété par Angel Haze avec Ludacris.

Le reste appartient aux voix : les désaccords, les références lancées au passage, les films qu’on veut revoir et ceux qui donnent déjà envie de retourner en salle. Pour cette rentrée, Laura, Jérémie et Quentin ne proposent pas un programme à suivre à la lettre. Ils ouvrent plutôt trois chemins, avec suffisamment de détours pour que chacun puisse trouver le sien.

Le Faisceau #4 – La rentrée est à retrouver sur La Radio du Cinéma et sur les principales plateformes de podcasts.

À quelques jours de la mise en ligne de Révolté sur YouTube, Noël Mitrani raconte à La Radio du Cinéma la naissance singulière de ce drame familial porté par Camile Foley et Elliott Mitrani. Une histoire de colère, de perception et d’affection empêchée dont le cinéaste donne lui-même la clé : « Tout ça, c’est au service de l’amour ».

Un père emprisonné, une mère morte et deux fils qui ne regardent pas les faits de la même manière. Révolté installe son récit dans cette fracture familiale. Édouard, joué par Camile Foley, considère son père responsable de la mort de sa mère. Samuel, incarné par Elliott Mitrani, refuse cette lecture et croit à l’accident. Noël Mitrani s’intéresse moins au verdict qu’au chemin suivi par chacun pour donner un sens à ce qu’il croit savoir.

Une histoire apparue en cinq minutes

Noël Mitrani ne préparait pas de nouveau scénario. Il venait de travailler sur Emma sous influence (sorti en 2024) et pensait avoir épuisé ce qu’il souhaitait raconter sur l’adolescence. Puis l’histoire de Révolté s’est imposée un jour ordinaire, alors qu’il partait faire ses courses.

« Quasiment toute l’histoire s’est mise en place en cinq minutes », raconte Noël Mitrani. Le réalisateur rentre alors chez lui et note les grandes lignes du récit. La structure sera ensuite développée en huit jours, avant un travail beaucoup plus long sur les dialogues.

Cette soudaineté n’empêche pas les racines personnelles. Noël Mitrani relie le personnage d’Édouard au souvenir de sa propre adolescence, qu’il décrit comme compliquée et marquée par la révolte. Le film lui permet de revenir à cet âge où l’indignation peut prendre toute la place, sans disposer encore des nuances que l’expérience ajoute peu à peu.

Deux frères et une même réalité perçue différemment

Une ancienne leçon de sociologie suivie à la Sorbonne est restée dans la mémoire de Noël Mitrani. Un professeur y racontait un accident observé par plusieurs témoins. Tous avaient assisté à la même scène, mais chacun en livrait une version différente. Pour le cinéaste, cette anecdote dit quelque chose d’essentiel : même un fait apparemment objectif peut être remodelé par le regard de celui qui l’observe.

Révolté transforme cette idée en moteur dramatique. Édouard et Samuel disposent d’une histoire familiale commune, mais ils n’en tirent ni les mêmes certitudes ni les mêmes réactions. La question posée au spectateur n’est donc pas simplement de choisir celui qui aurait raison. Le film invite plutôt à comprendre comment une conviction se forme, comment elle résiste et ce qui peut finir par l’ébranler.

Noël Mitrani ne cherche d’ailleurs pas à fabriquer un héros immédiatement aimable. « Je ne me suis pas posé la question de l’identification », précise Noël Mitrani. Édouard peut blesser, provoquer et se montrer fermé à ce que son frère tente de lui dire. Sa violence demeure cependant reliée à une douleur que le récit rend progressivement lisible.

Ce que Columbo a appris à Noël Mitrani sur le suspense

Pour expliquer sa conception du scénario, Noël Mitrani convoque une référence moins attendue qu’un classique consacré du cinéma d’auteur : Columbo. La célèbre série révèle généralement le coupable dès le début. L’intérêt ne repose donc plus uniquement sur son identité, mais sur sa conduite, ses erreurs et la façon dont l’enquête va resserrer son étau.

Cette mécanique éclaire la construction de Révolté. Noël Mitrani ne cherche pas à dissimuler chaque information jusqu’à une révélation finale. Il préfère donner progressivement des clés au public et jouer avec ce que savent les personnages à un instant précis.

Le spectateur peut ainsi comprendre certaines choses avant Samuel ou Édouard. Ce léger avantage modifie la nature du suspense : l’attention se déplace vers les réactions, les hésitations et les conséquences de ce qui vient d’être découvert. Le secret familial reste important, mais il sert surtout à déplacer le regard porté sur les personnages.

Cette façon de raconter crée une proximité particulière avec le public. Le réalisateur ne lui demande pas seulement de résoudre une énigme. Il lui confie assez d’éléments pour observer comment chacun va accueillir une vérité susceptible de fissurer ses certitudes.

Faire oublier la caméra et retrouver la justesse d’une conversation

Dans son travail avec les comédiens, Noël Mitrani recherche ce qu’il appelle une sensation d’authenticité. Le terme de « vérité documentaire » lui paraît toutefois imparfait, puisque documentaire et fiction obéissent à des méthodes de tournage différentes.

Son objectif est plus précis : faire croire qu’une caméra a simplement eu accès à une famille à un moment où elle n’aurait normalement pas dû être présente. Cette impression repose beaucoup sur les dialogues. Noël Mitrani les réécrit jusqu’à ce qu’ils puissent être prononcés naturellement. Sur le plateau, il demande également aux interprètes si une phrase leur paraît réellement dicible dans la situation. Un mot peut être déplacé, supprimé ou remplacé. La page n’est pas considérée comme intouchable lorsque l’oreille indique une autre solution.

Cette méthode correspond à une règle que le cinéaste formule simplement au cours de l’entretien : il ne veut ni faire sentir la présence de la caméra ni donner l’impression que la scène vient d’un texte préalablement écrit. Le scénario doit rester solide tout en laissant aux échanges leur respiration humaine.

Camile Foley et Elliott Mitrani au cœur de la relation fraternelle

Le choix des interprètes participe directement à cette recherche. Camile Foley joue Édouard, tandis qu’Elliott Mitrani incarne Samuel. Citons également Émilie Massé, Mélanie Elliott, Natacha Mitrani, Pierre-Luc Brillant et Veronika Leclerc Strickland dans la distribution.

Noël Mitrani connaît particulièrement bien plusieurs membres de cette troupe. Elliott Mitrani et Natacha Mitrani sont ses enfants et ont déjà joué dans ses films. Le réalisateur explique que cette proximité lui permet parfois de détecter immédiatement une intonation ou une réaction qui ne correspondrait pas à leur manière habituelle de parler.

Camile Foley faisait lui aussi partie d’un cercle familier au moment du tournage. Noël Mitrani raconte avoir récupéré certains détails observés ou racontés autour de lui pour nourrir les situations du scénario. L’enjeu n’est pas de reproduire la vie privée de ses interprètes, mais de repérer ces petits gestes et formulations qui empêchent une scène de paraître fabriquée.

Le cinéaste tient également à la cohérence de l’âge des personnages. Édouard a 16 ans dans le récit et Camile Foley avait réellement cet âge pendant le tournage, souligne Noël Mitrani. Il évoque à ce sujet Grease, pour rappeler combien l’âge apparent des interprètes peut modifier notre perception d’un personnage adolescent.

Elliott Mitrani a par ailleurs reçu le prix du meilleur acteur de la compétition saisonnière du Montreal Independent Film Festival pour Built From Rage, titre anglais de Révolté.

Vincent Cadoret et le choix d’une lumière qui paraît naturelle

La direction de la photographie est assurée par Vincent Cadoret. Noël Mitrani lui demande une image qui ne signale pas constamment le travail d’éclairage. Les fenêtres, la lumière disponible et les contre-jours deviennent des outils privilégiés.

Le réalisateur accepte également qu’un mouvement de caméra puisse provoquer une brève recherche de point. Une petite imperfection technique n’est pas nécessairement corrigée si elle préserve la sensation de présence qu’il recherche.

Le contre-jour possède à ses yeux une fonction particulière. Il peut soustraire une partie du visage, créer de l’incertitude et laisser au personnage une part moins immédiatement lisible. Dans un film fondé sur des perceptions contradictoires, cette manière de ne pas tout montrer avec la même netteté prolonge discrètement le récit.

L’image ne doit donc pas embellir systématiquement les lieux ou les visages. Elle accompagne plutôt les tensions familiales en donnant l’impression que les personnages existent avant même que la caméra ne commence à les observer.

Benjamin Mitrani compose la musique de Révolté

La musique originale est signée Benjamin Mitrani. Le compositeur avait déjà travaillé avec Noël Mitrani sur Cassy, Toutes les deux et Emma sous influence. Leur collaboration repose sur un langage peu technique : Noël Mitrani dit communiquer surtout des sensations, une tension, une mélancolie ou un besoin de mystère.

Benjamin Mitrani traduit ensuite ces indications en thèmes musicaux. Le réalisateur insiste particulièrement sur la fonction émotionnelle de cette partition. « Il est capable de venir chercher nos sentiments », résume Noël Mitrani.

Pourquoi Révolté est proposé sur YouTube

La diffusion constitue l’autre singularité du projet. Marcova Productions partage Révolté sur sa chaîne YouTube . Ce choix répond d’abord à une question très concrète : comment permettre à un film indépendant d’atteindre son public lorsqu’il ne bénéficie pas d’un parcours classique de distribution ?

Le réalisateur et la productrice Martina Adamcová développent leurs projets avec une forte indépendance de production. Noël Mitrani explique que cette liberté créative peut compliquer ensuite l’accès aux circuits traditionnels. YouTube devient alors un outil de circulation des œuvres, avec une disponibilité immédiate sur les téléviseurs connectés aussi bien que sur ordinateur ou mobile.

« L’idée, c’est que mon travail soit vu », résume Noël Mitrani. Cette phrase dit l’essentiel de sa démarche. Le partage n’est pas présenté comme une négation de la valeur économique d’un film : une chaîne YouTube peut notamment être monétisée. Elle constitue surtout, dans ce cas précis, un moyen de réduire la distance séparant une œuvre indépendante de ses spectateurs.

Cette réflexion prolonge une pratique déjà ancienne chez Noël Mitrani, dont plusieurs longs métrages ont été rendus accessibles en ligne. Elle rejoint aussi une évolution plus générale des usages : le film regardé sur YouTube n’est plus nécessairement cantonné à un écran de téléphone et peut désormais rejoindre le même téléviseur que les services de vidéo à la demande.

Révolté : les informations pratiques à retenir

Titre : Révolté

Réalisation et scénario : Noël Mitrani.

Interprétation principale : Camile Foley dans le rôle d’Édouard et Elliott Mitrani dans celui de Samuel, avec Émilie Massé, Natacha Mitrani, Mélanie Elliott, Pierre-Luc Brillant et Veronika Leclerc Strickland.

Production : Martina Adamcová et Noël Mitrani.

Direction de la photographie : Vincent Cadoret.

Musique originale : Benjamin Mitrani.

Durée : 114 minutes

Classification au Québec : 13 ans et plus.

Diffusion : sur la chaîne YouTube de Marcova Productions à partir du 1er septembre 2026.

Dans ce nouvel épisode des Bobines d’Amandine, direction le musée le plus célèbre du monde pour découvrir l’histoire méconnue qui a inspiré Les Héros du Louvre, le nouveau film d’Élie Chouraqui, avec Kad Merad, Marie Gillain et Julia de Nunez.

Le Louvre face à la guerre

Paris, 1939.

La guerre menace et avec elle une question vertigineuse : comment empêcher les trésors du Louvre de tomber aux mains des nazis ?

Sous l’impulsion de Jacques Jaujard, les équipes du musée organisent alors une opération exceptionnelle : évacuer et disperser plusieurs milliers d’œuvres à travers la France.

La Joconde, la Vénus de Milo, la Victoire de Samothrace et tant d’autres chefs-d’œuvre quittent progressivement Paris.

C’est dans cette immense opération que s’inscrit l’histoire racontée par Élie Chouraqui.

Une histoire intime devenue film

Car Les Héros du Louvre est aussi une histoire de famille.

Le personnage de Babi Maklouf Benhamou, interprété par Kad Merad, est directement inspiré du grand-père du réalisateur.

Gardien de nuit au Louvre et amoureux des arts, Babi se voit confier un camion rempli d’œuvres qu’il doit transporter loin de Paris afin de les mettre à l’abri.

Mais il pose une condition : sa famille part avec lui.

Commence alors un périple à travers une France bouleversée par la guerre, où la protection des œuvres se mêle à une autre urgence : protéger les siens.

Élie Chouraqui transforme ainsi une mémoire familiale en récit de cinéma et remet en lumière ces femmes et ces hommes ordinaires qui ont participé à la sauvegarde d’un patrimoine extraordinaire.

Kad Merad dans un registre plus grave

Pour incarner Babi, le réalisateur a choisi Kad Merad, accompagné notamment de Marie Gillain, Julia de Nunez, Fantine Guyot, Jean-Hugues Anglade et Bernard Le Coq, qui interprète Jacques Jaujard.

Un Kad Merad que l’on retrouve ici dans un registre plus grave et historique, au service d’un personnage pour lequel la culture et les œuvres d’art deviennent quelque chose qu’il faut défendre.

Et c’est peut-être là que se trouve la plus belle idée du film.

Pendant une guerre, sauver un tableau peut sembler dérisoire.

Mais protéger une œuvre, c’est aussi protéger une mémoire, une histoire et quelque chose qui devra survivre à la barbarie.

???? Dans Les Bobines d’Amandine

Quelle est la part d’histoire vraie derrière le film ? Comment les œuvres du Louvre ont-elles réellement été sauvées ? Et pourquoi Élie Chouraqui a-t-il attendu tant d’années avant de porter l’histoire de son grand-père au cinéma ?

Amandine vous raconte Les Héros du Louvre dans ce nouvel épisode des Bobines d’Amandine.

 Écoutez le podcast sur La Radio du Cinéma.

 Les Héros du Louvre
De Élie Chouraqui
Avec Kad Merad, Marie Gillain, Julia de Nunez
Durée : 1h45
En salles depuis le 9 septembre 2026

À Deauville, la projection de The Accompanist s’inscrivait dans une journée entièrement placée sous le signe de Susan Sarandon. Après l’inauguration de la cabine de plage portant désormais son nom sur les célèbres Planches, l’actrice a reçu un Deauville Icon Award, remis par la réalisatrice, scénariste et productrice Euzhan Palcy, membre du jury.

Un moment chargé d’émotion pour Susan Sarandon, qui a conclu son discours par quelques mots simples : « Personne n’est libre tant que nous ne sommes pas tous libres. »

Puis place au cinéma.

Deux solitudes qui doivent apprendre à vivre ensemble

Dans The Accompanist, une petite fille vit avec son grand-père, jusqu’au jour où les premiers signes de démence de celui-ci alertent son entourage.

Après avoir innocemment évoqué la situation à l’école, l’enfant est séparée de son grand-père par les services sociaux et confiée à une famille d’accueil.

C’est là qu’elle rencontre le personnage incarné par Susan Sarandon, une femme de 73 ans dont la manière d’accueillir l’enfant va immédiatement déjouer les attentes.

Lors de sa première nuit, la petite fille refuse ainsi d’entrer dans la maison et préfère se réfugier dans un parc. Plutôt que de lui imposer son autorité, sa nouvelle tutrice la rejoint, lui apporte ce dont elle a besoin… et lui laisse le temps.

Cette première nuit donne le ton de ce qui fonctionne le mieux dans le film : une relation qui ne se construit ni par les grands discours ni par l’autorité, mais progressivement, en laissant à chacune sa place.

Susan Sarandon, entre liberté et fantaisie

Le personnage de Susan Sarandon porte pourtant son propre deuil.

Elle a perdu une fille atteinte d’anorexie, et l’arrivée de cette enfant dans sa vie fait nécessairement surgir une question : vient-elle combler une absence ?

Zack Woods choisit d’évoquer cette fille disparue à travers plusieurs séquences de souvenirs, de rêves ou de projections. C’est aussi là que le film convainc moins.

Ces scènes appuient parfois trop fortement l’émotion et finissent par détourner l’attention de ce qui constitue pourtant le cœur du récit : la rencontre entre ces deux personnages et la manière dont elles apprennent à se faire confiance.

The Accompanist n’échappe donc pas toujours au piège du mélodrame. Certaines intentions sont soulignées là où davantage de retenue aurait sans doute suffi.

L’humour plutôt que les larmes

C’est finalement lorsque le film cesse de vouloir provoquer l’émotion qu’il devient le plus juste.

L’humour, notamment, permet à la relation entre la femme et l’enfant de trouver une légèreté bienvenue. Les scènes qu’elles partagent installent progressivement une complicité crédible et donnent envie de croire à ce lien qui se construit sous nos yeux.

Et au centre de tout cela, il y a évidemment Susan Sarandon.

Zack Woods la qualifiait de « lumineuse » avant la projection. Le mot lui va bien. À la fantaisie de son personnage, l’actrice ajoute cette liberté de jeu et cette élégance qui lui permettent de passer de la gravité à l’humour sans jamais perdre sa présence.

Des décennies après Thelma & Louise, elle conserve surtout quelque chose de précieux : la capacité à rendre immédiatement vivant un personnage qui aurait facilement pu n’être qu’une figure maternelle réparatrice.

Un film imparfait, mais généreux

The Accompanist n’est donc pas exempt de maladresses. Il cherche parfois trop ostensiblement les larmes et certaines séquences auraient gagné à faire davantage confiance au spectateur.

Mais lorsque Zack Woods se concentre sur ses deux personnages, le film trouve sa justesse.

Il raconte alors moins le remplacement d’un être perdu que la possibilité de créer un nouveau lien sans effacer ceux qui existaient auparavant.

Un film qui cherche clairement à mettre du baume au cœur et qui, malgré quelques effets trop appuyés, y parvient souvent grâce à son duo et à une Susan Sarandon toujours aussi libre devant la caméra.

Aucune date de sortie française n’est encore annoncée pour The Accompanist.

Le troisième long métrage de Florian Zeller réunit Penélope Cruz et Javier Bardem dans les rôles de Sofia et Miguel, un couple confronté à une proposition qui vient ébranler son équilibre et ses choix de vie.

« Un maestro des émotions humaines »

Ce qui frappe surtout Laura, c’est la manière dont Florian Zeller refuse de réduire ses personnages à des positions simples ou à des jugements définitifs.

« C’est un maestro des émotions humaines. Il sait les explorer, les faire remonter à la surface, les mettre en lumière. »

Encore portée par la projection, elle raconte dans ce podcast pourquoi Bunker l’a autant bouleversée — et pourquoi elle avait envie d’en parler avant même que l’émotion ne retombe.

Écoutez la chronique de Laura Vandenhende enregistrée à Deauville.

Onze ans après sa réalisation, le premier long métrage de Brady Corbet s’apprête enfin à connaître une sortie dans les salles françaises. Présenté au Festival du cinéma américain de Deauville en présence de Bérénice Bejo, L’Enfance d’un chef révèle que tout ce qui impressionnera plus tard dans The Brutalist était déjà là : l’ambition formelle, la puissance de la musique, le goût du vertige et cette fascination inquiétante pour la naissance du pouvoir. La Radio du Cinéma était à Deauville pour découvrir le film.

Il aura fallu attendre plus de dix ans.

Réalisé en 2015, récompensé à la Mostra de Venise mais resté inédit dans les salles françaises, L’Enfance d’un chef (The Childhood of a Leader) va enfin rencontrer le public français.

Le Festival du cinéma américain de Deauville lui a offert une séance particulière, en présence de Bérénice Bejo, l'une de ses principales interprètes, avant une sortie française annoncée pour 2027 chez Condor Distribution.

Et depuis 2015, beaucoup de choses ont changé. À commencer par le statut de son réalisateur.

Car Brady Corbet est désormais celui de The Brutalist. Revoir aujourd'hui son premier film permet donc une expérience passionnante : remonter aux origines de son cinéma.

The Brutalist était déjà là

Avant de passer derrière la caméra, Brady Corbet a été acteur, notamment chez Gregg Araki ou Lars von Trier. Pour son premier long métrage comme réalisateur, il affirme pourtant déjà une personnalité visuelle étonnamment sûre.

Une caméra mobile et audacieuse, une image élégante mais sombre, une construction très formelle en chapitres et, surtout, une mise en scène qui ne semble jamais chercher le confort du spectateur.

Certains mouvements de caméra sont saisissants, jusqu'à un plan final particulièrement spectaculaire. Une audace qui pourrait sembler démonstrative mais qui, ici, accompagne pleinement le récit.

En découvrant L'Enfance d'un chef après The Brutalist, la filiation saute aux yeux : le cinéaste que Brady Corbet allait devenir était déjà presque entièrement présent dans ce premier film.

1919 : une enfance dans l'ombre du traité de Versailles

L'histoire nous ramène en 1919.

Dans une grande demeure européenne, un diplomate américain participe aux négociations qui doivent conduire au traité de Versailles et déterminer le sort réservé à l'Allemagne après la Première Guerre mondiale.

Le père est incarné par Liam Cunningham, notamment connu pour Game of Thrones. Bérénice Bejo interprète son épouse.

Mais c'est leur fils, Prescott, interprété par le jeune Tom Sweet, que Brady Corbet choisit d'observer.

Un enfant mystérieux, rebelle, parfois fascinant, parfois inquiétant.

Le film se construit autour de plusieurs épisodes de son comportement, présentés comme des « tantrums », des crises ou des accès de colère. Peu à peu, quelque chose semble se fissurer.

Entre l'enfant et ses parents, le respect disparaît. La confiance s'abîme. L'affection elle-même semble manquer.

Et une question inconfortable s'installe : assistons-nous à la naissance d'un monstre ou à la fabrication de celui-ci ?

Quand la musique transforme l'image

Il faut également écouter L'Enfance d'un chef.

La musique occupe une place considérable dans le dispositif de Brady Corbet. Elle peut transformer une action apparemment banale en une scène menaçante, presque épique.

Quelques personnages descendent un escalier et, soudain, quelque chose semble devoir arriver.

Cette tension permanente fait glisser le film vers un territoire difficile à définir. Ce n'est pas un film d'horreur. Ce n'est pas réellement un thriller. Pourtant, l'inquiétude ne disparaît presque jamais.

Brady Corbet maintient constamment le spectateur juste avant la frontière.

Celle de la peur.

Celle du malaise.

Et surtout celle qui sépare encore l'empathie du rejet.

Où commence le monstre ?

C'est probablement là que L'Enfance d'un chef devient le plus troublant.

Le film ne cherche pas simplement à raconter les caprices d'un enfant difficile. Il pose une question beaucoup plus vertigineuse : à quel moment une personnalité bascule-t-elle ?

Le contexte historique n'a évidemment rien d'anodin. Pendant que les adultes redessinent l'Europe et décident des conditions imposées aux vaincus de la Première Guerre mondiale, un enfant grandit sous leurs yeux.

Dans une famille où la discipline semble prendre davantage de place que l'affection.

Brady Corbet rapproche ainsi l'intime et l'Histoire : l'éducation d'un enfant et la naissance du pouvoir, la violence familiale et celle qui peut un jour se déployer à une tout autre échelle.

Jusqu'à une conclusion impressionnante, où le film révèle pleinement ce qu'il cherchait depuis le début : interroger la racine du mal plutôt que simplement montrer ses conséquences.

Une injustice cinématographique bientôt réparée

Voir L'Enfance d'un chef aujourd'hui procure donc une sensation étrange.

On découvre un premier film, mais avec la connaissance de ce qui viendra après.

Et l'on mesure à quel point Brady Corbet possédait déjà les obsessions et le langage cinématographique qui allaient éclater au grand jour avec The Brutalist.

La projection de Deauville avait dès lors quelque chose d'une séance de rattrapage autant que d'une avant-première.

Après être resté plus d'une décennie sans distribution dans les salles françaises, L'Enfance d'un chef doit enfin sortir en France en 2027, distribué par Condor.

Une occasion tardive, mais précieuse, de découvrir sur grand écran la naissance d'un cinéaste.

Réalisation : Brady Corbet
Avec : Tom Sweet, Bérénice Bejo, Liam Cunningham
Année de réalisation : 2015
Distribution France : Condor Distribution
Sortie française annoncée : 2027

La Radio du Cinéma au Festival du cinéma américain de Deauville 2026.

Il suffit parfois d’une réplique. « Elle va marcher beaucoup moins bien, forcément… » Quelques mots, et voilà Le Corniaud, Bourvil et Louis de Funès qui reviennent immédiatement en mémoire.

C’est précisément sur ce territoire que Thomas Croisière aime s'aventure  : celui des films qui nous accompagnent, des dialogues que l’on se transmet et des comédies populaires qui finissent par faire partie de nos vies.

Après avoir sillonné la France pendant quatre ans avec Voyage en Comédie, il revient avec une suite. Évidemment, chez lui, cela ne pouvait pas être tout à fait innocent...

Après le voyage, la contre-attaque !

Dans La Comédie Contre-Attaque, Thomas Croisière s’intéresse justement à cette obsession très cinématographique : pourquoi fait-on des suites ?

L'idée du spectacle lui est venue presque par hasard, grâce à son fils cadet, Gaston. En cherchant une photo de lui pour l'anniversaire d'un camarade, Thomas Croisière tombe essentiellement sur des clichés d'adolescent faisant des grimaces. De là naît une plaisanterie de père : après son premier fils Alfred, né en 2010, il avait eu « envie d'en faire une suite », Gaston.

Et soudain, tout le spectacle était là. Car la question du « numéro 2 » dépasse largement le cinéma : faut-il rappeler son ex ? Faire un deuxième enfant ? Reprendre une histoire qui avait si bien commencé ? Et au cinéma, fallait-il faire Les Bronzés 2 ? Les Bronzés 3 ? Pourquoi existe-t-il plusieurs La Vérité si je mens ! mais toujours une seule Cité de la peur ?

Le titre du spectacle est lui-même une déclaration d'amour à une suite que Thomas Croisière place au sommet : L'Empire contre-attaque.

La comédie comme patrimoine commun

Mais derrière la mécanique des suites se cache un sujet qui lui est encore plus cher : le rire ensemble.

Thomas Croisière défend depuis longtemps la comédie populaire comme un véritable patrimoine cinématographique. Il rappelle combien les grands succès français sont liés au genre, de La Grande Vadrouille à Bienvenue chez les Ch'tis, en passant par Intouchables ou Astérix & Obélix : Mission Cléopâtre. Et pour lui, le succès d'Un p'tit truc en plus prouve que le cinéma peut toujours provoquer ce phénomène collectif : des millions de spectateurs qui partagent les mêmes personnages, les mêmes scènes et, demain peut-être, les mêmes répliques.

C'est tout le projet de La Comédie Contre-Attaque : faire dialoguer les générations.

Sur scène, Thomas Croisière constate d'ailleurs en direct ce qui traverse les âges… et ce qui les sépare. Le Corniaud ou Louis de Funès peuvent encore déclencher un rire collectif immédiat. À l'inverse, un extrait de Fatal de Michaël Youn ou de Babysitting 2 peut provoquer l'hilarité des plus jeunes et laisser une partie des spectateurs plus âgés sur le bord de la route...

Et c'est très bien ainsi.

« Si ça rigole pas, c'est que vraiment j'ai raté mon métier », résume-t-il.

De Louis de Funès à Philippe Lacheau : le cinéma se répond

Thomas Croisière ne cherche pourtant pas à dicter au spectateur ce qu'il faut aimer ou ce qui doit faire rire.

Au contraire : il revendique la liberté de rire comme celle de ne pas rire. Son rôle consiste plutôt à célébrer celles et ceux qui ont construit la comédie française : Gérard Oury, Yves Robert, Francis Veber, Jean-Marie Poiré, Coline Serreau et tant d'autres.

Surtout, La Comédie Contre-Attaque raconte une histoire de transmission.

Les films se parlent d'une génération à l'autre. LOL peut ainsi être regardé comme un lointain descendant de La Boum. Une scène de Coexister renvoie directement aux Aventures de Rabbi Jacob. Thomas Croisière imagine difficilement Les Tuche sans la famille Groseille de La vie est un long fleuve tranquille, et voit des échos entre la célèbre scène de la cuisine des Tontons flingueurs et celle de la gnôle des Bronzés font du ski.

Même Philippe Lacheau raconte avoir eu envie de faire du cinéma en découvrant Pierre Richard à la télévision avec ses parents. Le cinéma populaire avance ainsi par héritages, citations, souvenirs et filiations.

Même les nanars ont une histoire

Avec Patrice Caillet, la conversation prend ensuite un détour savoureux par un autre pan de la comédie française : celui de Mon curé chez les nudistes, On se calme et on boit frais à Saint-Tropez et de ces productions populaires des années 70 et 80 que l'histoire officielle du cinéma regarde parfois d'un peu haut. Thomas Croisière, lui, refuse de les balayer d'un revers de main. Parce qu'elles racontent aussi une époque, une économie du cinéma et une manière de produire aujourd'hui disparue. Il rappelle que certains producteurs engageaient alors directement leur argent dans ces films et que, derrière des titres parfois improbables, certains ont attiré plus d'un million de spectateurs.

Ce qui l'intéresse n'est donc pas seulement de distinguer les « bonnes » comédies des mauvaises, mais de comprendre ce que ces films racontent du public qui allait les voir.

« Le cinéma, c'est la vie »

C'est sans doute là que l'entretien devient le plus personnel. Pourquoi sommes-nous si attachés à certains films ? Parce qu'un film ne reste jamais exactement le même au fil de notre existence.

Thomas Croisière prend l'exemple de La Boum. Lorsqu'il le découvrait plus jeune, il regardait le monde du côté de Vic, le personnage de Sophie Marceau. Des années plus tard, en montrant le film à ses propres enfants, son regard s'est déplacé : il se retrouve désormais davantage du côté du père incarné par Claude Brasseur. Le film n'a pas changé. Lui, oui.

« Quand on regarde un film, on apporte aussi ce qu'on est », explique-t-il. Avant cette conclusion qui pourrait presque résumer son travail : « Le cinéma, c'est la vie. Et donc quand on parle de cinéma, on parle aussi de notre vie. »

Et maintenant… une trilogie ?

Et puisque cet entretien parle de suites, impossible de ne pas poser la question de celle d'après. Thomas Croisière a réservé à La Radio du Cinéma une petite avant-première : il pense déjà à un troisième spectacle !

Alors même que La Comédie Contre-Attaque n'a pas encore commencé sa série parisienne, il rêve d'une trilogie, avec quelques références plutôt modestes : celle du Dollar de Sergio Leone, Le Parrain, Le Seigneur des Anneaux ou la trilogie fondatrice de Star Wars. 

« Je commence déjà à travailler dans mon troisième spectacle alors que je n'ai pas commencé à jouer le deuxième », confie-t-il en riant.

Finalement, Thomas Croisière apporte lui-même la réponse à la question qui traverse La Comédie Contre-Attaque : faut-il toujours faire une suite ?

Quand on aime vraiment le cinéma, visiblement, il est difficile de s'arrêter au premier épisode.

La Comédie Contre-Attaque, Voyage en Comédie 2 — Informations pratiques

De et avec : Thomas Croisière
Mise en scène : Thibault Ameline
Lieu : Le Lucernaire – Théâtre Noir
53, rue Notre-Dame-des-Champs, 75006 Paris
À partir du : 21 septembre 2026
Jusqu'au : 12 janvier 2027
Horaires : lundi et mardi à 21 h

Un père, un fils et un monde d’hommes

Après Party USA, changement radical d’univers pour Laura avec Butterfly Jam de Kantemir Balagov.

Le cinéaste nous plonge dans une communauté originaire de Kabardino-Balkarie, dans le Caucase. Au centre du récit, un adolescent de 16 ans, surnommé Pitay, vit avec son père, cuisinier dans un petit restaurant qu’il tient avec sa sœur.

Très vite s’impose un univers profondément masculin.

On parle fort, on plaisante, on se provoque. On aime la lutte et les démonstrations de force. Les hommes semblent parfois être restés de grands garçons, tandis que la tante observe ce petit monde avec un mélange de distance et d’exaspération.

Pitay lui-même pratique la lutte. C’est son père qui l’y a inscrit et l’adolescent semble suffisamment doué pour pouvoir envisager un avenir dans ce sport.

Mais derrière cette relation entre père et fils, quelque chose va progressivement se fissurer.

Quand le père descend de son piédestal

À 16 ans, le regard que l’on porte sur ses parents change.

C’est précisément ce moment fragile que saisit Butterfly Jam. Pitay assiste à une interaction entre son père et un potentiel employeur. Pour la première fois peut-être, il le regarde différemment.

Quelque chose se brise.

Une parole trop directe, un jugement lancé à son père, et la relation entre les deux hommes se dérègle. Ce qui aurait pu n’être qu’une remarque malheureuse va désormais contaminer leurs échanges.

Une petite fissure devient le premier rouage d’une mécanique beaucoup plus grande.

Et le film change alors de nature.

De l’insouciance à l’implacable

Pendant sa première partie, Butterfly Jam peut presque désorienter.

Les garçons traînent ensemble, plaisantent, se chamaillent. Leurs gestes et leurs paroles semblent encore appartenir au domaine du jeu, comme si rien ne pouvait véritablement avoir de conséquences.

Puis tout devient sérieux.

La légèreté disparaît progressivement et laisse place à une tension beaucoup plus lourde. Les personnages se retrouvent pris dans une succession d’événements dont ils ne semblent plus capables de s'extraire.

Laura préfère évidemment ne pas révéler ce qui provoque véritablement ce basculement.

Mais une scène en particulier marque une rupture. Une scène dont, une heure seulement après la projection, notre chroniqueuse avoue ne pas être encore tout à fait remise.

C’est aussi cela, Deauville : parler d’un film lorsque son émotion est encore intacte, avant même qu’elle ait eu le temps de se déposer.

Barry Keoghan, une présence animale

Dans le rôle du père, Barry Keoghan impose une nouvelle fois une présence singulière.

L’acteur possède cette capacité rare à rendre un personnage immédiatement physique. Quelque chose d’instinctif, presque animal, traverse son jeu.

Ici, cette présence nourrit parfaitement le personnage : un père encore jeune, pris entre son propre parcours, son fils et une certaine conception de ce qu’un homme doit être.

Face à lui, l’adolescent commence justement à questionner ce modèle.

Et derrière leur histoire intime apparaît alors le véritable sujet du film : qu’est-ce qu’un père transmet à son fils, volontairement ou non ?

Peut-on échapper à ce dont on hérite ?

C’est probablement la question qui reste après la projection.

Butterfly Jam parle de masculinité, mais surtout de sa transmission. De génération en génération circulent les mêmes codes : la fierté, la force, le rapport au corps, le silence, l’honneur, la difficulté à montrer ses failles.

Balagov ne semble pourtant pas seulement demander comment ces modèles se reproduisent.

Il pose une question plus vertigineuse : peut-on décider de ne pas les reproduire ?

Que fait-on du passé dont on hérite ? À quel moment choisit-on sa propre trajectoire ? Et sommes-nous réellement libres de devenir différents de ceux qui nous ont précédés ?

Le regard de La Radio du Cinéma

Avec Butterfly Jam, Kantemir Balagov part d’une relation intime entre un adolescent et son père pour construire progressivement un récit beaucoup plus ample sur la filiation, la fierté et le poids des modèles masculins.

Le film prend son temps avant de dévoiler sa véritable direction. Mais lorsqu’il bascule, quelque chose devient presque inexorable.

Une expérience de cinéma dont Laura ressort encore profondément marquée, avec cette sensation d’avoir assisté à des trajectoires qui se referment progressivement sur leurs personnages.

Après Party USA, c’est donc une deuxième proposition très différente pour cette première journée à Deauville — et une nouvelle preuve de ce que le festival permet de chercher chaque année : de nouveaux horizons, de nouveaux regards et de nouvelles voix de cinéma.

????️ Laura, pour La Radio du Cinéma, depuis le Festival du cinéma américain de Deauville. - 10/09/2026

Restez à l’écoute !

Une première journée à Deauville

Pour cette première journée au Festival du cinéma américain de Deauville, deux films et, curieusement, un même point de départ : la disparition d’un père.

La comparaison s’arrête pourtant là. Parmi ces premières découvertes figure Party USA, premier long métrage de Jared Sprouse, présenté en compétition.

Le titre vient de l’enseigne dans laquelle travaille son héroïne : une chaîne américaine spécialisée dans les accessoires et articles de fête. Un univers artificiellement joyeux, coloré, presque dérisoire, qui va devenir le décor d’une journée particulièrement sombre.

La jeune femme qui nous sert de guide y est vendeuse et assistante de direction. Mais ce travail n’est, en principe, qu’une étape. Elle souhaite reprendre ses études pour devenir infirmière et semble avoir devant elle une trajectoire toute tracée. À ses côtés, son compagnon, très présent, forme avec elle un couple apparemment solide et amoureux.

Puis son père meurt.

Faire son deuil… mais après son service

La nouvelle tombe dès le début du film. Pourtant, malgré le décès, la jeune femme doit aller travailler.

Jared Sprouse installe ainsi immédiatement l’une des dimensions sociales de Party USA. Le deuil se heurte à la précarité professionnelle et à une organisation du travail qui ne laisse pratiquement aucune place à l’imprévu, même lorsque celui-ci est aussi brutal que la mort d’un proche.

Son objectif semble alors très simple : trouver un collègue susceptible de la remplacer dans l’après-midi afin de pouvoir régler les affaires liées au décès de son père.

Elle sollicite les autres sans réellement leur expliquer ce qui vient de lui arriver. Personne n’accepte.

Et tout bascule.

Un premier choix en entraîne un autre, puis un autre encore. Ce qui ressemblait au départ à une difficulté quotidienne devient une spirale de décisions de plus en plus désastreuses — certaines franchement choquantes.

Le film commence alors à déconstruire l’image que nous avions de son héroïne.

Comprendre sans forcément excuser

C’est sans doute là que Party USA devient le plus intéressant.

Jared Sprouse aurait facilement pu transformer son personnage principal en objet de jugement. Il choisit au contraire de rester avec elle, de maintenir le spectateur à son niveau et d’adopter presque constamment son point de vue.

Nous voyons donc les conséquences de ses actes tout en comprenant progressivement les mécanismes qui les provoquent.

Et c’est précisément ce qui crée le malaise.

Comme le souligne Laura dans sa chronique pour La Radio du Cinéma, nous pouvons condamner les décisions du personnage, être stupéfaits par elles, parfois même révoltés, mais le film nous oblige malgré tout à comprendre d’où elles viennent.

Une position inconfortable pour le spectateur, qui rappelle l’une des forces du cinéma indépendant américain : observer des personnages sans nécessairement distribuer les bons et les mauvais points.

À travers cette jeune femme, Sprouse dessine ainsi le portrait d’une génération et d’un milieu social où les ambitions personnelles, les contraintes économiques et les mécanismes de survie finissent par se heurter.

L’Amérique observée depuis une boutique d’articles de fête

Sous son apparente simplicité, Party USA accumule ainsi les observations sur la société américaine.

Le film s’intéresse notamment au compagnon de l’héroïne, portoricain, que les autres personnages prennent régulièrement pour un Mexicain.

Le gag pourrait n’être qu’une remarque en passant. Il devient progressivement révélateur d’une forme d’ignorance géographique et culturelle : celle d’une Amérique qui connaît parfois très mal les populations vivant pourtant à l’intérieur de son propre espace politique ou dans son voisinage immédiat.

Le personnage du petit ami occupe surtout une position essentielle dans le récit. À mesure que les décisions de sa compagne deviennent difficiles à accepter, il se transforme presque en double du spectateur.

Il regarde. l doute. il ne comprend plus toujours. Mais il reste.

Son visage devient ainsi l’un des endroits où se lit le trouble provoqué par le film. Malgré ce qu’il découvre, il tente de conserver sa position de soutien auprès de la femme qu’il aime. Une fidélité qui rend le traitement du personnage d’autant plus troublant.

L’énergie parfois imparfaite d’un premier film

Party USA possède surtout ce que Laura aime retrouver dans les premiers longs métrages : une envie débordante de cinéma.

Jared Sprouse tente des choses. Il cherche ses cadres, travaille sa mise en scène, multiplie les idées et imprime au film une énergie qui compense largement ses imperfections.

Tout n’est pas totalement maîtrisé, mais cette fragilité participe aussi au charme du projet. On sent derrière le film une équipe qui veut fabriquer quelque chose ensemble plutôt que reproduire une formule déjà éprouvée.

Cette impression est renforcée par un casting composé en grande partie de jeunes comédiens. Leur énergie donne à Party USA une spontanéité particulière et contribue au sentiment d’assister à une véritable aventure collective.

Le regard de La Radio du Cinéma

Avec Party USA, Jared Sprouse signe donc un premier film plein de vie, de surprises et d’idées, tout en portant un regard beaucoup plus sombre qu’il n’y paraît sur une certaine jeunesse américaine.

Le contraste est d’ailleurs savoureux : derrière les couleurs et les accessoires d’une boutique entièrement consacrée à la fête se cache un récit de deuil, de précarité, de choix moraux et de désillusion.

Le film n’est pas parfait. Mais il possède quelque chose de parfois plus précieux : une voix, une énergie et l’envie manifeste de raconter le monde par le cinéma.

Pour Laura, depuis Deauville, c’est un premier geste de cinéaste dynamique, dérangeant et franchement rafraîchissant.

Laura — La Radio du Cinéma, au Festival du cinéma américain de Deauville.  10.09.2026

Celui qu’un parent, un grand-parent, un professeur ou simplement un amoureux du cinéma vous a un jour donné envie de découvrir ?

Parce que le cinéma, ça se regarde… mais surtout, ça se transmet.

Bienvenue dans Les Bobines d’Amandine.

Dans ce podcast, je vous propose de devenir, vous aussi, des passeurs de cinéma.

Comment donner envie à un enfant de regarder un film en noir et blanc ?
Comment lui faire découvrir Chaplin, Buster Keaton, Méliès, Renoir ou Jacques Tati… sans commencer par lui dire que « c’est un grand classique » ?

Je vous donne ici quelques clés très simples pour regarder un film ensemble, éveiller la curiosité des plus jeunes et créer des passerelles entre le cinéma d’hier et celui d’aujourd’hui.

Parce que comprendre d’où vient le cinéma, c’est aussi apprendre à mieux regarder celui d’aujourd’hui.

Alors, petits et grands, ouvrez grand les yeux…

La séance commence !

In an interview with Jenna Suru for La Radio du Cinéma, Kimball and lead actress Lexi Simonsen spoke about the origins of the film, the careful preparation behind its most sensitive scenes and their hope that WAIT can live well beyond the festival circuit.

The 15-minute film follows Evie, 23, who agrees to meet Matt, an old friend who sexually assaulted her when they were teenagers. Seven years later, he wants to apologize. Evie, however, has never openly spoken about what happened.

The film gives that silence a physical presence. Alongside adult Evie appears her 16-year-old self, a younger version of the character who voices emotions Evie has struggled to express.

A story Paige Morrow Kimball could not forget

Kimball first encountered an early version of the story years before making the film. Inspired by another person’s real experience, it stayed with her.

At the time, she was raising two teenage daughters, one in college and the other in high school. That personal context changed the way she thought about consent, communication and the culture surrounding young people.

“I just could not stop thinking about it,” she told La Radio du Cinéma.

With co-writer Jade Raybin, Kimball reshaped the story and developed the idea of the younger Evie. For the filmmaker, this second presence represents the part of Evie that remains emotionally connected to what happened seven years earlier.

Kimball was also determined not to reduce Matt, played by Eian O’Brien, to what she describes as a “cardboard villain”. The film does not question the seriousness of his actions, but it does examine guilt, apology, responsibility and the possibility of change.

That distinction is central to Kimball’s approach: the characters may be complex, but consent itself is not ambiguous.

Near the end of the interview, she makes that position explicit: “Wait means no. Just like no means no. Just like ‘I’m not sure’ means no.”

Lexi Simonsen: finding a safe way into Evie

For Lexi Simonsen, playing Evie required particularly careful preparation.

The actress explained that the subject also connected with a personal experience from years earlier. Rather than repeatedly drawing on that trauma, she and Kimball used rehearsals to establish clear emotional boundaries.

The aim was to find what Simonsen could safely explore while still serving the character and the story.

A dancer as well as an actress, Simonsen approached Evie partly through physical work. She considered how trauma could be expressed through the body and how the younger Evie should physically differ from the woman she becomes seven years later.

That preparation was supported by intimacy coordinator Heather Ondersma.

For Kimball, working with an intimacy coordinator became directly connected to the film’s central subject. Every gesture required communication: where an actor could be touched, what had been agreed upon and where the boundaries were.

“Consent is a conversation,” Kimball said, recalling a phrase used by Simonsen.

On a film about consent, the working method itself became part of the meaning.

Reaching audiences beyond survivors

Both Kimball and Simonsen hope the conversation generated by WAIT will reach viewers who may not initially see themselves as connected to its subject, including young men.

Simonsen hopes younger audiences will consider how actions that may seem fleeting, confused or influenced by alcohol can have lasting consequences.

The film also considers the burden carried by Matt without treating his guilt as equivalent to Evie’s experience. For Simonsen, that perspective can encourage viewers to think about the consequences of their decisions before crossing another person’s boundaries.

Kimball similarly describes sexual assault as an issue that cannot be confined to women alone. Although the prominence of the #MeToo movement in the headlines has changed, she believes conversations around consent remain essential.

From HollyShorts to an impact screening tour

WAIT screened at HollyShorts in August 2026 in Hollywood. Kimball remembers a packed screening and an important opportunity to experience the audience’s reaction to the film.

Simonsen was unable to attend that particular screening, but she had previously watched the film with an audience and recalls how strongly certain moments could be felt collectively.

“You can really feel the moments where people kind of catch their breath,” she said.

The film is now moving toward another stage of its life. Kimball and her collaborators are developing an impact screening tour designed for colleges, organizations and conferences, with discussions, panels or educational conversations built around the film.

For Kimball, the fictional format is important. Rather than functioning as a traditional educational film, WAIT presents characters and situations intended to generate discussion.

The goal is not simply to tell viewers what to think, but to give them something meaningful to talk about afterwards.

Following HollyShorts, WAIT continues its U.S. festival and showcase journey in September. A European premiere has not yet been announced, although Kimball told La Radio du Cinéma that she would like to bring the film to Europe.

For now, the ambition behind WAIT can perhaps be contained in its one-word title: stop, communicate and make sure the answer is clear before moving forward.

WAIT : Paige Morrow Kimball et Lexi Simonsen veulent ouvrir le dialogue sur le consentement

Après sa présentation à HollyShorts, WAIT poursuit son parcours aux États-Unis avec une ambition qui dépasse les festivals. Réalisé et coécrit par Paige Morrow Kimball, le court métrage veut devenir un point de départ pour parler de consentement, de responsabilité et de reconstruction après une agression sexuelle.

Dans un entretien accordé à Jenna Suru pour La Radio du Cinéma, la réalisatrice et son interprète principale Lexi Simonsen racontent la fabrication particulièrement attentive du film.

WAIT suit Evie, 23 ans, lorsqu’elle accepte de retrouver Matt, qui l’a agressée lorsqu’ils étaient adolescents. Sept ans plus tard, une seconde Evie apparaît à l’écran : celle qu’elle était à 16 ans, capable de formuler ce que la jeune femme adulte garde encore enfoui.

Le consentement au cœur du récit et du tournage

Pour Paige Morrow Kimball, cette histoire, inspirée de l’expérience réelle d’une autre personne, est restée présente pendant des années. Mère de deux adolescentes lorsqu’elle développait le projet, elle a voulu interroger la manière dont le consentement est compris et discuté.

La réalisatrice souhaitait également ne pas réduire Matt, interprété par Eian O’Brien, à un personnage sans nuance. Le film aborde sa culpabilité et la question des excuses sans relativiser son acte.

Sur un point, Kimball ne laisse aucune ambiguïté : le consentement doit être clair. « Wait means no », rappelle-t-elle pendant l’entretien.

Lexi Simonsen explique pour sa part avoir préparé Evie grâce aux répétitions, au travail corporel et à des limites émotionnelles précisément définies.

La présence de la coordinatrice d’intimité Heather Ondersma a également été essentielle. Pour Kimball, cette méthode de travail prolonge directement le propos du film : chacun doit pouvoir exprimer clairement ce qui est accepté et ce qui ne l’est pas.

« Le consentement est une conversation », résume la cinéaste.

Un film destiné à continuer à vivre après les festivals

L’équipe souhaite désormais proposer WAIT dans des universités, associations et conférences, avec des projections accompagnées de discussions ou de rencontres.

Paige Morrow Kimball aimerait également présenter le court métrage en Europe, même si aucune première européenne n’est encore annoncée.

Derrière son titre, WAIT défend ainsi une idée simple : savoir attendre, demander et écouter une réponse claire peut empêcher qu’une limite soit franchie.

Au programme : des avant-premières, des films en compétition, des rencontres et des hommages, mais aussi cette atmosphère si particulière qui fait de Deauville, le temps du festival, l’un des rendez-vous incontournables de la rentrée cinéma.

????️ Dans ce nouvel épisode, on vous raconte le Festival de Deauville, son histoire, son esprit et ce qui fait sa singularité depuis plus de 50 ans.

Bonne écoute avec La Radio du Cinéma !

Le réalisateur de Cyrano de Bergerac, Le Sauvage et Le Hussard sur le toit, Jean-Paul Rappeneau, s’est éteint à l’âge de 94 ans. Dans Les Bobines d’Amandine, La Radio du Cinéma revient sur la carrière d’un cinéaste perfectionniste et romanesque, qui aura marqué le cinéma français avec seulement huit longs métrages.

Il n’a réalisé que huit longs métrages en cinquante ans. Huit films seulement, mais plusieurs sont devenus des classiques du cinéma français.

Jean-Paul Rappeneau est mort le 1er septembre 2026 à Paris, à l’âge de 94 ans, laissant derrière lui un cinéma fait de mouvement, d’aventure, de grandes histoires d’amour et, évidemment, de panache.

Avant Rappeneau réalisateur, Rappeneau scénariste

Né à Auxerre en 1932, Jean-Paul Rappeneau commence sa carrière loin des projecteurs.

Avant de passer derrière la caméra, il écrit pour les autres et participe notamment au scénario de Zazie dans le métro de Louis Malle.

On retrouve également sa plume sur L’Homme de Rio de Philippe de Broca, avec Jean-Paul Belmondo. Une comédie d’aventures menée à cent à l’heure qui contient déjà beaucoup de ce qui deviendra la signature du futur réalisateur : le rythme, le mouvement, les voyages et des personnages lancés dans une course permanente.

En 1966, il réalise enfin son premier long métrage, La Vie de château, avec Catherine Deneuve et Philippe Noiret.

Le film remporte le prix Louis-Delluc et lance définitivement sa carrière de réalisateur.

Deneuve, Belmondo, Montand, Adjani…

Jean-Paul Rappeneau va alors filmer certains des plus grands acteurs français.

Jean-Paul Belmondo et Marlène Jobert dans Les Mariés de l’an II. Yves Montand et Catherine Deneuve dans Le Sauvage. Isabelle Adjani dans Tout feu tout flamme…

Chez Rappeneau, les personnages courent beaucoup, se disputent énormément et s’aiment rarement de manière simple.

C’est particulièrement vrai dans Le Sauvage, sorti en 1975. Catherine Deneuve y incarne une jeune femme aussi imprévisible qu’envahissante qui débarque dans la vie d’un Yves Montand réfugié sur une île au large du Venezuela.

Le résultat est une comédie romantique, physique et aventureuse devenue l’un des films les plus aimés de son réalisateur.

« Cyrano de Bergerac », le triomphe

Mais le film qui fera définitivement entrer Jean-Paul Rappeneau dans l’histoire du cinéma arrive en 1990.

Cyrano de Bergerac.

Le projet est immense : adapter Edmond Rostand, conserver ses alexandrins et transformer cette œuvre théâtrale monumentale en grand spectacle cinématographique.

Sous la direction de Rappeneau, Gérard Depardieu devient Cyrano.

Le film séduit plus de cinq millions de spectateurs dans les salles françaises et connaît un succès international exceptionnel.

Nommé cinq fois aux Oscars, Cyrano de Bergerac triomphe également aux César avec dix récompenses, dont celles du meilleur film et du meilleur réalisateur.

Et plus de trente-cinq ans après sa sortie, il reste indissociable de Jean-Paul Rappeneau.

Du « Hussard sur le toit » au dernier film

Cinq ans après Cyrano, Rappeneau se lance dans un autre projet spectaculaire : Le Hussard sur le toit, adapté du roman de Jean Giono.

Juliette Binoche et Olivier Martinez traversent une Provence ravagée par le choléra dans une nouvelle grande fresque où se mêlent aventure, romanesque et sentiments.

Suivront Bon Voyage en 2003 puis, en 2015, Belles Familles, qui restera son dernier long métrage.

Jean-Paul Rappeneau avait alors 83 ans.

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Huit films en cinquante ans : le chiffre dit aussi quelque chose du personnage.

Jean-Paul Rappeneau était un cinéaste perfectionniste, capable de laisser passer de longues années avant de trouver le projet qui lui donnerait suffisamment envie de retourner sur un plateau.

Mais lorsqu’il y retournait, il voyait grand.

Des costumes, des décors, de l’aventure, des acteurs magnifiques, des dialogues qui fusent et cette sensation permanente de mouvement.

Son cinéma pouvait être populaire sans être facile, élégant sans être figé et romanesque sans jamais perdre son humour.

Il aura surtout traversé plusieurs générations en dirigeant Catherine Deneuve, Philippe Noiret, Jean-Paul Belmondo, Marlène Jobert, Yves Montand, Isabelle Adjani, Gérard Depardieu, Juliette Binoche ou encore Mathieu Amalric.

Jean-Paul Rappeneau disparaît, mais il laisse derrière lui quelques-unes des plus belles images du cinéma populaire français.

Et si Cyrano de Bergerac reste son monument, Amandine vous propose dans sa chronique de redécouvrir aussi Le Sauvage.

Parce qu’il suffit parfois de revoir Catherine Deneuve et Yves Montand se chamailler sous les tropiques pour comprendre tout le cinéma de Rappeneau.

De l’amour, du mouvement, de l’aventure…

et toujours du panache.