Tim Curry est mort à 80 ans à son domicile de Los Angeles. L'acteur britannique avait subi en 2012 un important AVC qui avait notamment affecté sa mobilité.

Il restera évidemment le Dr Frank-N-Furter de The Rocky Horror Picture Show, Wadsworth dans Clue, Darkness dans Legend ou le concierge soupçonneux de Maman, j'ai encore raté l'avion !. Pourtant, pour une partie du public, il suffit d'un ballon, d'un égout et d'un large sourire : Tim Curry restera Pennywise (Grippe-Sou), le clown de Ça.

Tim Curry dans Ça : le clown qu'il n'avait aucune envie d'aimer

Il y a quelque chose de délicieux dans le paradoxe. Tim Curry a donné au cinéma et à la télévision l'un de leurs clowns les plus mémorables alors qu'il n'aimait pas les clowns.

Dans ses mémoires Vagabond, publiées en 2025, Curry est revenu sur une vieille histoire souvent amplifiée avec les années : non, il n'était pas incapable de se regarder dans un miroir lorsqu'il portait le maquillage de Pennywise. Mais il confirmait bien son aversion pour les clowns et reconnaissait ne pas avoir pris un plaisir particulier à contempler son reflet.

Ce malaise a même participé à sa décision d'accepter le rôle. Jouer Pennywise le mettait suffisamment mal à l'aise pour constituer un défi. Il a donc dit oui.

Voilà peut-être la première clé du personnage : Tim Curry n'abordait pas Pennywise comme un clown amusant auquel on aurait ajouté de la monstruosité. Il connaît déjà l'inquiétude provoquée par le masque. Sur le tournage de 1990, il donnait une définition extraordinairement simple de son personnage : « Un sourire qui a mal tourné ».

Le clown de Tim Curry devait être beaucoup plus maquillé

Le visage que nous connaissons aurait pourtant pu être très différent. Le responsable des maquillages spéciaux Bart Mixon a raconté que plusieurs dessins et sculptures avaient été préparés avant le tournage. L'une des grandes références visuelles était Le Fantôme de l'Opéra avec Lon Chaney, dans sa version de 1925.

Bart Mixon cherchait une sorte de « dessin animé vivant » : couleurs franches, crâne légèrement déformé et apparence suffisamment familière pour qu'un enfant puisse, au moins quelques secondes, croire à un vrai clown.

Les premiers essais comportaient davantage de prothèses, notamment sur les joues et le menton. Tim Curry n'en voulait pas. Il avait déjà passé suffisamment de temps sous le latex dans d'autres films et tenait à conserver la mobilité de son visage.

Le réalisateur Tommy Lee Wallace lui a donné raison. Le maquillage définitif est donc beaucoup plus simple que les premières propositions, même s'il a conservé le front bombé qui donne à Pennywise ce léger défaut d'humanité. le résultat dit beaucoup du travail de Curry : le visage effrayant n'est pas seulement fabriqué par le maquillage. Il apparaît lorsque l'acteur commence à sourire, regarder ou modifier sa voix.

Trois heures de maquillage… et plusieurs jeux de dents

Simple ne veut pas dire rapide. La transformation en Pennywise demandait environ trois heures de maquillage.

Tim Curry avait néanmoins connu pire : pour devenir Darkness dans Legend de Ridley Scott, l'application de ses impressionnantes prothèses pouvait prendre environ six heures et demie.

Bart Mixon disposait également de trois jeux de dents pour Pennywise. Certaines étaient suffisamment petites pour permettre à Curry de parler ; d'autres, beaucoup plus agressives, étaient réservées aux apparitions très brèves destinées à faire basculer soudainement le clown vers la créature.

Une autre idée n'a jamais dépassé les préparatifs : des yeux bleu très pâle, destinés à renforcer l'aspect artificiel du personnage. Mixon explique que cette piste a notamment été abandonnée pour des raisons budgétaires.

Pourquoi Pennywise devait d'abord avoir l'air sympathique

C'est probablement le détail le plus important dans la fabrication du personnage. Les maquilleurs ne cherchaient pas à créer immédiatement un monstre.

Pennywise doit pouvoir attirer les enfants. Son costume multicolore, son nez rouge, ses cheveux éclatants et son visage blanc composent donc d'abord une silhouette de clown presque ordinaire. La menace vient ensuite.

La scène avec Georgie, son ciré jaune et son bateau en papier en donne la démonstration. Curry commence la séquence avec une voix accueillante et une énergie presque enfantine. Le piège fonctionne précisément parce que le garçon n'est pas accueilli par un démon évident.

Le jeune Tony Dakota, qui jouait Georgie, aurait d'ailleurs fini par interrompre une prise pour dire à Tim Curry qu'il lui faisait réellement peur. Lors d'une convention en 2017, l'acteur racontait lui avoir répondu qu'il était désolé, mais que c'était précisément son travail.

Sur le plateau, le clown fumait cigarette sur cigarette

Les souvenirs des jeunes comédiens donnent au tournage une image beaucoup moins surnaturelle. Emily Perkins, la jeune Beverly, se rappelait notamment un Tim Curry assis dans son fauteuil en maquillage de Pennywise, fumant cigarette sur cigarette en attendant les prises.

Puis le réalisateur annonçait l'action et le changement était immédiat. 

Cette distance avec les enfants renforçait forcément l'étrangeté du personnage. Quelques minutes auparavant, ils pouvaient voir un acteur attendre calmement dans son costume ; lorsque la caméra tournait, Pennywise revenait.

Dans la loge de Pennywise, on dansait sur Madonna

Une histoire beaucoup moins inquiétante a survécu grâce à Bart Mixon. En 1990, Vogue de Madonna était partout. La chanson passait aussi dans la caravane de maquillage de Ça.

Mixon se souvenait de Tim Curry et de son assistante JoAnne en train de faire quelques mouvements de danse pendant les préparatifs. L'image est difficile à battre : Pennywise, le front blanc et les cheveux rouges, répétant les gestes rendus célèbres quelques mois plus tôt par Madonna. 

Une mini-série regardée par des dizaines de millions d'Américains

Ça, adaptation du roman publié par Stephen King en 1986, est diffusé sur ABC les 18 et 20 novembre 1990. La mini-série de Tommy Lee Wallace compte deux parties et sa version originale dure 192 minutes.

On évoque environ 30 millions de téléspectateurs lors de cette première diffusion. À une époque où une fiction d'horreur pouvait arriver directement dans le salon familial, Pennywise s'est retrouvé devant un public qui n'avait pas nécessairement choisi d'aller voir un film d'épouvante.

Stephen King lui-même a expliqué par la suite que le casting de Curry avait été l'un des éléments qui fonctionnaient le mieux dans cette adaptation. Le scénariste Lawrence D. Cohen soulignait, lui, la capacité de l'acteur à être franchement drôle dans une scène puis menaçant dans la suivante.

C'est peut-être là que se trouve la longévité de ce Pennywise : Curry joue vraiment le clown avant de jouer la peur.

Bill Skarsgård ne voulait surtout pas refaire Tim Curry

Lorsque Pennywise revient au cinéma en 2017 sous les traits de Bill Skarsgård, le poids de la version de 1990 est encore là.

Skarsgård expliquera qu'il n'avait aucun intérêt à imiter Curry et qu'il ne pensait pas pouvoir reproduire ce qu'il avait fait. Sa solution fut donc de construire un autre Pennywise, plus immédiatement étrange, davantage lié à la nature inhumaine de la créature imaginée par Stephen King.

L'interprétations de Tim Curry avait cependant déjà fait le travail le plus difficile : apprendre à plusieurs générations qu'un sourire de clown pouvait annoncer quelque chose de beaucoup moins drôle.

Tim Curry, bien au-delà du nez rouge

Réduire Tim Curry à Pennywise serait évidemment oublier une carrière commencée sur les scènes britanniques à la fin des années 1960. Il crée Frank-N-Furter dans The Rocky Horror Show à Londres en 1973, avant de reprendre le personnage dans The Rocky Horror Picture Show en 1975.

Suivront notamment Annie, Clue, Legend, Muppet Treasure Island et une quantité impressionnante de rôles vocaux. Il reçoit également trois nominations aux Tony Awards au cours de sa carrière.

Après son AVC de 2012, Tim Curry poursuit plusieurs activités de doublage et continue d'apparaître ponctuellement en public. En 2025, il publie ses mémoires, et participe encore aux célébrations du 50e anniversaire de The Rocky Horror Picture Show.

Tim Curry aura joué des rois, des démons, des pirates, des savants, des majordomes et des monstres. Pourtant, dans un coin de la mémoire populaire, il restera toujours ce visage blanc au fond d'une bouche d'égout.

Le clown est mort. Son sourire, lui, risque de rester longtemps dans le noir.

Infos pratiques

Tim Curry : né le 19 avril 1946 dans le Cheshire, en Angleterre ; mort à 80 ans à son domicile de Los Angeles. Confirmation du décès : 26 août 2026. Cause du décès : non communiquée au moment de la publication.

Ça / Stephen King's It : mini-série réalisée par Tommy Lee Wallace d'après le roman de Stephen King. Première diffusion américaine sur ABC les 18 et 20 novembre 1990. Deux épisodes. Durée originale totale : 192 minutes.

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La 30e édition du Festival de la Correspondance de Grignan s'achève, mais les mots continuent de résonner... Président artistique du festival, Eric-Emmanuel Schmitt dresse le bilan d'une édition consacrée au temps. Une réflexion où il est autant question du spectacle vivant que de notre manière d'habiter le monde.

« Une harmonie hors du commun »

Au terme de plusieurs jours de lectures, de rencontres et de créations inédites, l'écrivain retient avant tout une qualité rare : celle de l'écoute.

« C'est une édition qui a été très harmonieuse. Bien sûr, nous avons réglé des incidents en coulisses dont personne ne s'est rendu compte, mais le public a été absolument dévoué, attentif, bienveillant. Les conférences étaient de haute qualité et les acteurs investis comme jamais dans les lectures. Je trouve que cela a été d'une harmonie hors du commun. »

Un équilibre précieux pour un festival qui repose presque entièrement sur l'éphémère.

Ralentir pour retrouver l'autre

Cette année, la grande thématique du Festival était celle du temps. Un sujet qui, selon Eric-Emmanuel Schmitt, dépasse largement le cadre de la littérature.

« Je crois que nous nous sommes vraiment rendu compte que notre époque ne prend plus le temps d'avoir le temps. Elle est dans une accélération permanente. Pourtant, pour être heureux, pour réfléchir, pour s'adresser à l'autre, il faut parfois ralentir. »

Pour lui, la correspondance demeure une formidable école de la lenteur.

« Elle crée un temps et un espace où l'on peut rejoindre l'autre, se mettre en scène soi-même, mettre en scène sa réflexion ou ses émotions. C'est ce que la correspondance nous apprend à faire. »

À l'heure de l'instantanéité numérique, cette invitation à ralentir prend une résonance particulière.

« Nous écrivons sur l'eau »

L'un des grands enseignements de cette édition est aussi celui du spectacle vivant.

Des semaines, parfois des mois de préparation pour une représentation unique, sans captation, qui disparaît une fois le rideau tombé.

Une fragilité que revendique pleinement Eric-Emmanuel Schmitt.

« C'est tout ce que j'aime. La fragilité du spectacle vivant, comme la fragilité de la vie, est précisément ce qui la rend précieuse. Nous ne sommes pas en marbre. Nous n'écrivons pas dans le marbre. Nous écrivons sur l'eau. Nous vivons dans l'instant. »

Une pensée qui dépasse le théâtre pour devenir une véritable philosophie de l'existence.

« Il y a une morale du spectacle vivant que l'on peut reporter à toutes nos vies : vivre intensément chaque instant. »

Cultiver la fraîcheur

Interrogé sur l'avenir du Festival, Eric-Emmanuel Schmitt ne parle ni de programmation ni de chiffres. Il préfère évoquer une notion qui lui est chère : la fraîcheur.

Revenant sur un échange avec le philosophe Nathan Devers lors de la correspondance inaugurale, il précise :

« Il disait qu'il fallait cultiver la jeunesse. Je lui ai répondu que ce n'était pas la jeunesse qu'il fallait préserver, mais la fraîcheur. »

Pour l'écrivain, cette fraîcheur n'a rien à voir avec l'âge.

« C'est ne jamais avoir le sentiment de déjà connaître. Ne pas céder à la fatigue de vivre, ni à l'illusion du savoir. Être les bras ouverts devant ce qui nous est proposé et devant ce que nous avons à vivre. »

Il cite alors Sénèque :

« La joie est chose sévère. La fraîcheur demande un véritable travail sur soi. C'est une façon d'être au monde exigeante, mais dont les bénéfices sont extraordinaires. »

Une définition qui pourrait presque devenir la devise du Festival.

Cap sur 2027 : les lettres de famille

Avant de refermer cette édition anniversaire, Eric-Emmanuel Schmitt dévoile déjà le prochain grand chapitre de la Correspondance.

En 2027, le festival explorera les lettres de famille.

« Nous nous consacrerons aux relations père-fils, mère-fille, mère-fils, frères et sœurs, grands-parents et petits-enfants. Nous allons labourer ce territoire de la correspondance intime. »

Une thématique universelle.

« Je pense que nous y reconnaîtrons tous nos difficultés, mais aussi nos moments heureux. C'est une véritable manière de se pencher sur ce que sont nos vies. »

À l'image de cette 30e édition, le Festival de la Correspondance poursuit ainsi son ambition : faire dialoguer les grandes voix de la littérature avec les interrogations les plus contemporaines. Et rappeler, selon les mots d'Eric-Emmanuel Schmitt, que la plus belle façon d'habiter notre époque consiste peut-être à retrouver le goût de la lenteur, de la rencontre... et de cette « fraîcheur » qui permet de regarder chaque instant comme s'il était le premier.

« Il y a la musique des mots », résume la chanteuse et comédienne, encore habitée par cette femme du XVIII^e siècle dont elle souhaitait restituer la culture, la volonté et les fragilités.

Pour la quatrième année consécutive, Catherine Lalanne anime les rencontres du Festival de la Correspondance de Grignan avec une même envie : faire dialoguer les époques à travers celles et ceux qui les ont écrites.

Journaliste " curieuse des autres, des idées et de la petite musique intime du monde", elle revendique une passion pour "les petites histoires qui incarnent la grande".

Cette édition lui offre un terrain de prédilection : Remettre en lumière des femmes trop souvent reléguées aux marges de l'Histoire.

De Madame de Sévigné, "grande chroniqueuse, journaliste de son temps", à Colette, "magnifique styliste de la langue française", jusqu'à Alexandra Kollontaï, son "coup de cœur" de l'année, première femme ministre de Lénine, féministe et révolutionnaire effacée des mémoires...

"Elle avait la conviction intime que si les femmes ne se libéraient pas, il n'y aurait pas de véritable révolution", rappelle Catherine, avant d'ajouter : "Le nombre de femmes qui ont existé, écrit, pensé, œuvré est innombrable. Il y a encore beaucoup de travail."

À la question de la personnalité qu'elle rêverait de rencontrer, elle choisit sans hésiter Madame de Sévigné :  "Que la postérité vous rende justice ! ""

Chercheuse passionnée, autrice, conférencière et fidèle du festival depuis près de vingt ans, la Belge est devenue l'une des grandes spécialistes de Louise de Vilmorin, dont elle a adapté la correspondance pour le spectacle Mes lettres sont des fêtes… des fêlures aussi, présenté dans le cadre exceptionnel de la façade du château de Grignan.

Au micro de La Radio du Cinéma, Apolline Elter raconte avec une sincérité communicative la naissance de cette aventure. Tout commence pendant le confinement de 2020. Une exposition consacrée à Louise de Vilmorin, qu'elle ne pourra finalement jamais visiter, devient le point de départ d'une immersion totale dans l'univers de l'écrivaine.

« Louise de Vilmorin a été ma grande amie de confinement », confie-t-elle avec émotion.

Pendant plusieurs mois, elle se plonge dans cette correspondance foisonnante et découvre une personnalité bien plus complexe que l'image mondaine qui lui est souvent associée. Une plume vive, un humour irrésistible, une fantaisie permanente et une liberté de ton qui la fascinent immédiatement.

Adapter sans trahir

Transformer des centaines de lettres en un spectacle vivant est un exercice délicat. Apolline Elter explique avoir cherché un véritable fil conducteur, loin des clichés qui réduisent parfois Louise de Vilmorin à ses célèbres histoires d'amour.

Son choix est celui de la diversité : faire entendre toutes les facettes de cette femme d'esprit. Aux lettres adressées à ses proches viennent ainsi s'ajouter des textes publiés dans la presse, notamment dans Vogue ou Marie Claire, qu'elle considère comme autant de lettres ouvertes à ses lecteurs.

Une manière d'offrir un portrait plus riche, plus libre et plus fidèle de cette immense écrivaine.

Laisser le texte vivre

Une fois l'adaptation terminée, l'autrice accepte de passer le relais.

Avec une jolie formule, elle compare son texte à un enfant que l'on confie à d'autres.

Le metteur en scène et les comédiens deviennent alors les nouveaux passeurs de cette parole, chacun apportant sa propre sensibilité.

Quelques heures avant la représentation, Apolline Elter se dit impatiente, presque comme « une enfant qui attend son cadeau de Noël », heureuse de découvrir le regard porté sur son travail.

Le plaisir de transmettre

Au-delà du spectacle, Apolline Elter anime également, pendant le festival, des ateliers qui affichent complet.

Avec beaucoup d'humour, elle revendique le titre de son rendez-vous : le « Pique-Nique Grand Siècle », jeu de mots assumé qui accompagne un déjeuner dans les jardins du château autour des lettres de Madame de Sévigné.

L'occasion, une nouvelle fois, de replacer les correspondances dans leur contexte historique et de les faire entendre autrement, avec cette volonté constante de rendre les textes vivants et accessibles.

Grignan, un rendez-vous essentiel

Présente au Festival de la Correspondance depuis 2009, Apolline Elter ne cache pas son attachement profond à cette manifestation.

Elle le qualifie tout simplement « d'essentiel ».

Chaque année, elle revient avec le même enthousiasme et contribue même à faire connaître Grignan auprès du public belge, dont elle est l'une des meilleures ambassadrices.

Une fidélité qui témoigne de la place unique qu'occupe ce festival dans le paysage culturel, où les mots quittent les pages pour retrouver leur voix.

Une seule représentation… et toute la magie du spectacle vivant

Au cours de l'entretien, une réflexion revient avec émotion : celle de l'éphémère.

Des mois de travail pour une seule représentation.

Une frustration, certes, mais aussi ce qui fait toute la beauté du spectacle vivant.

Chaque représentation devient un instant unique, partagé entre les artistes et le public, avant de rejoindre le souvenir.

C'est précisément cette émotion que nous vous invitons à retrouver dans cette rencontre avec Apolline Elter.

Écoutez le podcast et découvrez la vidéo de cet entretien réalisé par La Radio du Cinéma, au cœur du Festival de la Correspondance de Grignan.

Au lendemain d'une soirée particulièrement puissante au Festival de la Correspondance de Grignan, nous avons rencontré Stéphane WOJTOWICZ et Thierry FREMONT, interprètes de "Puisse l'âge de la haine finir", une lecture la correspondance entre Stefan Zweig et Romain Rolland.

"c'est un spectacle, réaliste, malheurement, 

"celui qui connaît son histoire connaît le présent et le futur. Les mêmes mécanismes amènent toujours aux mêmes catastrophes."

Une rencontre riche, sensible et "actuelle", à retrouver dans notre entretien.

Au micro de La Radio du Cinéma, il évoque les grandes figures féminines qu'il accompagnera dans les lectures cette semaine – Marie Stuart, Artemisia Gentileschi et Colette –, la relation unique qui se crée avec le public de Grignan, sa réflexion sur le temps qui passe, ainsi que son actualité au cinéma avec le film Chercher la fille de Thomas Salvador.

L'entretien s'achève sur une déclaration d'amour au septième art qui résume à elle seule sa vision du cinéma : « Le cinéma, c'est mieux que la vie… c'est une heure et demie où l'on aimerait habiter. »

1) Le combat qui a imprimé son nom dans la pop culture

Tout commence vraiment quand il croise Bruce Lee à l’écran dans Way of the Dragon / Return of the Dragon (1972).
Un face-à-face au Colisée, une tension simple, une chorégraphie nette : c’est le genre de scène qui crée une légende en quelques minutes.

2) Les débuts “Norris en solo”

Avant les grandes franchises et la TV, il installe son style avec un premier rôle marquant : Breaker! Breaker! (1977).
Puis il enchaîne des films où le héros ne discute pas longtemps : il agit, point.

À revoir dans cette veine :

• Silent Rage (1982)

• Lone Wolf McQuade (1983)

3) Les années 80 : l’âge “cassette usée à force de rembobiner”

C’est la période où son cinéma devient une signature : missions, ennemis, justice expéditive, et cette impression que le générique devrait parfois démarrer avant la fin du film.

Dans le lot, plusieurs titres-phares :

• Missing in Action (1984)

• Code of Silence (1985)

• Invasion U.S.A. (1985)

• The Delta Force (1986)

4) La série qui l’a rendu “hebdomadaire”

Le passage à la télévision avec Walker, Texas Ranger, c’est l’installation durable : une présence régulière, un personnage direct, une identité immédiatement reconnaissable.

5) Les clins d’œil pop : la légende qui s’invite elle-même

Quand la culture internet s’empare de son image, Norris suit le mouvement avec des apparitions “sourire en coin” :

• Caméo en “lui-même” dans Dodgeball (2004)

• Retour événement dans The Expendables 2 (2012)

consulter notre article sur les Chuck Norris facts

Pour beaucoup, Bruno Salomone restera Denis Bouley dans Fais pas ci, fais pas ça : une comédie du quotidien tenue au cordeau, sans caricature.
Avant ça, il y a eu la scène et la troupe — Nous Ç Nous, avec Jean Dujardin — puis le cinéma populaire où il savait laisser une empreinte nette, comme Igor d’Hossegor dans Brice de Nice.

Il avait aussi cette curiosité de jeu qui l’empêchait de se répéter. Dans une interview, il résumait ça simplement : “j’aime varier les plaisirs.”
En 2025, il poursuivait encore ce mouvement avec A priori sur France 3.

Et puis il y a la voix : Burger Quiz, le doublage, ce travail souvent invisible qui finit par devenir familier pour tout le monde.

Ici, on garde l’image d’un acteur précis, élégant, capable de faire exister un personnage sans le souligner au stabilo.

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