« Un pour tous et tous pour un » va bientôt résonner dans les écouteurs. Audible prépare une nouvelle adaptation des Trois Mousquetaires, le roman d’Alexandre Dumas, sous la forme d’une fiction interprétée par plusieurs comédiens et spécialement conçue pour l’écoute.

Le premier nom annoncé est celui de Camille Cottin. La comédienne incarnera Milady de Winter, espionne et adversaire déterminante de d’Artagnan, Athos, Porthos et Aramis.

Camille Cottin sera Milady en français et en anglais

Camille Cottin interprétera Milady dans les deux versions de cette création Audible Original. Les adaptations française et anglaise seront proposées le même jour, le 3 septembre 2026.

Révélée à un large public par Dix pour cent, la comédienne a depuis multiplié les rôles en France et à l’international. Elle a notamment joué dans la série Killing Eve, dans House of Gucci de Ridley Scott et dans Mystère à Venise de Kenneth Branagh.

Le choix de Camille Cottin place immédiatement Milady au centre de l’annonce. Le personnage devra ici imposer sa présence sans costume ni regard porté vers la caméra : ses intentions, ses changements de ton et ses zones d’ombre passeront d’abord par la voix.

Les Trois Mousquetaires sur Audible : une sortie le 3 septembre 2026

La nouvelle fiction audio sera disponible exclusivement sur Audible à partir du 3 septembre 2026. La plateforme n’a pas encore communiqué sa durée, son éventuel découpage en épisodes ni le prix d’accès au titre.

Camille Cottin reste, à ce jour, la seule interprète officiellement annoncée. Les voix de d’Artagnan, Athos, Porthos, Aramis, Constance Bonacieux et du cardinal de Richelieu n’ont pas encore été révélées.

Une fiction audio conçue comme un spectacle sonore

Cette adaptation ne prendra pas la forme d’une simple lecture du roman. Le jeu des comédiens sera accompagné de bruitages, d’ambiances et de musique afin de restituer les duels, les chevauchées, les conversations secrètes et les intrigues de cour.

La production sera proposée en Dolby Atmos. Sur les appareils et les écouteurs compatibles, cette technologie d’audio spatial permet de situer plus précisément les sons autour de l’auditeur. Audible précise que les titres concernés peuvent également être écoutés dans un format stéréo classique.

Le son devient ainsi le principal outil de mise en scène. Le choc des épées, les pas dans un corridor, le galop d’un cheval ou une voix murmurée pourront construire un décor sans passer par l’image. Une manière de retrouver une part du pouvoir d’évocation des grandes musiques et des dialogues de cinéma.

Milady et Constance replacées au premier plan

Audible annonce une approche contemporaine du roman, avec une place plus importante accordée à Milady de Winter et à Constance Bonacieux. Selon la présentation du projet, les deux femmes disposeront de motivations, d’initiatives et de trajectoires plus développées.

Milady ne sera donc pas seulement l’adversaire qui contrarie les projets des mousquetaires. Espionne, manipulatrice et survivante, elle devrait apparaître comme l’un des moteurs politiques et dramatiques du récit.

Face à elle, Constance Bonacieux est présentée comme une femme de courage qui refuse de rester un simple pion dans les affaires de la couronne.

Cette nouvelle répartition des points de vue ne devrait pas faire disparaître l’amitié de d’Artagnan et des trois mousquetaires. Audible promet de conserver l’énergie, l’humour et le panache du récit de cape et d’épée.

Pourquoi le roman d’Alexandre Dumas se prête à la fiction audio

Les Trois Mousquetaires paraît initialement en feuilleton dans le journal Le Siècle en 1844. Cette publication par épisodes explique en partie son rythme soutenu, ses rebondissements et ses fins de chapitres conçues pour relancer immédiatement l’aventure.

Le roman suit le jeune d’Artagnan, arrivé à Paris avec l’espoir d’intégrer les mousquetaires du roi. Après des débuts mouvementés, il se lie avec Athos, Porthos et Aramis. Tous les quatre se retrouvent entraînés dans des complots où s’affrontent fidélités personnelles, intérêts politiques et secrets de cour.

Cette construction convient naturellement à une adaptation sonore : les affrontements peuvent s’entendre, les complots se deviner dans un silence et les personnages se reconnaître à leur manière de parler. Le feuilleton littéraire retrouve ainsi une forme de rendez-vous audio, près de deux siècles après sa première publication.

Audible poursuit ses adaptations de classiques

Les Trois Mousquetaires rejoint plusieurs œuvres littéraires déjà adaptées sous le label Audible Original. La plateforme a notamment produit une version de 1984 en 2024 avec Laetitia Casta, Lambert Wilson et Dali Benssalah.

En 2025, Orgueil et Préjugés a réuni Lyna Khoudri, Lucas Bravo et Aïssa Maïga. Audible a également développé la série audio Marvel’s Wastelanders, portée notamment par Antoine de Caunes, José Garcia, Catherine Deneuve et Stefi Celma.

Selon un sondage OpinionWay réalisé pour Audible en mars 2026, près de trois Français sur dix ont déjà écouté un livre audio.

Infos pratiques

• Titre : Les Trois Mousquetaires
• Format : fiction audio Audible Original
• Date de sortie : 3 septembre 2026
• Lieu : diffusion en ligne
• Horaires : écoute à la demande après la mise en ligne
• Plateforme : Audible
• Langues annoncées : français et anglais
• Interprète confirmée : Camille Cottin dans le rôle de Milady de Winter
• Son : Dolby Atmos sur les appareils compatibles
• Durée : non communiquée
• Autres membres du casting : annonces à venir
• Accès et tarif : modalités propres au titre non communiquées à ce jour

Camille Cottin, Les Trois Mousquetaires, Audible Original, Milady de Winter, fiction audio, Alexandre Dumas, Dolby Atmos.

L’événement, présenté par son organisation comme le deuxième plus ancien festival de cinéma au monde, a placé plusieurs générations de cinéastes et d’interprètes sous les projecteurs. Le scénario de cette semaine tchèque tenait en quelques noms : Dustin Hoffman, Juliette Binoche, Robert Richardson, Maggie Gyllenhaal, Jesse Eisenberg, Jeffrey Wright et Magda Vášáryová.

Mais Karlovy Vary n’est pas seulement un tapis rouge. La compétition a également donné de la visibilité à de nouveaux films venus de Birmanie, de République tchèque, de France, du Danemark, du Liban, de Suisse et de Slovaquie. Une manière de rappeler qu’un festival compte autant par les carrières qu’il célèbre que par celles qu’il aide à commencer.

Dustin Hoffman reçoit le Globe de cristal et retrouve Le Lauréat

Le premier grand moment de l’édition a eu lieu pendant la cérémonie d’ouverture du vendredi 3 juillet, dans la grande salle de l’hôtel Thermal. Dustin Hoffman y a reçu le Globe de cristal pour sa contribution artistique exceptionnelle au cinéma mondial.

Le comédien aux deux Oscars a ensuite présenté Le Lauréat, le film de Mike Nichols qui avait lancé sa carrière à la fin des années 1960. Devant le public de Karlovy Vary, il a évoqué la quête d’identité qui traverse le personnage de Benjamin Braddock et, plus largement, une vie d’acteur : « Nous passons des années à nous chercher. Et je cherche encore aujourd’hui », a-t-il confié.

Ce retour au Lauréat ne relevait pas seulement de la séance nostalgique. Le film reste l’un des jalons du Nouvel Hollywood, lorsque les héros sûrs d’eux ont laissé la place à des personnages hésitants, décalés, parfois incapables de suivre le tempo que la société leur imposait. Simon et Garfunkel ne sont jamais très loin.

Juliette Binoche, un Globe de cristal et le souvenir d’Abbas Kiarostami

Le Globe de cristal pour contribution artistique a également été remis à Juliette Binoche pendant la cérémonie de clôture. L’actrice française a présenté trois œuvres liées à son parcours : In-I in Motion, Trois Couleurs : Bleu de Krzysztof Kieślowski et Copie conforme d’Abbas Kiarostami.

À Karlovy Vary, elle a raconté la naissance singulière de sa collaboration avec le réalisateur iranien. Abbas Kiarostami l’avait invitée à Téhéran avant de lui raconter une histoire qu’elle avait d’abord prise pour un récit réel. Il lui avait ensuite révélé que tout était inventé — un jeu avec la vérité et la représentation qui deviendrait précisément le cœur de Copie conforme.

Leur accord avait été scellé sans contrat traditionnel : un morceau de papier, de la peinture déposée sur leurs doigts et deux empreintes en guise de signatures. Juliette Binoche avait remporté le prix d’interprétation féminine au Festival de Cannes 2010 pour ce film.

Lors de la clôture, l’actrice a défendu une vision collective de la création : « Notre travail est un cercle, pas une pyramide. Il représente le sentiment que nous sommes tous reliés », a-t-elle déclaré. Elle a également rappelé la nécessité de préserver la liberté des artistes et leur capacité à raconter le monde.

Robert Richardson honoré pour une vie passée à écrire avec la lumière

Le directeur de la photographie Robert Richardson a reçu la même distinction le 5 juillet. Trois fois récompensé aux Oscars, il a notamment travaillé avec Oliver Stone, Martin Scorsese et Quentin Tarantino.

Harvey Keitel lui a remis le trophée avant la présentation du documentaire Robert Richardson: The White Devil, réalisé par Jana Hojdová. Le film retrace plus de 10 années de sa vie et de son travail. Une occasion de remettre au centre du cadre un métier dont les choix de lumière, de contraste et de mouvement façonnent pourtant chaque plan.

Maggie Gyllenhaal et Jesse Eisenberg parmi les Prix du président

Le Prix du président du festival a été attribué à Maggie Gyllenhaal, Jesse Eisenberg, Jeffrey Wright et Magda Vášáryová.

Maggie Gyllenhaal est revenue à Karlovy Vary avec The Bride!, sa deuxième réalisation, inspirée par la figure de la fiancée de Frankenstein. Jesse Eisenberg a présenté The Double de Richard Ayoade et résumé avec humour le plaisir très humain de recevoir une récompense : « Je ne la mérite peut-être pas, mais les acteurs aiment les prix », a-t-il lancé.

Jeffrey Wright a retrouvé le festival 29 ans après sa première venue, tandis que Magda Vášáryová a été célébrée pour une carrière qui appartient pleinement à l’histoire du cinéma tchécoslovaque. Leurs distinctions complètent le portrait d’un festival attentif aux grandes filmographies comme aux mémoires culturelles de l’Europe centrale.

Fruit Gathering remporte le grand prix de Karlovy Vary 2026

Le Globe de cristal de la compétition a été attribué à Fruit Gathering, réalisé par Aung Phyoe. Cette coproduction birmane, tchèque et française suit des femmes dont les désirs et les relations se heurtent à une société où l’amour entre femmes demeure difficilement accepté.

Juliette Binoche a remis le prix au réalisateur pendant la cérémonie de clôture. Le même trophée de verre a donc raconté deux histoires distinctes : la reconnaissance d’œuvres déjà considérables pour Hoffman, Binoche et Richardson, puis l’élan donné à un cinéaste qui recevait ici son premier grand prix international.

Dans la compétition Proxima, consacrée aux propositions formelles plus aventureuses, Lover, Not a Fighter de Martina Buchelová a remporté le premier prix. Le drame danois The Guest a obtenu le Prix spécial du jury et le prix de la mise en scène pour Mads Mengel.

Ghassan Saad a reçu le prix d’interprétation masculine pour Pipes. Anna Schinz a été récompensée pour son rôle dans le drame suisse A Happy Family.

The Match en ouverture, un pickpocket new-yorkais pour la clôture

La 60e édition s’était ouverte avec The Match, documentaire de Juan Cabral et Santiago Franco consacré au match Argentine-Angleterre de la Coupe du monde de football 1986.

Le film revient sur une rencontre devenue un récit politique, populaire et mythologique, marquée par deux buts de Diego Maradona dont les images ont largement dépassé les frontières du sport.

La clôture a été confiée à The Only Living Pickpocket in New York de Noah Segan, avec John Turturro. Ce drame criminel mélancolique suit un pickpocket de la vieille école lancé dans une course à travers New York. Après les souvenirs, les trophées et les retrouvailles, Karlovy Vary a donc baissé la lumière sur une silhouette de cinéma avançant dans la ville, les mains dans les poches et le temps à ses trousses.

Infos pratiques : Festival de Karlovy Vary 2026

Dès les premières lettres, Éric-Emmanuel Schmitt s'attaque à ce qu'il appelle le « jeunisme », cette idéologie moderne qui érige la jeunesse en valeur absolue.

« Jadis, on vieillissait comme le chêne, le vin ou les Stradivarius. Aujourd'hui, on vieillit comme des yaourts. »

Une formule qui résume sa critique d'une société obsédée par l'immédiateté et la performance. Mais Eric Emmanuel Schmitt refuse toute nostalgie facile. Ce qui l'intéresse n'est pas la jeunesse biologique, mais la fraîcheur du regard.

« L'esprit s'est nettoyé et ouvert. Oui, fraîcheur, non jeunesse. »

Nathan Devers lui répond avec la même élégance. Né dans une génération qui n'a presque jamais écrit de lettres, il voit dans cette correspondance une manière de réapprendre le temps long.

« La correspondance est l'Atlantide littéraire de ma génération. »

Et ce constat ouvre l'un des fils rouges de leur échange : la dictature de la vitesse.

Schmitt observe que le numérique nous a rendus impatients jusque dans les plus petits gestes :

« La lenteur me rebute lorsque le monde me l'impose. En revanche, je savoure la mienne. »

Devers prolonge cette réflexion avec une formule saisissante :

« La vitesse a supprimé le temps... elle l'a assassiné. »

Pourtant, loin de sombrer dans le pessimisme, les deux écrivains célèbrent une époque qui offre une liberté inédite : celle de ne plus être enfermé dans une vérité unique.

Eric Emmanuel Schmitt y voit une richesse :

« Il n'y a plus de modèle unique... d'aucuns y voient un chaos, j'y saisis une opportunité. »

Et Nathan Devers lui répond par un magnifique plaidoyer pour le pluralisme :

« Ne croire qu'en l'ouverture. Contemplez le grand arc-en-ciel des sagesses divergentes. »

Le dialogue prend ensuite une tournure plus personnelle lorsqu'ils évoquent la transmission, les enfants et la responsabilité envers l'avenir.

Eric Emmanuel Schmitt résume en une phrase toute sa philosophie de la paternité :

« Mon œuvre n'est pas de posséder, mais de transmettre. »

et Nathan Devers de renchérir :

« La transmission est l'ADN de notre esprit et, à ce que je sache, notre seule raison d'être. »

L'échange culmine dans une conclusion lumineuse. Après avoir pesé les défauts et les promesses du XXIᵉ siècle, Éric-Emmanuel Schmitt répond enfin à la question qui donne son titre à cette correspondance.

« Il faut aimer notre époque, non parce qu'elle serait meilleure que les précédentes, mais parce qu'elle est la nôtre. »

Cette phrase pourrait résumer à elle seule l'esprit du Festival de la Correspondance : regarder le passé sans nostalgie, habiter pleinement le présent et écrire, toujours, pour préparer l'avenir.

Pendant près d'une heure, ces deux écrivains séparés par quarante années d'âge démontrent que la correspondance demeure un art vivant. Non pas un échange figé entre deux certitudes, mais une conversation où chaque lettre transforme celui qui l'écrit autant que celui qui la reçoit. À l'heure des réactions instantanées et des opinions définitives, cette joute épistolaire rappelle une évidence précieuse : prendre le temps de penser est peut-être le geste le plus moderne qui soit.

Sous le soleil de Grignan, où la littérature retrouve chaque été sa plus belle scène, Raphaël Enthoven a ouvert cette nouvelle édition du Festival de la Correspondance avec une réflexion fidèle à ce qui caractérise sa pensée : refuser les évidences, questionner les idées reçues et rappeler que la philosophie commence souvent là où s'arrêtent les certitudes.

Habitué des lieux, le philosophe n'est pas un simple invité de passage. Il entretient avec le festival une histoire ancienne. Il rappelle y avoir créé, il y a une quinzaine d'années, un spectacle consacré à la correspondance de Spinoza. Pour lui, Grignan demeure un rendez-vous privilégié où la littérature s'incarne autant dans les textes que dans les lectures publiques et dans cette atmosphère unique qui fait dialoguer patrimoine et création.

L'écriture n'est pas en crise

À l'heure où les échanges numériques remplacent souvent les lettres manuscrites, Raphaël Enthoven refuse tout discours nostalgique. Selon lui, l'écriture ne disparaît pas : elle se transforme. L'arrivée du courrier électronique n'a pas signé la fin de la correspondance. Bien au contraire, elle offre parfois une liberté nouvelle, débarrassée des contraintes matérielles de l'envoi postal. Pour le philosophe, écrire relève d'une nécessité profondément humaine. Chacun, à un moment de son existence, éprouve le besoin de mettre des mots sur ce qu'il traverse. Les supports changent, mais le besoin demeure intact. Cette vision optimiste replace l'écriture au cœur de l'expérience humaine plutôt qu'au cœur des évolutions technologiques.

L'intime n'est pas le privé

C'est sans doute l'un des moments les plus marquants de cet échange. Alors que les lettres d'auteurs sont régulièrement lues en public au Festival de Grignan, Raphaël Enthoven propose une distinction essentielle entre deux notions souvent confondues : le privé et l'intime. Le privé, explique-t-il, ne concerne que celui qui le vit. L'intime, au contraire, possède une dimension universelle. Il touche à ce qui, bien que profondément personnel, peut être partagé parce qu'il révèle une expérience commune de la condition humaine. C'est précisément cette dimension que révèlent les grandes correspondances littéraires, notamment celles de la Madame de Sévigné. Elles ne livrent pas simplement des confidences personnelles ; elles donnent accès à une vérité humaine qui traverse les siècles. Une grande lettre ne vaut donc pas parce qu'elle dévoile une vie privée, mais parce qu'elle permet à chacun de reconnaître une part de lui-même.

Les philosophes ne meurent jamais

Les philosophes demeurent des contemporains permanents de ceux qui les lisent. Dialoguer avec Platon, Socrate ou Vladimir Jankélévitch ne relève pas de l'imaginaire mais de la lecture elle-même. Les idées survivent à leurs auteurs. Les textes continuent de répondre aux questions qu'on leur adresse, génération après génération. Une manière de rappeler que la philosophie est moins une affaire d'histoire qu'un dialogue ininterrompu.

La démocratie exige une vigilance permanente

Lorsque la conversation se tourne vers son propre travail d'auteur, Raphaël Enthoven refuse toute posture monumentale. Il ne souhaite pas que ses écrits soient retenus pour leur valeur patrimoniale. En revanche, il espère contribuer à une réflexion devenue essentielle : celle de la fragilité de la démocratie. Selon lui, une démocratie est d'abord menacée par elle-même. Le danger réside dans l'endormissement collectif, dans la démission civique, dans le confort qui pousse à éviter les conflits et à renoncer peu à peu à l'exercice de la liberté. Le philosophe insiste sur la nécessité de rester éveillé, vigilant et prêt à accepter le débat, voire la provocation, tant qu'elle demeure dans le cadre fixé par la loi.

Une liberté qui ne s'exerce plus finit toujours par s'affaiblir.

Un détour par le cinéma

À la demande de La Radio du Cinéma, la discussion s'ouvre également sur le septième art. Interrogé sur le succès du film consacré au Charles de Gaulle, Raphaël Enthoven choisit une position de principe : ne jamais commenter une œuvre qu'il n'a pas vue. Il préfère évoquer un autre film, qu'il considère comme indispensable : L'Abandon, consacré au destin tragique de Samuel Paty. Selon lui, cette œuvre mérite d'être vue par tous les Français tant elle interroge notre rapport à la liberté, à l'école et aux valeurs démocratiques.

En juillet 2026, les festivals de cinéma irriguent la France : La Rochelle, Foix, Marseille, Toulon, Prades, Paris et Lama rythment un mois dense en projections.

Juillet a toujours un goût particulier pour les cinéphiles : les salles respirent autrement, les places publiques se transforment en écrans, les ports, les villages et les grandes villes accueillent des œuvres rares, des avant-premières, des rétrospectives et des débats. Pour La Radio du Cinéma, voici les rendez-vous pour bâtir un agenda cinéstival.

Festival La Rochelle Cinéma 2026 : Jacques Tati en affiche, Diane Keaton et Youssef Chahine au programme

Festival Résistances à Foix : 30e édition, films et débats du 3 au 11 juillet

À Foix, le Festival Résistances fête sa 30e édition du 3 au 11 juillet 2026. Sa promesse reste claire : des films, des débats, des invités, des séances en plein air et un cinéma pensé comme outil de réflexion collective.

Les axes 2026 donnent le ton : Kapital Santé, lutte contre l’extrême droite, extractivismes, Inde, fête et idées communes. C’est l’un des rendez-vous les plus engagés de l’été, avec une attention forte portée à l’accessibilité, aux séances accompagnées et au public sourd ou malentendant.

Infos pratiques
Dates : du 3 au 11 juillet 2026
Lieu principal : L’Estive, scène nationale de Foix et de l’Ariège
Adresse : 20 avenue du Général-de-Gaulle, 09000 Foix
Tarifs annoncés : séance à 5,50 €, carnet 10 places à 45 €, pass adulte à 65 €
Contact : accueil@festival-resistances.fr

FIDMarseille 2026 : cinéma international, premières mondiales et débats brûlants

Le FIDMarseille tient sa 37e édition du 7 au 12 juillet 2026. L’événement reste l’un des postes d’observation les plus vifs du cinéma contemporain : compétitions internationales, films français, premiers films, formats expérimentaux, rétrospective Rabah Ameur-Zaïmeche, focus Mariana Caló et Francisco Queimadela, FIDLab, FIDCampus et soirées FIDNights.

L’actualité de l’édition 2026 dépasse aussi la programmation. Le retrait de Nadav Lapid, initialement attendu dans le jury, a déclenché un débat public sur le boycott culturel et le rôle des festivals. Le FID maintient son calendrier et met en avant une sélection annoncée comme particulièrement dense.

Infos pratiques
Dates : du 7 au 12 juillet 2026
Lieux : Artplexe Canebière, Les Variétés, La Baleine, Videodrome 2, Alcazar, Mucem, Théâtre Silvain et autres lieux marseillais
Tarifs annoncés : pass plein tarif à 75 €, pass réduit à 55 €, séance à partir de 9 €
Contact : welcome@fidmarseille.org

Ciné Rencontres de Prades : Robert Redford à l’honneur pour la 67e édition

Les Ciné Rencontres de Prades s’installent du 18 au 25 juillet 2026. Cette 67e édition rend hommage à Robert Redford, acteur, cinéaste et fondateur du Sundance Film Festival.

Le rendez-vous conserve son identité : films d’auteur, œuvres accompagnées, échanges avec cinéastes, acteurs, producteurs et critiques. À Prades, la cinéphilie se vit à hauteur humaine, dans un festival dont la longévité en fait un repère majeur du calendrier français.

Infos pratiques
Dates : du 18 au 25 juillet 2026
Lieu : Cinéma Le Lido, 174 avenue du Général-de-Gaulle, 66500 Prades
Tarifs annoncés : séance de 5 € à 8 €, pass complet de 55 € à 75 €
Contact : +33 4 68 05 20 47
Site : cine-rencontres.org

Festival du film de Lama : cinéma sous les étoiles en Haute-Corse

Le Festival du film de Lama annonce sa 32e édition du 25 au 31 juillet 2026. Dans ce village de Balagne, le cinéma se regarde sous les étoiles, au rythme des projections, des discussions du lendemain et de la vie du festival.

Infos pratiques
Dates : du 25 au 31 juillet 2026
Lieu : village de Lama, Haute-Corse
Adresse administrative : Maison de la Culture et du Tourisme, 20218 Lama
Contact : +33 4 95 48 21 60 — info@festilama.org
Site : festilama.org

Avec La Bataille de Gaulle – Partie 1 : L’Âge de fer et La Bataille de Gaulle – Partie 2 : J’écris ton nom, Antonin Baudry propose bien plus qu’un diptyque consacré au général de Gaulle. Il signe une fresque populaire, politique et profondément cinématographique, qui replace la France au centre de son propre récit. Sans excès patriotique mais avec une conviction forte : l’Histoire française mérite d’être racontée avec nos images, nos voix, nos contradictions.

Une fresque française ambitieuse

Il y a des films que l’on juge seulement sur leur mise en scène, leur rythme ou leurs performances. Et puis il y a ceux qui touchent à quelque chose de plus large : notre manière de regarder l’Histoire.

La Bataille de Gaulle appartient à cette deuxième catégorie.

Dans L’Âge de fer puis J’écris ton nom, Antonin Baudry ne cherche pas seulement à raconter Charles de Gaulle. Il tente de faire exister au cinéma un moment de bascule : celui où la France, vaincue militairement en 1940, refuse pourtant de disparaître politiquement et symboliquement.

Ce qui frappe, c’est que le film ne se contente pas de répéter une grande figure nationale. Il lui redonne une tension dramatique. De Gaulle n’est pas présenté comme une statue déjà figée dans le marbre. Il apparaît comme un homme seul, obstiné, contesté, qui tente de donner une forme à une France qui n’a presque plus de poids, presque plus d’armée, presque plus de crédit diplomatique.

Simon Abkarian, de Gaulle sans imitation figée

Simon Abkarian est exceptionnel dans le rôle de Charles de Gaulle. Il ne cherche pas l’imitation mécanique. Il compose une présence, une verticalité, une inquiétude contenue. Son de Gaulle impressionne parce qu’il semble constamment lutter contre son isolement, contre le doute des autres, mais aussi contre ce que l’époque voudrait faire de lui : un vaincu de plus.

Face à lui, Simon Russell Beale donne à Churchill une densité remarquable mais il faut citer tout le casting: Niels Schneider, Félix Kysyl, Anamaria Vartolomei, Thierry Lhermitte, Benoît Magimel, Loïc Corbery, Mathieu Kassovitz, Karim Leklou et les autres comédiens.

C’est l’une des grandes réussites du diptyque : faire sentir que l’Histoire n’avance pas seulement par discours ou par dates, mais par visages, par conflits, par fidélités, par hésitations.

Quand notre mémoire vient surtout d’Hollywood

Ce que La Bataille de Gaulle provoque, au-delà du film lui-même, c’est une prise de conscience : une grande partie de notre imaginaire de la Seconde Guerre mondiale nous arrive par des œuvres américaines ou britanniques.

Certaines sont immenses.

Il faut sauver le soldat Ryan a fixé dans les mémoires une vision brutale, physique, inoubliable d’Omaha Beach. Band of Brothers a donné un visage à Easy Company. The Big Red One raconte la guerre depuis l’expérience du soldat américain. Patton installe au centre du récit la figure du chef militaire américain.

Côté britannique, Dunkerque filme l’évacuation de 1940 avec une maîtrise impressionnante, mais le rôle de l’armée française restait en périphérie. Darkest Hour raconte le même moment depuis les couloirs du pouvoir britannique, avec Churchill au centre.

Même Le Jour le plus long, fresque monumentale et polyphonique, laisse les figures françaises dans une présence éclatée : la Résistance, les commandos Kieffer, les civils normands. Ils existent, mais pas avec le même poids symbolique que les grandes figures américaines et britanniques.

Et l’exemple de U-571, vivement critiqué au Royaume-Uni pour avoir déplacé vers des Américains un épisode lié à Enigma, rappelle jusqu’où Hollywood peut parfois absorber l’Histoire des autres pour en faire son propre récit.

Ce constat ne retire rien à ces films.

Mais il explique pourquoi La Bataille de Gaulle touche autrement.

Pas un repli, une reprise de parole

Ce qui m’a touché dans ces deux films, ce n’est pas un élan nationaliste. Ce n’est pas le besoin de se raconter “meilleurs” que les autres. C’est au contraire une impression plus simple, plus saine : celle de voir la France reprendre sa place dans son propre récit.

Le film ne dit pas que les autres récits sont faux. Il dit qu’ils ne suffisent pas.

La France n’est pas seulement un décor traversé par les armées alliées. Elle n’est pas seulement un pays vaincu, une terre libérée, une blessure stratégique. Elle est aussi un sujet politique, culturel, militaire, humain. Un pays qui tente de rester debout quand tout l’invite à disparaître.

C’est là que le cinéma devient plus qu’un divertissement. Il devient un outil de mémoire.

Une musique tendue, presque clinique

La musique joue un rôle essentiel dans cette impression de gravité tenue. Volker Bertelmann, pour L’Âge de fer, puis Théo Cascio, pour J’écris ton nom, accompagnent le récit sans l’écraser.

À certains moments, leurs partitions rappellent, à l’oreille, les tonalités cliniques que l’on associe parfois à Ludwig Göransson : pulsations froides, lignes tendues, matière sonore presque chirurgicale. Non pas une musique illustrative, mais une tension intérieure. Comme si l’Histoire avançait dans un espace mental autant que militaire.

Cette couleur musicale évite l’emphase permanente. Elle ne cherche pas à fabriquer artificiellement l’émotion. Elle installe une inquiétude, une précision, une modernité sonore qui empêchent le film de devenir une simple reconstitution patrimoniale.

Un film qui résonne avec l’actualité audiovisuelle

Cette question du récit français dépasse largement le cinéma historique.

À moins d’un an de l’élection présidentielle de 2027, l’audiovisuel français se retrouve face à une contradiction majeure. Les acteurs locaux évoluent dans un cadre très encadré, fragmenté, contraignant, tandis que des plateformes mondiales, puissantes et concentrées, occupent désormais les mêmes écrans, les mêmes téléviseurs connectés, les mêmes marchés publicitaires.

Le sujet n’est pas technique. Il est culturel.

Produire nos films, nos séries, nos documentaires, nos récits historiques, ce n’est pas seulement alimenter une industrie. C’est préserver notre capacité collective à nous raconter nous-mêmes. Avec nos nuances, nos contradictions, notre rapport à l’autorité, à la liberté, à la parole publique, au doute, à l’héroïsme et à la mémoire.

La culture américaine produit des œuvres puissantes, parfois admirables. Mais elle ne peut pas devenir notre seul horizon. Ses films, ses séries, ses codes moraux, parfois puritains ou simplement éloignés de notre sensibilité, ne correspondent pas toujours à notre manière de regarder le monde.

Voir une grande fresque française tenter de raconter l’Histoire depuis notre point de vue, ce n’est pas se replier.

C’est reprendre de l’espace. Cette ambition n’a rien d’anecdotique. Elle pose une question très simple : voulons-nous encore donner aux créateurs français les moyens de produire nos grands récits ?

Un pays qui ne raconte plus lui-même son histoire finit par la recevoir avec les images, les priorités et les sensibilités des autres.

La Bataille de Gaulle rappelle que le cinéma peut encore être ce lieu où une mémoire reprend voix.

Patrice Caillet - La Radio Du Cinéma

Infos pratiques

• Film : La Bataille de Gaulle – Partie 1 : L’Âge de fer
• Sortie cinéma France : 3 juin 2026
• Durée : 159 minutes
• Réalisation : Antonin Baudry
• Distribution : Simon Abkarian, Simon Russell Beale, Florian Lesieur, Benoît Magimel, Mathieu Kassovitz, Loïc Corbery, Anamaria Vartolomei, Niels Schneider, Félix Kysyl, Karim Leklou
• Film : La Bataille de Gaulle – Partie 2 : J’écris ton nom
• Sortie cinéma France : 26 juin 2026
• Durée : 160 minutes

À lire aussi sur La Radio du Cinéma

• Les podcasts cinéma de La Radio du Cinéma
• L’agenda cinéma : festivals, avant-premières et événements
• L’actualité cinéma sur La Radio du Cinéma

• La Bataille de Gaulle
• Antonin Baudry
• Simon Abkarian
• Charles de Gaulle
• Cinéma français
• Film historique
• Seconde Guerre mondiale
• Pathé Films

Sources

• Pathé Films – La Bataille de Gaulle – L’Âge de fer
• Pathé Films – La Bataille de Gaulle – Partie 2 : J’écris ton nom
• La Radio du Cinéma

Pour La Radio du Cinéma, Jules Violon, Anakhin Jeudy et Eden Vaisse étaient présents lors de cette projection.

Une histoire racontée de l'intérieur

Le film suit AJ Dungo, adolescent passionné de skateboard, dont la vie bascule lorsqu'il rencontre Kristen, une jeune surfeuse. Leur relation évolue au fil des années jusqu'au retour de la maladie qui frappe la jeune femme.

Parce que le récit est directement inspiré de la vie de son auteur, In Waves conserve une grande retenue dans sa manière d'aborder ses personnages.

« C'est une œuvre très intime », observe Jules Violon. « On suit leur quotidien avec ses moments les plus simples, jusqu'à ce que la maladie prenne une place de plus en plus importante. »

Le récit ne cherche jamais à dramatiser artificiellement les situations. Il préfère montrer comment un couple continue d'avancer lorsque le temps devient compté.

Les vagues comme fil conducteur

Le surf occupe une place centrale dans le film.

Mais il dépasse rapidement le simple loisir pour devenir une véritable métaphore du récit.

« Le film parle de ces vagues que l'on rencontre dans une vie », explique Jules. « L'idée n'est pas de les affronter frontalement, mais d'apprendre à avancer avec elles. »

Une lecture que partage Anakhin Jeudy.

« Le surf devient presque une manière de continuer à vivre. C'est par lui que les personnages retrouvent un équilibre lorsqu'ils traversent les périodes les plus difficiles. »

Une écriture qui assume sa simplicité

Les dialogues privilégient des situations du quotidien, parfois légères, parfois plus silencieuses.

Pour Jules, cette simplicité participe pleinement à l'identité du film.

« Certains échanges peuvent sembler très directs, mais ils restent cohérents avec le fait qu'il s'agit d'un récit autobiographique. Je n'y vois pas des clichés ; j'y vois une écriture qui assume sa sincérité. »

Cette dimension autobiographique apparaît d'ailleurs au cœur même du scénario.

« Kristen demande à AJ de raconter leur histoire à travers son dessin », rappelle Anakhin. « C'est exactement ce qui donnera naissance au roman graphique, puis aujourd'hui au film. »

Une identité visuelle très affirmée

Sur le plan graphique, In Waves est l'une des propositions les plus singulières de cette édition.

Réalisé par Silex Animation, le film associe animation 3D et rendu pictural au point de brouiller les repères.

« Plusieurs fois, on s'est demandé si l'on regardait de la 2D ou de la 3D », raconte Eden Vaisse. « Pourtant, nous faisons tous les trois des études d'animation. C'est dire le niveau de maîtrise technique. »

Les décors conservent volontairement l'aspect d'un concept art ou d'un color script.

« On a presque l'impression que les peintures préparatoires ont directement été intégrées au film », remarque Jules. « Les couleurs, les textures et la lumière donnent une véritable personnalité à chaque décor. »

Anakhin souligne également le travail réalisé sur les transitions.

« Elles accompagnent constamment le récit et créent une vraie continuité visuelle. Elles participent énormément au rythme du film. »

L'avis des équipes 

Avec In Waves, Phuong Mai Nguyen adapte fidèlement l'univers graphique et narratif d'AJ Dungo sans chercher à en amplifier artificiellement les effets.

Le film trouve sa force dans son équilibre : une mise en scène maîtrisée, une direction artistique particulièrement soignée et une écriture qui laisse la place aux silences autant qu'aux dialogues.

À la sortie de la projection, les réactions du public témoignaient de l'accueil réservé à cette proposition. Plusieurs spectateurs sont restés de longues minutes dans la salle avant d'échanger avec l'équipe du film.

In Waves confirme qu'un film d'animation peut raconter une histoire intime avec une grande sobriété, tout en proposant une recherche graphique parmi les plus remarquables de cette édition du Festival d'Annecy.

Pour La Radio du Cinéma, Jules Violon, Anakhin Jeudy et Eden Vaisse ont assisté à cette projection particulièrement attendue.

Une enquête qui dépasse le simple récit historique

Le récit s'ouvre sur un ancien agent du Mossad, désormais retraité, hanté par les fantômes de son passé. En rouvrant un dossier oublié, il replonge dans l'opération qui conduira à l'arrestation de Klaus Barbie, surnommé le « Boucher de Lyon ».

Mais très vite, le film élargit son propos.

Autour de cet ancien agent gravitent plusieurs personnages, chacun confronté à sa propre histoire, à ses blessures et à son rapport à la mémoire de la Shoah.

Pour Jules Violon, c'est là que réside toute la richesse du scénario.

« Le film ne raconte pas seulement un épisode historique. Il montre aussi comment plusieurs générations vivent avec cet héritage. Il y a notamment ce personnage allemand qui cherche à réparer, d'une certaine manière, les fautes de son père. »

Jusqu'où peut aller la justice ?

Derrière le thriller historique, Le Dossier de l'Aube pose une question universelle.

Que signifie réellement rendre justice ?

Anakhin Jeudy a particulièrement été marqué par cette réflexion.

« Le thème principal du film, ce n'est finalement pas seulement l'Holocauste. C'est celui de la violence légitime. Est-ce que tuer un criminel constitue une forme de justice ? Ou faut-il absolument passer par les institutions, même après l'horreur ? Le film ne tranche jamais vraiment, et c'est ce qui le rend passionnant. »

Une ambiguïté morale qui accompagne le spectateur jusqu'à la dernière scène.

Une animation pensée pour un public adulte

Sur le plan visuel, le film affiche de grandes ambitions.

Réalisé par les studios Superprod et Mélusine Studio, il adopte une esthétique mêlant animation 3D et rendu 2D, dans une approche qui rappelle certaines productions contemporaines.

« On pense immédiatement à Arcane », observe Jules Violon.

Anakhin y voit également des similitudes avec l'univers graphique du jeu vidéo The Wolf Among Us.

Les jeux de lumière, les textures et la stylisation des personnages confèrent au film une identité forte, tout en conservant une grande lisibilité du récit.

Pour Eden Vaisse, cette direction artistique participe pleinement à la réussite du projet.

« C'est un film extrêmement ambitieux. On sent immédiatement qu'il s'agit d'une grosse production et c'est aussi une belle démonstration du savoir-faire des studios français. »

L'animation change de regard

Au-delà de ses qualités artistiques, Le Dossier de l'Aube illustre une évolution plus profonde du cinéma d'animation.

Depuis le début du Festival, les trois journalistes constatent que de nombreuses œuvres s'adressent désormais clairement à un public adulte.

« J'ai vraiment l'impression que cette édition d'Annecy cherche à démontrer que l'animation n'est plus seulement destinée aux enfants », souligne Jules Violon.

Une observation qui fait directement écho aux débats entendus quelques heures plus tôt lors de la conférence consacrée à la nouvelle génération du stop motion.

Pour Anakhin Jeudy, les deux approches se rejoignent.

« Les intervenants parlaient de transmission et d'un cinéma capable d'aborder des sujets de société. Le Dossier de l'Aube en est une parfaite illustration. Il montre que l'animation peut porter des récits historiques complexes avec une immense force émotionnelle. »

L'avis de la rédaction

Avec Le Dossier de l'Aube, l'animation démontre une nouvelle fois qu'elle peut s'emparer des grandes pages de l'Histoire sans perdre de sa puissance narrative. Porté par une réalisation ambitieuse et une réflexion profonde sur la mémoire, la justice et la responsabilité, le film dépasse le simple thriller historique pour devenir une véritable œuvre de débat.

Ce qui frappe surtout, c'est sa capacité à ne jamais imposer de réponse. Le spectateur ressort avec ses propres interrogations, partagé entre le besoin de justice, le poids de la vengeance et la nécessité de transmettre la mémoire.

Pour La Radio du Cinéma, Anakhin Jeudy a assisté à cette rencontre animée par Angelica Lares, en présence de Jean-François Le Corre (Vivement Lundi !), Esther Kemi Gbadamosi et Siwar Peralta, trois artistes venus d'horizons très différents mais réunis par une même envie : transmettre leur savoir-faire et raconter le monde autrement.

Quand le stop motion devient un outil de transmission

Le Péruvien Siwar Peralta a ouvert la discussion en racontant comment sa découverte de l'animation, lors du Moyobamba Festival au cœur de l'Amazonie, a profondément changé son parcours.

Son ambition dépasse aujourd'hui la création de films.

Il souhaite permettre aux communautés autochtones de raconter elles-mêmes leurs histoires grâce à l'animation.

« Beaucoup de ces populations n'ont pas toujours accès aux médias traditionnels. Le stop motion devient alors un moyen de transmettre leur culture et leur parole », résume Anakhin.

Pour accompagner cette démarche, Siwar Peralta développe aujourd'hui un laboratoire de création et travaille à la mise en place d'un véritable centre de formation destiné aux jeunes artistes de sa région.

L'Afrique construit sa propre industrie

Même volonté de transmission chez Esther Kemi Gbadamosi.

L'animatrice nigériane est revenue sur son parcours, marqué par un tournant décisif pendant la pandémie.

« Le Covid lui a fait prendre conscience qu'elle devait consacrer toute son énergie à ce qui la passionnait vraiment : l'animation. »

Après avoir commencé seule, elle dirige aujourd'hui une équipe d'une dizaine de collaborateurs et multiplie les coproductions internationales.

Elle a également expliqué les difficultés rencontrées sur le continent africain, longtemps privé d'accès aux équipements spécialisés utilisés en stop motion.

« Pendant des années, les artistes travaillaient avec des matériaux de récupération, faute de pouvoir se procurer les armatures professionnelles utilisées en Europe ou aux États-Unis. »

Les coproductions lui permettent désormais d'accéder à ces outils, tout en poursuivant un objectif plus vaste : former une nouvelle génération d'animateurs africains.

Ses grandes sources d'inspiration ? Chicken Run et Pinocchio de Guillermo del Toro, deux œuvres qui lui ont montré jusqu'où pouvait aller le cinéma en stop motion.

La France défend un artisanat d'auteur

De son côté, Jean-François Le Corre, producteur au sein du studio Vivement Lundi !, a replacé cette nouvelle dynamique dans une perspective historique.

Il a rappelé que, dans les années 1970, les programmes japonais et américains dominaient largement les écrans français.

« Il a fallu attendre les années 1980 et l'émergence de studios comme Folimage pour que l'animation française retrouve sa place. »

Aujourd'hui encore, le défi reste économique.

Les budgets des productions françaises n'ont rien de comparable avec ceux de grands studios comme LAIKA.

« Un long métrage français en stop motion représente entre six et huit millions d'euros. Ce n'est pas la même échelle de production… mais ce n'est pas non plus le même objectif. »

Pour lui, l'ambition n'est pas de rivaliser avec la perfection technique des grandes productions américaines.

« Même avec huit millions d'euros, on peut réaliser un film qui possède autant d'âme qu'une production LAIKA. »

Une phrase qui a particulièrement marqué Anakhin.

Une discipline qui s'adresse désormais à tous

Autre évolution majeure évoquée lors de la conférence : le changement de regard porté sur le stop motion.

Longtemps associé aux programmes destinés aux plus jeunes, il s'impose désormais comme un véritable cinéma d'auteur.

Jean-François Le Corre cite notamment Ma vie de Courgette ou Interdit aux chiens et aux Italiens, qui ont démontré qu'un film en stop motion pouvait émouvoir un public adulte et traiter de sujets profondément contemporains.

La transmission comme moteur

Au fil des échanges, un mot est revenu sans cesse : transmission.

Transmission des techniques, des cultures, des récits, mais aussi des réseaux de production.

Jean-François Le Corre a insisté sur l'importance des coproductions européennes.

« Il faut construire des partenariats solides et surtout associer ses partenaires dès le début du projet. Sinon, on risque de perdre l'essence même du film. »

Il a également évoqué le rôle de dispositifs comme Génération Stop Motion, développé en Bretagne, qui accompagne les jeunes artistes souhaitant se former à cette discipline encore confidentielle.

L'avis d'Anakhin

« Cette conférence m'a rappelé que le stop motion est bien plus qu'une technique d'animation. C'est un artisanat, un langage artistique et surtout un bel outil de transmission. 

Qu'il s'agisse des communautés amazoniennes, des créateurs africains ou des studios européens, chacun défend une animation ancrée dans son identité culturelle. À Annecy, on comprend que l'avenir du stop motion ne se jouera pas seulement sur les innovations techniques, mais aussi sur la diversité des histoires racontées et sur la capacité à transmettre ce savoir-faire aux générations futures. C'est probablement la plus belle leçon de cette conférence. »

— Anakhin Jeudy, correspondant de La Radio du Cinéma au Festival international du film d'animation d'Annecy 2026

Pour Jules Violon, de La Radio du Cinéma, cette séance avait quelque chose d'unique : « C'était assez émouvant de voir Michael Morpurgo découvrir pour la première fois l'adaptation animée de son propre roman. Toute la salle partageait ce moment avec lui. Il y avait une ambiance incroyable, on sentait que le public était heureux d'être là. »

Une esthétique qui dialogue avec le cinéma japonais

Dès les premières images, Lucy Lost affirme une identité graphique délicate, qui évoque immédiatement certains grands classiques du Studio Ghibli.

« On pense naturellement aux films de Hayao Miyazaki », « Les personnages sont dessinés avec beaucoup de simplicité, mais cette simplicité cache une grande richesse émotionnelle. Chaque regard, chaque geste raconte quelque chose. »

L'animation numérique adopte un rendu proche de l'aquarelle. Les décors semblent peints à la main, les lumières sont douces et les mouvements volontairement épurés. Une esthétique qui accompagne parfaitement le regard enfantin porté sur le récit.

La guerre vue à hauteur d'enfant

L'histoire se déroule sur une île britannique durant la Seconde Guerre mondiale.

Pourtant, la guerre reste presque toujours hors champ. « Elle est partout sans jamais vraiment apparaître à l'écran », explique Jules. « On la ressent dans les inquiétudes des enfants, dans les réactions des adultes, dans cette tension permanente qui traverse le film. »

Cette approche rappelle, selon lui, plusieurs œuvres de Hayao Miyazaki, où les conflits façonnent les personnages sans occuper le premier plan.

Au cœur du récit, les relations entre enfants deviennent alors le véritable moteur de l'histoire.

« Ce qui est magnifique, c'est la manière dont le film montre leur capacité à s'émerveiller malgré tout. Leur regard reste plus nuancé, plus libre que celui des adultes. »

Entre conte initiatique et hommage au cinéma

Tout au long du film, Lucy Lost multiplie les références au patrimoine cinématographique.

Jules y a notamment retrouvé un hommage évident à Frankenstein, notamment dans une scène de poursuite rappelant également Edward aux mains d'argent de Tim Burton.

Ces clins d'œil enrichissent un scénario pourtant volontairement accessible.

« L'histoire paraît simple au départ, mais elle réserve plusieurs véritables surprises. Certains rebondissements, notamment dans le dernier acte, sont vraiment inattendus. C'est ce qui maintient constamment l'attention du spectateur. »

L'adaptation bénéficie également de la richesse du roman de Michael Morpurgo, dont la construction apporte une profondeur supplémentaire au récit.

Un message d'espoir

Lors de la présentation, Olivier Clert a décrit Lucy Lost comme « un hymne à l'espoir et à l'enfance ».

Une définition que Jules partage pleinement. Le film interroge la différence, la solitude, le poids du regard des autres et la manière dont les enfants affrontent un monde bouleversé par la guerre. Mais il rappelle aussi que l'imaginaire, l'amitié et la solidarité peuvent devenir des refuges face aux violences du réel.

L'avis de Jules

« Lucy Lost est l'un des films qui m'a le plus touché depuis le début du Festival. Au-delà de sa beauté visuelle, c'est le regard porté sur l'enfance qui m'a marqué.

Le film montre que les enfants comprennent parfois le monde avec plus de justesse que les adultes. Ils continuent de s'émerveiller alors même que tout semble s'effondrer autour d'eux. C'est un récit rempli d'émotion, qui parle autant de guerre que d'espoir.

À la sortie de la projection, le public était debout,  ému. Je comprends pourquoi. Lucy Lost est un film qui touche autant le cœur que les yeux, et qui mérite d'être découvert par un très large public dès sa sortie. »

— Jules Violon, pour La Radio du Cinéma au Festival international du film d'animation d'Annecy 2026

Le 58e disparu

Le film suit une femme dont le père a disparu lors du massacre. Présent le jour des faits, identifié par ses effets personnels retrouvés sur les lieux, il n'a pourtant jamais été officiellement reconnu parmi les victimes. Son corps n'a jamais été retrouvé et, au terme du procès, la justice n'a retenu que 57 assassinats.

C'est de cette absence que naît le titre 58th.

À travers cette quête de reconnaissance, le film raconte autant le deuil impossible que la difficulté de reconstruire une vie lorsque la vérité demeure incomplète. La disparition devient alors autant politique qu'intime.

Quand la forme épouse le fond

Pour raconter cette histoire, les réalisateurs choisissent une esthétique particulièrement singulière.

Le film mêle rotoscopie — une technique consistant à redessiner des images filmées en prises de vue réelles — à de nombreux documents d'archives : interviews télévisées, témoignages, images des manifestations, reportages et véritables images liées à l'affaire.

Ce dialogue permanent entre animation et images documentaires crée une sensation troublante. La frontière entre fiction et réalité s'efface progressivement, plongeant le spectateur dans une expérience d'une grande intensité.

Loin d'adoucir la violence des événements, l'animation semble au contraire leur donner une nouvelle force émotionnelle.

Une réflexion sur le pouvoir et la mémoire

Au-delà du drame judiciaire, 58th interroge les mécanismes du pouvoir, les violences politiques et leurs conséquences sur les familles qui en subissent les répercussions.

Le film montre le temps long de la reconstruction. Celui d'une fille qui grandit avec une absence jamais reconnue, d'une famille condamnée à poursuivre son existence sans pouvoir réellement faire son deuil, et d'une société confrontée à une mémoire encore douloureuse.

Cette dimension profondément humaine transforme le récit en un hommage à toutes celles et ceux que l'Histoire laisse parfois de côté.

L'avis d'Anakhin

« 58th est sans doute l'une des propositions les plus fortes que j'ai découvertes à Annecy. Le choix de la rotoscopie m'a particulièrement marqué : en supprimant les codes habituels du dessin animé, elle nous rapproche du réel et donne au récit une puissance presque documentaire. L'alternance entre les archives et l'animation fonctionne remarquablement bien et nous emmène au cœur de cette tragédie sans jamais tomber dans le sensationnalisme.

Mais ce qui m'a le plus touché, c'est que le film ne raconte pas seulement un massacre. Il raconte l'oubli. Celui d'un homme dont le meurtre n'a jamais été officiellement reconnu. En donnant un visage à cette "58e victime", les réalisateurs font de leur film un véritable acte de mémoire. C'est un cinéma engagé, profondément humain, qui rappelle que l'animation peut aussi être un formidable outil pour raconter l'Histoire et défendre la vérité. »

— Anakhin Jeudy, pour La Radio du Cinéma

Présenté en compétition, ce long métrage, coproduit entre l'Italie et le Japon et sorti en septembre 2025, explore les frontières de l'animation en mêlant plusieurs techniques. Le stop motion constitue la base du film, mais il est enrichi par des effets en prises de vue réelles, notamment pour les éléments naturels comme l'eau, les explosions ou certains effets visuels. Un mélange qui donne au film une identité singulière et revendiquée.

Une quête d'identité racontée avec humour

Derrière son apparence fantasque, Les Chroniques de l'espace-temps suit le parcours d'un jeune Italien en pleine recherche de lui-même. Entre questionnements existentiels, difficultés à trouver sa place et désir d'émancipation, le récit aborde des thèmes universels comme la jeunesse, l'identité et la quête de sens.

Mais Stefano Bertelli choisit de traiter ces sujets avec une énergie résolument burlesque. Le rythme est soutenu, les situations absurdes s'enchaînent et les gags rappellent les grands cartoons américains. Cette mécanique comique a d'ailleurs rapidement trouvé son public à Annecy, où les éclats de rire ont ponctué plusieurs séquences de la projection.

Une expérimentation pleinement assumée

L'une des forces du film réside dans son refus de masquer sa fabrication.

Bien au contraire, Stefano Bertelli revendique le caractère artisanal de son œuvre. Les systèmes de fixation des personnages en papier, les petites bandelettes qui maintiennent certains éléments du décor ou encore les imperfections du stop motion restent volontairement visibles.

Loin d'être des défauts, ces éléments participent à l'identité visuelle du film. Grâce à une composition soignée, un travail précis sur les couleurs et une mise en scène inventive, cette esthétique expérimentale devient un véritable langage cinématographique.

Le réalisateur pousse même cette démarche jusqu'au bout en proposant, à la fin du film, un making of intégré à la projection. Une initiative devenue rare, qui permet au spectateur de découvrir les coulisses de fabrication tout en prolongeant le dialogue entre l'œuvre et son processus créatif.

Quand la fabrication devient partie du récit

En dévoilant volontairement les ficelles de son animation, Les Chroniques de l'espace-temps joue avec les codes du cinéma. Cette manière de briser le quatrième mur renforce le ton burlesque du récit tout en rappelant que l'animation est avant tout un artisanat, fait de patience, d'expérimentation et d'inventivité.

C'est précisément ce regard sur la fabrication qui rend le film aussi attachant : il ne cherche jamais à cacher son caractère expérimental, mais en fait au contraire l'une de ses principales qualités.

L'avis d'Anakhin

« Les Chroniques de l'espace-temps est une véritable démonstration de ce que l'animation peut encore inventer. Stefano Bertelli assume pleinement son esthétique artisanale et transforme chaque imperfection en force visuelle. J'ai apprécié cette manière de montrer les coulisses de fabrication sans jamais casser l'immersion. Le film oscille constamment entre humour absurde, poésie et expérimentation, tout en proposant un récit sur la quête d'identité qui reste universel. C'est une œuvre atypique, généreuse et sincère, qui prouve qu'il est encore possible de surprendre en animation. Une belle découverte de cette édition du Festival d'Annecy. » — Anakhin Jeudy, pour La Radio du Cinéma

Accompagné d'une partie de son équipe venue spécialement de Norvège, le cinéaste est venu dévoiler les premières images d'un projet qui sortira en salles en décembre 2026. Une présentation qui a particulièrement retenu l'attention de Jules Violon, envoyé spécial de La Radio du Cinéma.

Une aventure viking racontée par ceux qui en ont grandi

Si ViQueens emprunte les codes des grandes productions d'animation en images de synthèse, Harald Zwart revendique avant tout une histoire profondément ancrée dans sa culture.

Le film suit deux jeunes guerrières vikings qui recueillent un voyageur chinois échoué sur les côtes norvégiennes. Leur décision de le raccompagner jusqu'à son pays devient le point de départ d'un long périple où chaque rencontre remet en question leur vision du monde... et celle que les autres peuples portent sur les Vikings.

« Ce qui est intéressant, c'est que le film ne célèbre pas uniquement le mythe viking. Il prend aussi du recul sur cette culture qui fait aujourd'hui partie de notre imaginaire collectif », observe Jules Violon.

Cette confrontation entre deux civilisations promet ainsi un récit d'aventure mais aussi un dialogue interculturel rarement exploré dans le cinéma d'animation.

Une équipe 100 % norvégienne

Autre particularité du projet : il a été imaginé et développé par une équipe majoritairement norvégienne.

Paysages, architecture, lumière, folklore... les artistes se sont directement inspirés des lieux dans lesquels ils ont grandi afin de restituer une identité visuelle fidèle à leur patrimoine.

Visuellement, ViQueens évoque immédiatement certaines grandes productions américaines. Modélisé sous Autodesk Maya, le film assume une esthétique proche de Pixar tout en revendiquant une identité scandinave forte.

Quand le jeu d'acteur réinvente l'animation

Mais la véritable surprise de cette présentation réside dans la méthode de fabrication du film.

Plutôt que d'utiliser une motion capture classique, les équipes ont développé un processus hybride particulièrement innovant.

Les décors et les personnages sont d'abord entièrement modélisés en trois dimensions. Les comédiens jouent ensuite leurs scènes dans cet environnement virtuel grâce à une technologie de capture basée sur le LiDAR Scanner, intégré notamment aux derniers iPhone.

Contrairement à la motion capture traditionnelle, l'objectif n'est pas de transférer directement les mouvements sur un personnage numérique. Les performances servent de référence extrêmement précise aux animateurs, qui reconstruisent ensuite chaque expression, chaque regard et chaque déplacement.

Le résultat, selon les images dévoilées à Annecy, offre une animation particulièrement fluide et naturelle, tout en conservant la liberté graphique propre au cinéma d'animation.

Un univers pensé bien au-delà du cinéma

Harald Zwart n'a pas caché ses ambitions.

Autour du film se construit déjà un véritable univers transmédia. Artbooks, puzzles, jeux de société, jouets, produits dérivés, sets LEGO et même des partenariats avec Burger King sont déjà en préparation afin d'accompagner la sortie du long métrage.

Une stratégie qui témoigne de l'ampleur du projet et des investissements consentis pour faire de ViQueens une nouvelle franchise familiale.

Une bande-son qui promet une expérience de salle

S'il est encore trop tôt pour dévoiler l'intégralité du film, un premier extrait projeté au public d'Annecy a permis de découvrir un autre point fort de la production : son univers sonore.

Pour Jules Violon, c'est même l'un des éléments les plus marquants de cette présentation.

« Dès le trailer, on sent un travail très poussé sur le son. L'ambiance est immersive, chaque élément sonore participe à construire l'univers. C'est typiquement un film qui semble avoir été pensé pour être découvert dans une salle de cinéma. »

Une impression renforcée par une mise en scène spectaculaire qui mêle aventure, humour et émotion.

Un projet à suivre de près

Avec ViQueens, Harald Zwart signe une entrée ambitieuse dans le cinéma d'animation. 

Si les premières images tiennent leurs promesses, ViQueens pourrait bien s'imposer comme l'un des films d'animation les plus attendus de la fin d'année.

Rendez-vous en décembre 2026 pour vérifier si l'essai est transformé !

Propos reccueillis Par Jules VIOLON pour la Radio du cinéma - juin 2026

C'est dans le cadre des conférences Talent Mifa qu'Eden Vaisse, pour La Radio du Cinéma, a assisté à la rencontre avec Angela Sung, concept artist ayant collaboré avec Sony Pictures Animation et LAIKA. Une conférence placée sous le signe du partage, de la créativité et de la transmission.

Raconter avant de dessiner

Organisée en partenariat avec Procreate, l'application de dessin sur iPad devenue incontournable chez de nombreux artistes, cette masterclass n'était pas un simple tutoriel technique. Angela Sung a surtout rappelé qu'un décor n'est jamais une accumulation de détails graphiques : il est avant tout un outil narratif.

Selon elle, trois étapes sont essentielles.

La première consiste à comprendre l'histoire. Avant le moindre croquis, l'artiste doit saisir les enjeux du récit, les émotions recherchées et ce que la scène doit raconter.

Vient ensuite l'intention. Pourquoi ce décor existe-t-il ? Quel rôle joue-t-il dans le film ? Quelle émotion doit-il provoquer chez le spectateur ?

Ce n'est qu'après ces deux étapes que débute la recherche visuelle. L'artiste peut alors puiser dans le réel pour construire un univers crédible, en mêlant observations, références architecturales, paysages ou objets du quotidien.

Annecy... en fromage fondu ?

Pour illustrer son propos, Angela Sung s'est amusée à prendre Annecy comme terrain de jeu.

Face au public, elle a demandé ce que la ville évoquait spontanément. Les réponses ont fusé : le lac, les montagnes, l'architecture médiévale... mais aussi le fromage.

Pour la concept artist, ces idées ne sont pas des limites, mais des points de départ. Pourquoi ne pas imaginer une ville construite entièrement en fromage ? Ou un immense lac de raclette fondue ? Derrière cette démonstration volontairement décalée se cache une leçon essentielle : la création naît souvent de l'association d'idées qui, au premier abord, semblent incompatibles.

Le concept art consiste précisément à transformer ces intuitions en images capables de raconter une histoire.

Construire une image

Au-delà de l'inspiration, Angela Sung a partagé sa méthode de travail.

Deux approches coexistent dans son processus créatif. La première est la plus classique : commencer par les grandes masses, installer les volumes, définir les perspectives, avant d'aller progressivement vers les détails.

La seconde est beaucoup plus intuitive. Lorsqu'un élément l'inspire particulièrement — un pont, une arche, une construction originale — elle commence par le dessiner avec un niveau de détail très poussé. Ce n'est qu'ensuite qu'elle imagine le décor qui viendra l'entourer.

Elle a également insisté sur l'importance de l'équilibre entre les formes pleines et les espaces vides, des lignes de perspective et de la gestion de la couleur, autant d'éléments qui donnent vie à une image et guident naturellement le regard du spectateur.

Plus qu'un logiciel, une façon de penser

Si Procreate occupe aujourd'hui une place importante dans son quotidien, Angela Sung utilise également Photoshop. Pour elle, le logiciel reste un outil. Ce qui compte avant tout, c'est la réflexion artistique qui précède le dessin.

Son enthousiasme communicatif a marqué l'ensemble de la salle. Souriante, généreuse et passionnée, elle n'a cessé d'encourager les étudiants et jeunes artistes présents à expérimenter, à observer le monde qui les entoure et à cultiver leur curiosité.

Le Mifa, une école à ciel ouvert

Cette conférence illustre parfaitement l'esprit du Mifa. Au-delà du marché international et des grands studios, Annecy est aussi un immense lieu d'apprentissage où les professionnels transmettent leur savoir-faire à la nouvelle génération.

Dans la salle, Eden Vaisse a d'ailleurs remarqué une majorité d'étudiants venus de France, d'Allemagne, du Royaume-Uni et d'autres pays européens, venus écouter les conseils d'une artiste dont le métier reste souvent méconnu du grand public.

À travers cette rencontre, Angela Sung rappelle une évidence que l'on oublie parfois : derrière chaque film d'animation se cachent des dizaines d'artistes qui inventent des mondes avant même qu'ils n'existent. Et c'est précisément cette richesse humaine que le Festival d'Annecy continue, année après année, de mettre en lumière.

Crédit image : 

Au Festival international du film d'animation d'Annecy, les œuvres immersives ne cherchent pas toutes à impressionner par leurs prouesses technologiques. Certaines choisissent au contraire la retenue. C'est le cas de Reversal, signé Lena Herzog, une expérience en réalité virtuelle qui démontre que l'immersion peut naître de la contemplation autant que de l'interaction.

Présentée dans la sélection des œuvres immersives, cette création d'une vingtaine de minutes prend le contre-pied des expériences où le spectateur est constamment sollicité. Ici, aucun geste à effectuer, aucun choix à faire, aucune mécanique ludique. Une fois le casque enfilé, il ne reste qu'à regarder, écouter… et accepter de se laisser porter.

Dès les premières minutes, une musique classique enveloppe le spectateur. Les violons et le piano accompagnent une lente déambulation dans un vaste hall inspiré de l'architecture du XVIIIᵉ siècle, où lustres monumentaux et perspectives majestueuses installent une atmosphère presque hors du temps.

Peu à peu, les repères disparaissent. Le corps semble flotter, se dissoudre dans les espaces qui se déploient autour de lui. L'expérience devient moins une narration qu'une sensation.

Lena Herzog compose alors une succession de tableaux où se répondent des profondeurs marines, des forêts en noir et blanc et des paysages oniriques qui semblent suspendus entre rêve et réalité. À plusieurs reprises, des visages filmés en prise de vue réelle surgissent dans ces environnements numériques. Leur présence crée un dialogue troublant entre le vivant et le virtuel, entre la chair et l'image.

Cette hybridation constitue sans doute l'une des plus grandes forces de Reversoul. L'œuvre ne cherche jamais l'effet spectaculaire. Elle invite plutôt le spectateur à ralentir, à observer autrement et à s'interroger sur sa propre perception.

Au fil de l'expérience, une question s'impose : que regardons-nous réellement ? Le monde qui nous entoure, ou la manière dont notre esprit le reconstruit ? En faisant disparaître progressivement les limites entre le corps, l'espace et l'image, Lena Herzog transforme la réalité virtuelle en véritable expérience sensorielle.

Dans un festival où les œuvres immersives explorent souvent l'interactivité, Reversal rappelle qu'il existe une autre voie : celle de la contemplation. Une immersion silencieuse, presque méditative, où la technologie s'efface au profit de l'émotion.

À Annecy, cette proposition confirme que la réalité virtuelle est en train d'inventer son propre langage. Entre cinéma, installation artistique et art numérique, ces nouvelles écritures repoussent les frontières du récit et ouvrent un champ d'exploration inédit. Avec Reversal, Lena Herzog signe une œuvre qui ne cherche pas à impressionner, mais à faire ressentir. Et c'est sans doute là sa plus grande réussite.

Propos reccueillis par Eden VAISSE pour la RADIO DU CINEMA  - 25 JUIN 2026