Et si les châteaux de la Loire étaient les véritables stars du cinéma ?

Pour inaugurer sa nouvelle série de podcasts consacrée aux lieux de tournage d'exception, La Radio du Cinéma vous ouvre les portes du majestueux Château royal d’Amboise, un lieu où l'Histoire et le 7ᵉ art se rencontrent.

Dominant la Loire, ce joyau de la Renaissance a traversé les siècles, accueilli les rois de France et inspiré de nombreuses productions audiovisuelles.

De The Serpent Queen à L'Art du crime, en passant par L'Oublié d'Amboise, découvrez comment ce monument historique se transforme en véritable plateau de cinéma.

Au micro de La Radio du Cinéma, Patrice Caillet vous entraîne dans les coulisses de ce décor exceptionnel, accompagné de Philippine, membre de l'équipe du château. Entre secrets d'Histoire, anecdotes de tournages, passages mystérieux et défis techniques des grandes productions.. Un voyage sonore inédit entre patrimoine, cinéma et secrets de tournage !

Écoutez dès maintenant ce premier épisode et découvrez pourquoi Amboise fait tourner la tête des cinéastes !

❤️ Remerciements

Un immense merci à l'ensemble des équipes du Château royal d'Amboise pour leur accueil chaleureux, leur disponibilité et leur passion communicative.

Un remerciement tout particulier à Philippine, qui a accompagné l'équipe de La Radio du Cinéma dans cette découverte privilégiée, partageant avec générosité les secrets et les anecdotes de ce lieu fascinant.

 Crédits du podcast

• Réalisation et écriture : Amandine BACCONNIER

• Animation et voix off : Patrice CAILLET

• Avec la participation : des équipes du Château royal d'Amboise

Découvrir et contacter le Château royal d'Amboise

Montée de l'Émir Abd El Kader, 37400 Amboise, France - 02 47 57 00 98

 contact@chateau-amboise.com

 www.chateau-amboise.com

Faut-il vraiment aimer avoir peur pour apprécier un film d'horreur ? Et si le fantastique réservait parfois des surprises bien plus troublantes que les monstres et les fantômes ?

Dans ce nouvel épisode du Faisceau, Laura, Quentin et Jérémy confrontent leurs goûts, leurs souvenirs et leurs découvertes. Trois sensibilités, des avis parfois divergents et quelques échanges savoureux autour du septième art.

Au programme également, des coups de cœur, un détour par les festivals de cinéma, des films attendus en salles et une sélection de musiques de films qui donnent le ton.

Un épisode plein de curiosité, d'humour et de passion cinéphile

Une sortie marquante, au cœur d’une programmation qui fait aussi la part belle au fantastique et aux histoires de famille...

C'est toute la question que pose Valentina Maurel dans Ton animal maternel, son deuxième long-métrage, présenté au Festival de Cannes, où ses trois interprètes féminines ont été collectivement récompensées.

Direction le Costa Rica, où Elsa revient après plusieurs années passées en Europe. Mais les retrouvailles familiales sont loin d'être chaleureuses. Sa jeune sœur Amalia, qui semble perdre pied avec la réalité, s'est enfermée dans un univers de croyances mystiques. Leur mère Isabel, écrivaine, aspire quant à elle à retrouver sa liberté et ses désirs, après des années consacrées à ses enfants.

Trois femmes, trois solitudes et une même difficulté : communiquer sans se juger.

Pendant deux jours, La Radio du Cinéma a posé ses micros au château de Grignan, dans la Drôme, pour un rendez-vous aussi original que passionnant. À l'occasion de l'Année Sévigné 2026, célébrant les 400 ans de la naissance de la célèbre marquise, le château s'est transformé en un formidable terrain de jeu autour de la langue française, de l'écriture, de la parole et de l'imagination.

Deux journées pour faire dialoguer les siècles, rapprocher la plume du XVIIe siècle des punchlines d'aujourd'hui, donner la parole aux artistes, aux passionnés d'histoire, aux professionnels du cinéma, aux équipes du château et, bien sûr, au public venu participer à cette grande fête des mots.

Il y avait de l'élégance, de l'humour, de l'improvisation, du slam, des lectures, des créations animées, des personnages en costumes et quelques belles surprises radiophoniques. Il y avait surtout cette envie commune de faire vivre un lieu exceptionnel, de raconter son histoire autrement et de rappeler que les mots, qu'ils soient écrits sur du papier ou prononcés devant un micro, continuent de nous réunir.

Pendant ce week-end, notre équipe, avec Patrice et Amandine aux micros, a multiplié les rencontres et les échanges. Nous sommes venus parler de Madame de Sévigné, naturellement, mais aussi de cinéma, de création, de transmission, de nouvelles technologies, de jeunesse et de cette incroyable capacité qu'ont les lieux chargés d'histoire à stimuler notre imaginaire.

Toutes ces rencontres sont à retrouver dans notre podcast spécial enregistré au château de Grignan. Et puisque la radio ne remplace jamais complètement l'expérience du terrain, nous n'aurons qu'un conseil à vous donner après l'écoute : venez découvrir ce château par vous-même !

Il suffit d'arriver à Grignan pour comprendre pourquoi ce lieu fascine autant. Le village, les ruelles, la montée vers le château, les façades majestueuses, les terrasses ouvertes sur les paysages de la Drôme provençale… Tout semble inviter à raconter des histoires. Mais ce week-end, le château n'était pas seulement un magnifique décor. Il était devenu une scène, un lieu de rencontres et d'expérimentation où le public pouvait aussi devenir acteur.

Le thème choisi, « Plumes et punchlines », résumait à merveille cette volonté de rapprocher les époques. Car si Madame de Sévigné est entrée dans l'histoire grâce à sa correspondance, son talent ne se limitait pas à la beauté de ses phrases. Elle savait observer son temps, raconter les événements, manier l'ironie, partager ses émotions et transformer une lettre en véritable récit. À bien des égards, cette femme de lettres avait compris quelque chose d'essentiel : les mots peuvent informer, séduire, faire rire, émouvoir et parfois même changer le regard que nous portons sur le monde.  Quatre siècles après sa naissance, son art trouve des échos inattendus dans le slam, l'improvisation théâtrale, la radio, le cinéma ou encore les formes contemporaines de communication.

C'est tout le sens de ces deux journées : ne pas enfermer Madame de Sévigné dans une vitrine, mais lui redonner une voix, une présence et une modernité.

Et pour La Radio du Cinéma, qui aime particulièrement explorer les liens entre les lieux, les images et les histoires, le rendez-vous était incontournable.

Arnaud Vincent Genot : faire vivre l'histoire plutôt que simplement la raconter

Parmi nos premières rencontres, celle avec Arnaud Vincent Genot, responsable des châteaux de la Drôme, a permis de comprendre toute l'ambition de cette Année Sévigné.

L'idée n'était pas de multiplier les célébrations officielles ou les hommages institutionnels. Il s'agissait de proposer aux habitants de la Drôme et aux visiteurs de véritables expériences, réparties tout au long de l'année, pour découvrir la marquise et son univers sous différents angles. Après les rendez-vous consacrés notamment au patrimoine viticole et aux reconstitutions historiques, ce nouveau temps fort mettait à l'honneur l'art de la parole et de l'écriture.

Comment les mots construisent-ils une pensée ? Comment réussit-on à transmettre une idée, une émotion, une conviction ? Que reste-t-il de l'art de la conversation au XVIIe siècle dans nos échanges contemporains ?

Autant de questions qui ont nourri un programme associant lectures, ateliers, théâtre, slam et médias. Au micro de La Radio du Cinéma, Arnaud Vincent Genot a également évoqué un sujet qui nous tient particulièrement à cœur : le château comme décor de cinéma.

Selon lui, les grandes demeures historiques étaient déjà pensées, à leur époque, comme des lieux de représentation. Le prestige de leur architecture, la mise en scène des espaces et la richesse de leurs décors participaient à une forme de théâtre social. Un réalisateur qui installe aujourd'hui sa caméra dans un château ne fait donc pas forcément violence à l'histoire. Il retrouve au contraire un lieu conçu pour impressionner, raconter et mettre en scène.

La conversation a naturellement dérivé vers les films de cape et d'épée, Jean Marais, les aventures historiques et l'idée d'accueillir de nouveaux tournages à Grignan.

Une perspective enthousiasmante, même si l'organisation d'un tournage dans un monument patrimonial implique des contraintes importantes. Pour les équipes du château, le cinéma peut aussi devenir un formidable outil de rayonnement culturel et touristique.

Le message est clair : les châteaux doivent continuer à ê re visités, partagés, filmés et racontés. Et bonne nouvelle pour ceux qui pensaient que ces deux journées marquaient la fin des festivités : l'Année Sévigné réserve encore des rendez-vous jusqu'en décembre 2026.

De la lettre au court-métrage : la Drôme célèbre aussi le cinéma d'animation

L'une des très belles découvertes de notre reportage concerne le concours de la correspondance animée, une initiative portée par le Département de la Drôme dans le cadre de l'Année Sévigné. Le principe était aussi simple que séduisant : inviter des habitants à écrire des lettres inspirées par des photographies d'archives représentant des lieux emblématiques du département, à la manière de Madame de Sévigné. Le projet a rencontré un bel écho avec 92 lettres reçues, témoignant de l'attachement des participants à leur territoire et du plaisir d'écrire. Après une sélection réalisée par un jury, huit lettres ont été proposées à de jeunes réalisateurs. Trois d'entre elles ont finalement été adaptées en courts-métrages d'animation.

Au micro de La Radio du Cinéma, Jérôme Duc-Maugé, du studio valentinois Parmi les Lucioles, nous a raconté les coulisses de cette aventure artistique. Car adapter une lettre au cinéma n'a rien d'évident. Il faut en retrouver l'esprit, les images, les sentiments, puis inventer une narration visuelle capable de transmettre l'essentiel en seulement quelques instants.

Les trois jeunes réalisateurs ont choisi des univers graphiques différents, en animation 2D, avec leurs propres sensibilités et techniques. Environ une minute trente pour chaque film : un format très court, mais suffisamment riche pour raconter une histoire, susciter une émotion et faire découvrir un territoire. Cette rencontre nous a également permis d'évoquer le dynamisme de la filière de l'image animée à Valence et dans la Drôme. Écoles, studios, producteurs, animateurs et réalisateurs participent à un écosystème créatif dont le rayonnement dépasse largement les frontières du département. Avec Jérôme Duc-Maugé, nous avons parlé du métier de producteur, du temps nécessaire pour faire naître un film, de la dimension collective de la création et des enjeux actuels de l'animation. Impossible, naturellement, d'éviter la question de l'intelligence artificielle. Un sujet sur lequel le producteur a défendu une position prudente, attachée au travail des artistes, aux emplois et à la responsabilité des studios.

Un projet collectif qui associe culture, patrimoine et jeunesse

Nous avons également échangé avec une représentante du Département de la Drôme sur la naissance et l'aboutissement de ce concours.

De la sélection des photographies dans les archives départementales aux espaces d'écriture ouverts notamment dans les médiathèques, en passant par le travail du jury et les rencontres avec les réalisateurs, c'est une chaîne de transmission qui s'est construite. Trois autrices amateurs ont vu leurs textes devenir des films. Trois regards sur la Drôme, trois sensibilités et trois interprétations graphiques qui démontrent que la correspondance peut encore être une formidable source de création. Le kiosque de Montélimar, l'univers d'une ancienne filature ou encore les Roches qui dansent figurent parmi les inspirations de ces réalisations. Il y a quelque chose de particulièrement émouvant à imaginer Madame de Sévigné découvrant que, quatre siècles après sa naissance, la correspondance continue d'inspirer de jeunes artistes et de nouvelles formes de cinéma.

Et c'est précisément ce que nous aimons raconter sur La Radio du Cinéma : ces rencontres inattendues entre une histoire, un territoire et des créateurs.

Les Excités : quand l'improvisation s'invite au siècle de Madame de Sévigné

Parmi les moments les plus savoureux de ces deux journées, notre rencontre avec la compagnie d'improvisation théâtrale Les Excités restera un joli souvenir. Imaginez des comédiens habitués à inventer des histoires sur le vif, à rebondir sur les propositions du public et à jouer avec le langage… soudain plongés dans le XVIIe siècle ! Le défi est déjà amusant : comment improviser en adoptant les expressions et les tournures d'une autre époque ? Comment éviter les mots trop modernes et retrouver, même quelques instants, le goût de la conversation d'autrefois ? Les comédiens nous ont raconté leur préparation, leurs essais de langage et leur plaisir à évoluer dans ce décor historique.

Mais sur La Radio du Cinéma, nous ne pouvions évidemment pas nous contenter d'une simple interview. Nous leur avons donc proposé un petit exercice en direct : tirer des expressions anciennes et les intégrer à une improvisation collective, avec un destinataire choisi pour l'occasion… le Père Noël ! Autant dire que le résultat valait son pesant de mots. Entre un Père Noël gentiment malmené, des revendications de cadeaux et l'arrivée d'un Père Fouettard particulièrement agacé, les comédiens ont offert aux auditeurs une séquence pleine d'humour, de spontanéité et de fantaisie. Une démonstration parfaite de ce qui faisait l'esprit du week-end : le patrimoine n'est jamais aussi vivant que lorsqu'on ose jouer avec lui.

Le théâtre d'improvisation a cette merveilleuse particularité de transformer la parole en spectacle immédiat. Rien n'est totalement écrit, tout peut arriver et le public devient un véritable partenaire de jeu. À Grignan, cette liberté trouvait un écrin exceptionnel.

Fifamet : la poésie n'a pas d'âge et le slam fait vibrer les pierres

Autre belle rencontre : celle avec Fifamet, slameuse franco-béninoise installée à Lyon, venue faire résonner ses textes dans les espaces du château. Ses thèmes de prédilection ? La paix, le vivre-ensemble, les relations humaines et le regard que nous portons sur notre société. Quel rapport entre une slameuse contemporaine et Madame de Sévigné ?

Bien davantage qu'on pourrait le croire. Toutes deux utilisent les mots pour observer leur époque, exprimer leurs convictions, raconter les êtres humains et transmettre une sensibilité.

La forme change, naturellement. La lettre devient texte scandé, la plume rencontre le micro, la lecture silencieuse laisse place à une parole incarnée.

Mais l'essentiel demeure : écrire pour partager quelque chose avec les autres.

Au cours de notre entretien, Fifamet a évoqué les réactions parfois étonnantes des visiteurs. Certains découvraient ses poèmes en pensant entendre des textes anciens, avant de comprendre que les sujets évoqués appartenaient pleinement à notre temps.

Une confusion révélatrice, finalement, de l'intemporalité de la poésie.

Nous lui avons posé une question toute simple : si elle pouvait adresser quelques mots à la marquise, que lui dirait-elle ?

Sa réponse résume presque à elle seule l'esprit de ce rendez-vous :

« La poésie vit encore et les mots nous font toujours vibrer. Merci d'avoir partagé les vôtres. »

Une très belle manière de relier les générations.

Et peut-être aussi l'un des plus beaux hommages que l'on puisse rendre à une femme qui a consacré tant de temps à écrire.

Thomas Louet et Adèle Mariotte : ceux qui font découvrir le château au quotidien

Un monument historique ne vit pas uniquement grâce à ses murs, à ses collections ou à son architecture. Il vit aussi grâce aux personnes qui l'accueillent, le connaissent, l'expliquent et le transmettent.

C'est pourquoi nous avons souhaité tendre notre micro à Thomas Louet et Adèle Mariotte, médiateurs culturels au château de Grignan. Tous deux nous ont raconté leur première rencontre avec ce lieu impressionnant. Thomas se souvient de sa découverte du château, de son architecture et de tout ce qu'il a dû apprendre pour comprendre la société du XVIIe siècle. Adèle évoque notamment le souvenir d'une visite destinée aux enfants, animée par un collègue en costume, et de son émerveillement devant leur attention et leur curiosité. Leurs témoignages rappellent à quel point la médiation culturelle est un métier de passion.

Il ne suffit pas de connaître des dates ou de réciter des anecdotes historiques. Il faut savoir captiver, susciter des questions, créer des liens avec notre présent et donner envie d'aller plus loin. Car une visite réussie est souvent celle qui provoque une émotion ou une interrogation que l'on emporte avec soi. Et puisque nous sommes La Radio du Cinéma, nous leur avons aussi demandé quel film ils rêveraient de voir tourner au château. Les réponses ont fait la part belle aux costumes, aux récits historiques et aux intrigues de cour, mais aussi à des histoires inspirées des grandes affaires judiciaires du XVIIe siècle.

De quoi imaginer quelques scénarios !

Noémie Gruère : un patrimoine qui se découvre, se partage et se réinvente

Pour ouvrir notre deuxième journée d'émission, Noémie Gruère est venue nous retrouver au micro afin de revenir sur les animations et les premières impressions du public.

Près de 700 visiteurs avaient été évoqués pour la première journée. Certains étaient venus spécialement pour assister aux lectures, aux spectacles de slam ou aux improvisations. D'autres découvraient le programme en arrivant au château et se laissaient surprendre au détour d'une salle. Cette diversité des publics et des réactions est précisément ce qui fait la richesse d'un tel événement. On peut venir à Grignan pour admirer son architecture et repartir avec l'envie de relire Madame de Sévigné.

On peut s'intéresser à l'histoire et découvrir le slam.

On peut accompagner ses enfants à une animation et se retrouver soi-même passionné par une conversation autour du cinéma ou de la littérature.

Noémie Gruère a insisté sur une idée essentielle : un château ne doit jamais devenir un lieu figé.

Il doit continuer à surprendre, à accueillir de nouveaux regards et à proposer des expériences qui donnent envie de revenir. Cette ambition est particulièrement importante pour les jeunes générations, habituées aux images rapides et aux contenus numériques. Face à un véritable décor historique, à une grande salle, à une terrasse dominant le paysage ou à un personnage en costume, quelque chose de différent se produit.

On quitte l'écran pour entrer dans une expérience réelle. Et c'est précisément là que le patrimoine révèle toute sa force.

Quand le cinéma dialogue avec Madame de Sévigné

Pendant ces deux journées, notre équipe a naturellement glissé quelques références cinématographiques au fil des émissions. Car les mots, les lettres, les intrigues de cour et les histoires d'amour ont toujours inspiré les réalisateurs.

Nous avons notamment évoqué Cyrano de Bergerac, le film de Jean-Paul Rappeneau, où les alexandrins d'Edmond Rostand prennent une dimension spectaculaire, mais aussi Le Roi danse, qui nous transporte dans l'univers artistique et politique de Louis XIV. Sans oublier Ridicule, où l'art de la formule et du bon mot devient une véritable arme sociale. Et puis il y a eu un détour plus inattendu par Vous avez un mess@ge, avec Meg Ryan et Tom Hanks.

Quel rapport avec Madame de Sévigné ?

La correspondance, bien sûr !

Dans le film, deux personnes apprennent à se connaître et à s'aimer en échangeant des messages électroniques. Au XVIIe siècle, les lettres permettaient déjà d'entretenir des liens, de raconter son quotidien, d'attendre impatiemment une réponse et de faire vivre des sentiments malgré la distance. Le support a changé, mais l'émotion reste étonnamment familière. Entre la lettre manuscrite, le courrier électronique et nos messages instantanés, il existe peut-être une même histoire : celle de notre besoin d'écrire aux autres. Une belle occasion de rappeler que le cinéma peut aussi nous aider à regarder l'histoire autrement.

Et le public dans tout ça ? Au cœur de l'aventure, évidemment !

Ces deux journées n'auraient pas eu la même saveur sans les visiteurs qui ont accepté de jouer le jeu. Parce que La Radio du Cinéma aime aller à la rencontre de celles et ceux qui font vivre les événements, nous avons invité le public à participer, à réagir, à s'exprimer et parfois même à prendre le micro. Petits et grands ont pu découvrir le plaisir de parler comme autrefois, d'inventer des phrases, de jouer avec des expressions anciennes et de se laisser entraîner dans des échanges inattendus. Un exercice parfois intimidant, souvent drôle, et toujours révélateur d'une chose : chacun possède sa propre manière de raconter le monde. Un mot peut déclencher un sourire. Une phrase peut faire surgir un souvenir. Une déclaration improvisée peut transformer quelques secondes de radio en un petit moment de théâtre.

Et finalement, la radio n'est-elle pas elle aussi un art de la correspondance ?

On adresse des paroles à des personnes que l'on ne voit pas nécessairement, on partage des histoires, on crée de la proximité à distance et l'on attend, parfois, une réaction. Pendant ces deux jours, les micros sont devenus un trait d'union entre les visiteurs, les artistes, les équipes du château et les auditeurs. C'est exactement la radio que nous aimons faire : curieuse, accessible, spontanée et ouverte à toutes les générations.

L'Année Sévigné continue : une invitation à pousser les portes du château

Ce week-end « Plumes et punchlines » restera un temps fort de l'Année Sévigné, mais il ne marque pas la fin des célébrations.
Au cours des vacances de la Toussaint 2026, le château a notamment prévu de faire revivre l'affaire Fouquet, cette grande histoire judiciaire que Madame de Sévigné a suivie et racontée à travers ses écrits.
Puis viendra le Grand Noël de Madame de Sévigné, avec une mise en scène festive des salles du château pendant le mois de décembre.
Autant de nouvelles occasions de découvrir ce lieu autrement.
Car, au-delà des événements ponctuels, le château de Grignan mérite évidemment une visite pour lui-même.
Pour son histoire, ses espaces, ses décors, ses collections, ses perspectives et les paysages qui l'entourent.
Pour rencontrer les équipes qui partagent quotidiennement leur passion.
Pour comprendre un peu mieux ce que fut la vie au temps de Madame de Sévigné.
Et surtout, pour ressentir ce que les photographies, les vidéos et même les plus beaux podcasts ne peuvent jamais totalement transmettre : l'émotion d'être là.
À La Radio du Cinéma, nous croyons profondément que les images et les sons donnent envie de découvrir les lieux. Mais nous croyons tout autant que rien ne remplace l'expérience de les parcourir.
Alors oui, écoutez nos émissions, découvrez nos invités, partagez nos podcasts et laissez-vous transporter par les voix de Grignan.

Mais ensuite, venez !
Poussez les portes du château, prenez le temps de regarder, de poser des questions, d'imaginer les personnages qui ont traversé ces lieux.
C'est encore la plus belle façon de prolonger cette aventure.

Il fallait peut-être Jean-Pierre Jeunet pour filmer un cimetière et lui donner des couleurs. Il fallait son œil, surtout. Celui qui s'attarde sur un détail que les autres n'auraient pas vu, attend la bonne lumière, recommence une prise et déplace le réel de quelques centimètres pour le faire entrer dans son imaginaire.

J'attendais ce film. Beaucoup. Je ne l'attendais peut-être pas aussi beau.

Adapter un livre vendu à cinq millions d'exemplaires ? Jean-Pierre Jeunet préfère en rire : c'est plutôt « rassurant ». La tâche, elle, l'était moins. Le roman joue avec les époques, les récits, les souvenirs. Il fallait en conserver le mouvement sans égarer le spectateur. Jean-Pierre Jeunet résume l'exercice à sa manière : « restructurer pour redéstructurer ».

Il se dit « gardien du temple », mais un gardien qui sait déplacer quelques meubles. Couper, simplifier, réinventer : accepter, finalement, que la littérature se transforme en devenant cinéma. Et quel cinéma.

Le cimetière aurait pu assombrir chaque image. Il fait exactement l'inverse. À Autun, Jean-Pierre Jeunet trouve un lieu en pente ouvert sur la campagne, qu'il qualifie d'« absolument sublime ». Le soleil s'y glisse, les couleurs s'y installent. La mort est là, mais elle n'avale jamais la vie.

C'est peut-être là que je reconnais le mieux sa patte : le réel n'a aucune obligation d'être gris sous prétexte que l'histoire pourrait l'être.

Et puis elle est là : Leïla Bekhti.

Jean-Pierre Jeunet peut composer son cadre au millimètre, lorsqu'elle apparaît, quelque chose échappe au plan. Il me raconte ses larmes, toutes vraies. Onze prises ? Elle pleurera onze fois. Cette intensité rencontre le goût du contrôle du réalisateur et, parfois, ça frotte. Il en tire cette merveilleuse formule : « Parfois les étincelles, c'est flamboyant. »

Elles le sont.

S'il fallait garder un mot de ma rencontre avec Jean-Pierre Jeunet, ce serait « fignoler ». Il ajuste, recommence, fabrique, corrige. Le détail compte. Toujours. Même celui que nous ne verrons peut-être pas.

C'est sans doute ce que j'aime dans ce Changer l'eau des fleurs. La signature de Jean-Pierre Jeunet est partout, mais elle ne cherche jamais à prendre le dessus sur le roman de Valérie Perrin. Sa fantaisie est là, son goût de l'image aussi, mais quelque chose s'est apaisé... Du grand Jean-Pierre Jeunet, oui. Plus délicat peut-être...

Un cinéaste qui, cette fois, a trouvé comment changer l'eau sans toucher aux fleurs 3

Amandine BACCONNIER pour La Radio du Cinéma - 20/09/2026 - Festival de l'ECRIT A L ECRAN.

Bertrand Burgalat signe la bande originale de Ni vue, ni connue, le nouveau film de Marc Fitoussi avec Isabelle Huppert et Sandrine Kiberlain. À l’occasion de la sortie de la BO ce vendredi 2 octobre 2026, en vinyle et en numérique, le compositeur raconte au micro de David Marmier pour La Radio du Cinéma la création d’une musique pensée au plus près des images et des personnages.

La musique arrive quelques jours avant le film. La bande originale de Ni vue, ni connue, composée par Bertrand Burgalat, sort le 2 octobre 2026 chez Tricatel. Le nouveau long métrage de Marc Fitoussi sera quant à lui dans les salles françaises à partir du 7 octobre 2026.

Une nouvelle rencontre entre cinéma et musique pour Bertrand Burgalat, producteur, arrangeur, compositeur et fondateur du label Tricatel, qui raconte à David Marmier les coulisses d’un travail particulièrement minutieux.

« Ni vue, ni connue » : Isabelle Huppert en figurante face à Sandrine Kiberlain

Dans Ni vue, ni connue, Isabelle Huppert incarne Corinne Maclou, une figurante qui enchaîne les tournages dans l’espoir d’être enfin remarquée et de décrocher un véritable rôle.

Son parcours croise celui de Sandrine Kiberlain, qui interprète une version d’elle-même. Cette rencontre laisse alors entrevoir à Corinne la possibilité de se faire enfin une place dans le monde du cinéma.

Marc Fitoussi construit ainsi une comédie qui plonge dans les coulisses des plateaux et joue avec les frontières entre les comédiens et leurs propres personnages. Isabelle Huppert est notamment entourée de Sandrine Kiberlain, Anne Marivin et Ana Girardot.

La troisième collaboration entre Bertrand Burgalat et Marc Fitoussi

Ni vue, ni connue marque la troisième collaboration entre Bertrand Burgalat et Marc Fitoussi.

Leur travail commun avait débuté avec Les Apparences, avant de se poursuivre avec la série Ça, c'est Paris !. Pour ce nouveau film, la relation entre le réalisateur et son compositeur est allée encore plus loin.

Bertrand Burgalat explique avoir travaillé sous la direction très précise de Marc Fitoussi :

« J'ai essayé de traduire en musique tout ce que me disait Marc. »

Certaines compositions ont été écrites avant le tournage des scènes. Pour le générique d'ouverture, la musique devait ainsi exister avant les images, à partir des seules indications données par le réalisateur.

Près de 140 morceaux et versions pour construire la musique du film

Le chiffre permet de mesurer l'ampleur de ce travail : en consultant à la fin du projet la plateforme utilisée pour échanger ses compositions avec Marc Fitoussi, Bertrand Burgalat y retrouve environ 140 morceaux, essais et versions.

Il ne s'agit pas simplement de multiplier les propositions. Le réalisateur conserve les différentes versions et peut décider qu'une musique écartée pour une scène trouvera finalement sa place à un autre moment du film.

Une note, un accord ou une variation peuvent également modifier la perception d'un personnage. Bertrand Burgalat raconte notamment le long travail effectué autour de la séquence finale afin de faire évoluer la musique entre énergie, joie et mélancolie.

Cette collaboration illustre ce que le compositeur recherche dans la musique de film : comprendre précisément l'intention du cinéaste avant de la traduire musicalement.

Une bande originale pensée « au service du film »

Bertrand Burgalat revendique une approche éloignée des bandes originales construites principalement autour de tubes ou de morceaux préexistants.

Pour Ni vue, ni connue, la musique a été conçue spécifiquement pour accompagner le récit, parfois de façon volontairement discrète.

« Elle est vraiment au service du film. »

Le compositeur assume cette fragilité et cette discrétion. La réussite d'une musique de cinéma ne consiste pas nécessairement, selon lui, à attirer immédiatement l'attention du spectateur, mais à modifier subtilement sa perception d'une scène ou d'un personnage.

Bertrand Burgalat défend la création et la « page blanche »

L'entretien accordé à La Radio du Cinéma dépasse également la seule création de Ni vue, ni connue.

Bertrand Burgalat revient sur son rapport à la composition, à l'artisanat musical et aux outils contemporains. Face aux possibilités offertes aujourd'hui par l'intelligence artificielle, il défend notamment l'importance de la page blanche, de la recherche et du dialogue entre artistes.

Il établit un parallèle avec l'apparition du sampling, qui avait déjà bouleversé les méthodes de création musicale. Pouvoir accéder immédiatement à une matière existante peut ouvrir de nouvelles possibilités mais aussi, selon lui, enfermer le créateur dans des emprunts.

À l'inverse, partir de rien permet de modifier une note, un accord, une instrumentation et de construire progressivement une œuvre avec des musiciens, un ingénieur du son ou, dans le cas d'une bande originale, avec le réalisateur.

Bertrand Burgalat : comprendre ce que le réalisateur veut raconter

Pour Bertrand Burgalat, l'une des principales difficultés de la composition de musique de film n'est d'ailleurs pas uniquement musicale.

Elle tient au dialogue avec le cinéaste.

Le compositeur doit comprendre ce que le réalisateur cherche à exprimer, parfois avec des mots qui ne sont pas ceux d'un musicien, puis parvenir à transformer cette intention en musique.

C'est précisément cette capacité à formuler ses attentes que Bertrand Burgalat apprécie chez Marc Fitoussi, qu'il décrit comme un réalisateur particulièrement précis, méticuleux et exigeant envers les autres comme envers lui-même.

La bande originale de « Ni vue, ni connue » disponible le 2 octobre

La BO de Ni vue, ni connue paraît le vendredi 2 octobre 2026 chez Tricatel.

Le vinyle comprend 24 titres

Découvrir la bande originale de « Ni vue, ni connue » chez Tricatel

Voir la fiche et les séances de « Ni vue, ni connue »

Bertrand Burgalat au micro de La Radio du Cinéma.
Entretien réalisé par David Marmier. Photographie: David Marmier

Juliette pensait avoir conquis sa liberté. Elle a réussi professionnellement, changé de milieu social et construit son indépendance. Mais une violente agression commise par son supérieur hiérarchique vient bouleverser ses certitudes et l’oblige à reconsidérer sa famille, ses origines et le monde auquel elle croyait appartenir.

Pour Robert Guédiguian, c’est justement par l’histoire particulière de Juliette que le cinéma peut raconter quelque chose de beaucoup plus vaste : « Si on veut raconter la complexité des choses, il faut raconter une histoire particulière, singulière. » À travers elle, Une femme aujourd’hui interroge aussi la mobilité sociale et ce qu’elle peut provoquer comme éloignement. Ariane Ascaride évoque cette impression de ne plus tout à fait parler le même langage que ceux dont on est issu et la nécessité, pour Juliette, de repenser le chemin parcouru.  Face à la violence subie par son personnage, Robert Guédiguian choisit de ne pas faire de l’agression un spectacle. La caméra reste concentrée sur le visage et le regard de Juliette, incarnée par Marilou Aussilloux. Une jeune comédienne dont Ariane Ascaride salue la générosité, l’intelligence et l’exigence : « Jouer avec elle, c’est un vrai bonheur. »
Mais chez le réalisateur, regarder les blessures du monde ne signifie jamais s’abandonner au désespoir. Il revendique même une forme de responsabilité du cinéaste : « On n’a pas le droit de désespérer le monde. » Aussi sombre soit-elle, une histoire doit laisser entrevoir une possibilité, « un rayon de soleil qui passe à travers les nuages ».

C’est peut-être là que réside toute la promesse d’Une femme aujourd’hui : regarder sans détour la violence et les contradictions de notre époque, tout en continuant à croire que le lien aux autres peut ouvrir un nouveau chemin.

Une femme aujourd’hui, de Robert Guédiguian, avec Marilou Aussilloux, Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Grégoire Leprince-Ringuet et Gérard Meylan.

 Entretien réalisé par Patrice Caillet pour La Radio du Cinéma au Festival De l’écrit à l’écran - 21/09/2026

Un château vieux de plusieurs siècles peut-il devenir un véritable partenaire du cinéma ? À Amboise, la réponse se construit au fil des tournages. Certaines productions viennent chercher un décor capable d'incarner un autre lieu ou une autre époque. D'autres choisissent précisément Amboise pour son histoire et son identité.

Pour le château, l'enjeu dépasse largement la satisfaction de voir ses salles et ses façades à l'écran. L'entretien et la restauration d'un tel patrimoine nécessitent des budgets considérables. Les tournages représentent donc une source de revenus complémentaire aux recettes des visiteurs. Et contrairement aux craintes que peut susciter l'arrivée d'une équipe de cinéma dans un site ouvert au public, les deux activités peuvent cohabiter.

De L'Oublié d'Amboise à The Serpent Queen

Le tournage de L'Oublié d'Amboise en fournit un exemple. La présence des comédiens et leurs échanges avec les visiteurs ont transformé les contraintes liées au tournage en souvenir particulier pour le public.

Avec la série américaine The Serpent Queen, Amboise a changé d'échelle. Deux saisons y ont été tournées et la production a même conduit à une privatisation exceptionnelle du château pendant une journée.

Accueillir des dizaines de techniciens, des éclairages et du matériel dans un monument historique impose cependant des règles. Samuel Buchwalder en fixe deux essentielles : assurer la conservation du site et préserver la qualité de la visite. Le reste repose largement sur l'organisation et le professionnalisme des équipes de tournage.

Jouer collectif pour attirer les productions

L'avenir pourrait désormais se penser à l'échelle du Val de Loire. La concentration de châteaux dans un périmètre réduit constitue un argument de poids pour des productions qui recherchent plusieurs décors sans multiplier les déplacements.

Samuel Buchwalder souhaite ainsi voir les différents sites travailler davantage ensemble, notamment avec l'appui de Ciclic en Centre-Val de Loire. Une présence commune au Paris Images Forum 2027 est déjà envisagée pour mieux présenter le territoire aux professionnels.

Et s'il fallait rêver au prochain tournage ? Le représentant du château royal d'Amboise a déjà une idée : accueillir un jour James Bond dans le Val de Loire.

Une proposition lancée au micro de Patrice Caillet, à retrouver dans cette interview de La Radio du Cinéma, premier épisode d'une série consacrée aux châteaux qui accueillent films et séries.

Du droit à la production d’animation

Rien ne destinait tout à fait Adrien Moretto à diriger un studio d’animation. Juriste de formation, il découvre les coulisses du cinéma et de l’audiovisuel en travaillant dans le financement du secteur. Une question l’attire alors : comment une idée née dans l’esprit d’un auteur ou d’une autrice devient-elle un projet artistique que l’on peut réellement produire ?

Arrivé chez Millimages en 2018 sur les questions juridiques et de « business affairs », il découvre un métier où création et économie avancent nécessairement ensemble. Produire une série ne consiste pas seulement à trouver un personnage ou une histoire : il faut réunir les talents, choisir une technique, convaincre des diffuseurs et construire un financement capable de porter une fabrication qui peut s’étendre sur 18 à 24 mois.

Cette dimension collective continue de le fasciner. Derrière quelques minutes d’animation se succèdent des métiers, des regards et parfois un travail extrêmement minutieux sur un décor ou un seul plan. « L’animation, c’est un vrai travail d’équipe », rappelle-t-il.

Millimages, un studio indépendant qui regarde au-delà de l’écran

Fondée en 1991, Millimages développe, produit et distribue des programmes d’animation. Son catalogue a vu passer des univers aussi différents que Mouk, Corneil & Bernie, Hilltop Hospital, Lascars ou, plus récemment, Molang.

Cette dernière propriété illustre particulièrement l’évolution décrite par Adrien Moretto. Une série peut désormais vivre à la télévision, sur YouTube et les réseaux sociaux, mais aussi à travers des produits dérivés et de nouveaux formats. Pour le directeur général, l’enjeu consiste donc à penser des personnages capables d’exister sur plusieurs supports sans perdre ce qui fait leur identité.

Cette stratégie s’inscrit dans l’histoire internationale du studio. Adrien Moretto insiste d’ailleurs sur ce point : l’ouverture au monde ne commence pas avec son arrivée. Elle appartient depuis longtemps au projet de Millimages. L’animation, explique-t-il, possède naturellement cette capacité à franchir les frontières.

Molang et la recherche de personnages qui durent

Avec Molang, cette ambition prend une ampleur particulière. Le personnage et son compagnon Piu Piu portent un univers fondé notamment sur l’amitié, la gentillesse et le partage. La série est devenue l’une des propriétés centrales de Millimages et son univers s’étend désormais bien au-delà de la télévision.

Mais Adrien Moretto regarde aussi ce phénomène sur un temps beaucoup plus long. Certains adultes d’aujourd’hui ont grandi avec Corneil & Bernie ou Lascars. D’autres ont découvert Molang enfants et continuent à suivre le personnage sur de nouveaux supports. Des parents commencent à leur tour à transmettre ces univers à leurs enfants.

« Notre challenge, c’est de trouver ces personnages qui puissent traverser le temps », résume-t-il.

Annecy, là où une rencontre peut devenir une série

Cette recherche passe aussi par les rencontres. Pour Adrien Moretto, le Festival international du film d’animation d’Annecy est à la fois un marché, un lieu d’observation et un rendez-vous humain. Pendant quelques jours, producteurs, auteurs, artistes, étudiants et partenaires venus du monde entier se retrouvent au même endroit.

Et certaines conversations apparemment fortuites peuvent avoir une longue histoire. Dans l’entretien, le directeur général raconte notamment comment des projets ont rejoint Millimages à la faveur de rencontres faites à Annecy. Une manière de rappeler que derrière les plans de financement et les stratégies internationales, l’animation commence encore souvent par un dessin que quelqu’un montre à quelqu’un d’autre.

Faire une place aux nouveaux talents

Adrien Moretto revendique également une attention particulière portée aux jeunes professionnels. La France dispose, souligne-t-il, d’écoles d’animation reconnues et d’un important vivier de talents. Millimages cherche à ouvrir ses productions à de nouveaux profils lorsque les projets le permettent.

Il ne dissimule cependant pas la difficulté du moment : les nouveaux diplômés arrivent sur un marché où la demande d’emploi peut dépasser les capacités de recrutement des studios. Donner sa chance à une nouvelle génération reste donc une ambition confrontée aux réalités économiques de la production.

Son propre parcours nourrit sans doute cette sensibilité : arrivé très jeune dans l'entreprise, Adrien Moretto y a lui-même progressivement changé de responsabilités jusqu’à en devenir directeur général.

Un métier condamné à se réinventer

Formats plus courts, nouveaux usages, réseaux sociaux, évolution des techniques, intelligence artificielle : le secteur ne cesse de bouger. Adrien Moretto ne présente pas cette transformation comme un épisode passager mais comme une donnée permanente du métier.

C’est peut-être là que se trouve le fil rouge de son parcours : la curiosité. Celle qui l’a conduit du droit vers l’audiovisuel, puis du financement vers la production et la direction d’un studio. Et celle qui oblige aujourd’hui Millimages à imaginer comment ses personnages pourront continuer à rencontrer leur public demain.

Dans cette conversation avec David Marmier, Adrien Moretto raconte bien davantage : le prix réel d’une série, les longs mois nécessaires à sa fabrication, les mécanismes de financement, le rôle des diffuseurs, les rencontres d’Annecy ou encore les mutations technologiques qui attendent l’animation. 

Photographie: David Marmier

Une rencontre qui lui a donné envie de revoir leur dernier film, Juste une illusion.

Et parfois, un deuxième regard change beaucoup de choses…

Même sa mère n’aurait pas totalement compris ce qu’il fait dans la vie. Jérôme Hilal le raconte avec humour, mais l’anecdote dit quelque chose d’un métier aussi déterminant que peu visible : celui de distributeur. Car entre le producteur qui fait naître le film et la salle qui l’accueille existe un maillon dont le public connaît rarement précisément le rôle. La distribution. À Montélimar, dans le cadre du Festival De l’écrit à l’écran, le cofondateur de Zinc est justement venu raconter ce qui se passe de ce côté-là du cinéma. Et remettre quelques définitions à leur place.

Le distributeur, cet inconnu du générique

Dans l’imaginaire du public, distribuer un film pourrait simplement signifier le faire parvenir jusqu’aux salles. La réalité commence beaucoup plus tôt. « On oublie un peu la distribution, qui est un endroit central, et surtout que les gens ne connaissent pas. » Jérôme Hilal situe le distributeur entre le producteur et l’exploitant, c’est-à-dire la salle de cinéma. Une position intermédiaire qui ne signifie pas pour autant qu’il intervient une fois le film terminé.

Bien au contraire. Dans la plupart des cas, le distributeur entre dans l’histoire alors que le film n’existe encore que sur le papier. Le scénario est écrit, le casting se précise, un budget existe et la production commence à chercher les financements nécessaires pour transformer le projet en film. C’est alors que le distributeur entre en scène.

« On est le premier guichet. »

L’expression résume l’importance de ce moment. Selon Jérôme Hilal, la présence d’un distributeur permet ensuite au producteur de solliciter d’autres partenaires financiers, notamment les chaînes de télévision. Avant d’imaginer l’affiche, la bande-annonce ou le nombre de salles, il faut donc commencer par croire à une histoire qui n’a pas encore été tournée. Distribuer, c’est aussi parier sur une promesse.

Des scénarios et des relations humaines

Le cinéma reste une industrie de prototypes : chaque film est différent du précédent et personne ne sait exactement ce qu’il deviendra une fois tourné puis monté. Dans cette incertitude, les relations humaines prennent une place particulière. Jérôme Hilal l’a notamment expérimenté aux côtés d’Éric Toledano et Olivier Nakache. Il les connaissait avant de devenir directeur de la distribution chez Gaumont, où les deux cinéastes avaient déjà réalisé Intouchables et Samba. À son arrivée, il fallait néanmoins construire une nouvelle relation.

Pas question, raconte-t-il, de miser simplement sur la sympathie. « On a tout de suite été dans le travail. » Avec le temps, la confiance s’installe. Une relation qui dépasse parfois le cadre strictement professionnel.

Avec Daniel Auteuil, une histoire devenue « familiale »

Cette dimension humaine, Jérôme Hilal la retrouve également lorsqu’il évoque Daniel Auteuil. Chaque film crée sa propre histoire et chaque cinéaste sa manière de travailler avec ceux qui l’accompagnent. Avec Auteuil, quelque chose s’est noué très rapidement. « C’est devenu très familial, très vite. »

Jérôme Hilal raconte même avec amusement que le réalisateur a d’abord dû se demander à qui il avait affaire face aux méthodes de Zinc et à ses deux associés. « Il nous a pris un peu pour des hurluberlus. » La surprise passée, la rencontre fonctionne. Il parle aujourd’hui avec une affection évidente de cette collaboration et d’un réalisateur qu’il décrit comme « phénoménal ». Une proximité qui permet aussi de comprendre ce que peut devenir la relation entre un distributeur et un cinéaste : pas simplement une entreprise chargée de commercialiser un film terminé, mais un partenaire qui accompagne une œuvre et ceux qui la portent.

Après Les Petites Victoires, Zinc retrouve Mélanie Auffret

Et l’histoire de Zinc continue de s’écrire avec des cinéastes déjà accompagnés. Parmi les prochains projets de la société figure ainsi un nouveau film de Mélanie Auffret. La réalisatrice occupe une place particulière dans l'aventure de Zinc puisque Les Petites Victoires avait été le premier film distribué par la société. Cette fois, le projet change d’échelle et Zinc s’associe à Pathé.

« C’était un film qui nécessitait plus de moyens et on avait besoin d’un soutien. »

Pathé, raconte Jérôme Hilal, a aimé le scénario. Les deux sociétés accompagneront donc ensemble le film. Sur son contenu, le distributeur n’en dira pas davantage lors de cette rencontre. Mais ce retour vers une cinéaste présente dès les débuts de Zinc illustre une nouvelle fois cette logique de fidélité qui traverse son discours.

Feignasse, avec Vincent Moscato

Autre projet évoqué à Montélimar : Feignasse. Le film a déjà été tourné et se trouve désormais au montage. Vincent Moscato figure au casting. Jérôme Hilal préfère d’ailleurs immédiatement corriger une possible confusion : au moment de l’entretien, ce n’est pas encore le film achevé qu’il juge, mais bien son scénario.

« Le scénario est hyper tendre. »

Feignasse racontera la rencontre entre un grand-père et sa petite-fille qu’il ne connaît pas encore. Deux personnages qui vont progressivement apprendre à se découvrir. Une histoire que le distributeur qualifie de « très jolie », tout en conservant cette prudence propre à son métier : entre le scénario lu, le tournage et le montage final, un film continue de se transformer.

Croire au film avant le film

C’est peut-être finalement ce que raconte le mieux cette rencontre avec Jérôme Hilal. Le métier de distributeur est généralement visible lorsque tout semble déjà accompli : une affiche apparaît dans les rues, une bande-annonce circule, une date de sortie est annoncée et le film arrive dans les salles. Mais son travail a commencé bien avant. Quelque part entre un scénario, un casting et un budget. À un moment où il faut lire, imaginer et décider d’accompagner quelque chose qui n’existe pas encore tout à fait. Avant le public, avant les salles et parfois avant une grande partie du financement, quelqu’un doit donc être parmi les premiers à dire : ce film mérite d’exister.

Et derrière cette décision économique se cachent aussi, à écouter Jérôme Hilal, des histoires de confiance, de fidélité et de rencontres.

Propos reccueillis dans le cadre du Festival de l'Ecrit à l'Ecran par Patrice CAILLET et Amandine BACCONNIER pour la RADIO DU CINEMA - 23.09.2026

Dix ans de métier et toujours « jeune actrice ». Le qualificatif ne dérange pas Marilou Aussilloux. Il la fait même sourire. Au Festival De l’écrit à l’écran, où lui est remis le Prix Jeunes Talents, elle mesure le chemin parcouru sans donner l’impression de vouloir le transformer en bilan.

Il faut dire que la suite est déjà là.

Après La Pie voleuse, elle retrouve Robert Guédiguian dans Une femme aujourd’hui, attendu en salles le 21 octobre 2026. Cette fois, elle occupe une place centrale. Celle de Juliette, personnage dont elle n’avait pourtant pas connaissance lorsque le réalisateur lui a envoyé le scénario.

Elle le lit jusqu’à la dernière page avant de demander à Guédiguian quel rôle il lui destine. Réponse : Juliette.

« J’ai été très émue. J’étais assez reconnaissante du cadeau de Robert. »

Il lui faudra une deuxième lecture pour mesurer ce qui vient de lui être confié : un rôle « très dense », dit-elle, et la responsabilité qui l’accompagne.

Entrer dans la famille Guédiguian

Tourner avec Robert Guédiguian, c’est rejoindre une histoire de cinéma commencée bien avant soi. Autour du cinéaste, les mêmes visages reviennent de film en film : Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan… Une troupe au sens presque théâtral du terme.

Marilou Aussilloux l’avait rejointe avec La Pie voleuse. Elle raconte aujourd’hui avoir très vite éprouvé un sentiment d’appartenance.

« Ils nous accueillent avec bienveillance et avec beaucoup de tendresse. »

Elle retrouve chez celles et ceux qui entourent Guédiguian quelque chose de son cinéma : des êtres qu’elle décrit comme « très tendres », « très humains ». La frontière entre la troupe et les personnages semble alors se réduire.

Cette manière de travailler suppose aussi une disponibilité particulière devant la caméra. Chez Guédiguian, peu de prises. Une, deux, parfois trois. Pas davantage.

Pour une actrice passée par le Conservatoire, l’expérience ne consiste pourtant pas à oublier la technique acquise. Aussilloux parle plutôt d’abandon : entrer dans la méthode d’un réalisateur, accepter ses règles et chercher ailleurs que dans la démonstration.

« Moi, j’aime bien jouer avec la nature et la spontanéité, l’instinct. »

Chez Guédiguian, cette recherche trouve un terrain particulièrement propice. Il faut arriver prêt, puis accepter ce qui survient.

Juliette et la question de la liberté

Dans Une femme aujourd’hui, Juliette semble avoir conquis son indépendance. Elle a changé de milieu, construit sa vie, choisi ses relations. Jusqu’au moment où ce qu’elle pensait acquis se fissure.

Pour Marilou Aussilloux, la question de la liberté traverse directement son personnage.

« On a fait énormément de progrès dans notre société, notamment par rapport à la place de la femme, et pourtant, il y a encore des choses à changer. »

Lorsque Juliette révèle ce qu’elle a vécu, elle n’est ni entendue ni crue. L’actrice parle d’une « double peine ». La liberté apparente du personnage se retourne contre elle avant qu’une autre voie ne se dessine, liée au secret familial mais aussi aux autres.

À l’entraide.

Au collectif.

Des motifs qui inscrivent pleinement Juliette dans le cinéma de Guédiguian.

« Il a fallu que je perde mon accent du Sud »

Mais un autre aspect du personnage rapproche plus intimement encore Marilou Aussilloux de Juliette : la question du milieu dont on vient et de celui que l’on rejoint.

Juliette s’est éloignée de son univers d’origine. Marilou Aussilloux a, elle, quitté Narbonne pour Paris et le Conservatoire. En lisant le scénario, elle reconnaît immédiatement quelque chose.

« Je me suis sentie assez proche d’elle quand elle dit qu’elle ne trouve pas sa place. Moi, j’ai mis du temps à la trouver aussi. »

Puis vient cette phrase, qui raconte à elle seule une partie du déplacement :

« Il a fallu que je perde mon accent du Sud. »

Faire ce métier lui a demandé d’adopter d’autres codes. Elle ne gomme pas ce que ce changement a pu avoir de douloureux. Et c’est aussi là qu’elle situe son attachement au cinéma de Guédiguian : dans sa capacité à filmer des territoires, des milieux et des gens qu’elle reconnaît.

« Il représente aussi l’endroit d’où je viens et les gens de ma famille, et puis les gens avec lesquels j’ai grandi. »

Derrière le parcours d’une comédienne apparaît ainsi une question qui dépasse le cinéma : que conserve-t-on du lieu d’où l’on vient lorsqu’on apprend à vivre ailleurs ?

Du texte à l’écran

La présence de Marilou Aussilloux à De l’écrit à l’écran n’a rien d’anodin. Avant le Conservatoire et les plateaux, il y eut une prépa littéraire et l’idée, un temps, de devenir professeure de français.

Les textes l’ont conduite vers le théâtre. Au cinéma, son rapport à l’écrit se déplace.

La langue peut compter, évidemment, mais elle dit être d’abord saisie par l’histoire. Devant une caméra, elle cherche une parole plus proche du personnage et d’elle-même, quelque chose de plus intime, de moins immédiatement porté par le texte.

Ce qui ne diminue en rien l’importance du scénario.

« Je continue à penser qu’un grand cinéaste, une grande cinéaste, c’est aussi quelqu’un qui a un scénario surpuissant. »

Une déclaration qui prend un relief particulier dans un festival précisément consacré au trajet entre les mots et les images.

Et Marilou Aussilloux continuera bientôt à circuler entre les deux. Elle doit rejoindre le tournage du premier long métrage de Tiphaine Raffier, un film de genre situé dans une ferme, aux côtés de Julien de Saint-Jean. Puis elle retrouvera la scène en janvier au Théâtre des Bouffes du Nord dans Nous, le Red Star, mis en scène par Théo Askolovitch.

Cinéma, théâtre, écriture : plutôt qu’une frontière entre les disciplines, son parcours dessine des passages.

Comme si, au fond, la question posée par Juliette dans Une femme aujourd’hui accompagnait aussi l’actrice : non pas seulement savoir d’où l’on vient ou jusqu’où l’on est arrivé, mais parvenir à trouver l’endroit où l’on peut enfin être soi.

Marilou Aussilloux était au micro d’Amandine pour La Radio du Cinéma, à l’occasion du Festival De l’écrit à l’écran de Montélimar. Une femme aujourd’hui de Robert Guédiguian sortira en salles le 21 octobre 2026.